Доклад История театра (история возникновения) сообщение
- Энциклопедия
- Разное
- История театра (история возникновения)
Театр – это особый вид деятельности человека. Главным элементом этой деятельности является игра, которая сопровождается музыкой, танцами и песнями. В переводе с греческого языка слово «театр» переводится как «место для зрелищ». Театр появился в глубокой древности, когда был расцвет культурной и духовной жизни людей.
Первые представления появились в 534 году до нашей эры еще в Древней Греции. На площадях городов греки праздновали праздники, надевали маски, переодевались в разнообразные костюмы, придумывали чучела животных. Позже для этих целей появились специализированные архитектурные сооружения. Это были первые театры. Они строились обязательно на холме. Сооружения были, как правило, открытыми и достигали огромных размеров. Они могли вмещать до 45.000 человек. В центре театре размещалась площадка орхестра или сцена.
На площадке под открытым небом выступали певцы, играли актеры. Актерами работали только мужчины. Они играли и женские роли. В основной театр женщин не допускали. За сценой размещались палатки для переодевания актеров и хранения реквизитов театра. Как таковых костюмов в тех театрах не было, актеры надевали красочные маски. В те времена все спектакли делились только на 2 вида: комедия и трагедия. Действие спектакля представляло собой исторический или мифологический рассказ.
Театр развивался вместе с человеком. В VI веке комедийные и трагедийные спектакли постепенно сменились представлениями на религиозные темы. Актеры разыгрывали литургические представления на большие церковные праздники. Тексты для артистов писали талантливые поэты.
Но помимо основного театра существовал еще и народный театр. Здесь актерами были бродячие артисты или скоморохи. Представления устраивали прямо на улицах, ярмарках, площадях. Театром для таких спектаклей служил ярко раскрашенный кусок холста или занавески.
В 1672 году при царе Алексее Михайловиче появился придворный театр, который был рассчитан на массового зрителя. По указу Петра I в 1702 году создан первый Публичный театр. Первый постоянный театр на Руси появился в 1729 году. Но только в 1756 году был учрежден государственный профессиональный театр.
Доклад №2
История есть у всего. Свою историю имеет и театральное искусство. Театр появился более двух тысячелетий лет назад, но он всё ещё продолжает развиваться.
Театр появился в Афинах в 5 веке до.н.э. Ни один религиозный праздник не проходил без театральных представлений. Изначально театр был предназначен для развлечения публики, с помощью сценок и песен в форме трагедий.
Первые представления были приурочены к религиозному празднованию Великих Дионисиев. Праздник сопровождался шествием со статуей бога Диониса, песнями и играми в драматическом стиле.
Важно, что любое представление могло быть показано единожды, при этом драматург должен был полностью выкладываться в своё представление. Он (драматург) не только писал пьесу, но и выполнял роль актера, режиссера, балетмейстера и композитора. Из этого следует, что драматургом мог стать только талантливый человек.
Кроме драматургов, в театральном искусстве были руководители хора или хореги. С хорегами было всё проще. Руководитель мог не обладать талантом, но должен был иметь деньги и связи со служащими. Его обязанностью было материальное финансирование и оплата счетов театра.
Существует несколько особенностей в театре и театральных представлениях того времени:
- Реализм. В Риме ценились выступления, в которых актер полностью вживался в роль и при необходимости был готов умереть.
- Выступающими были мужчины(независимо от роли).
- Актеры всегда выступали в масках (чаще всего в гротескных).
- Все лица, участвующие в жизни театра, освобождались от налогов.
- Греческие театры не имели крыш, но имели весьма внушительные размеры. Деревянные помосты античных театров вмещали до 44 тыс. человек.
Первый каменный театр построили в 6в.до.н.э.
Изначально представления могли посещать материально обеспеченные люди, но с приходом к власти Перикла, театр стал доступен всем гражданам.
Куклы в театре
Зарождение кукольного театра произошло в Египте. Изначально куклы использовались в жреческих обрядах, как часть поклонения культу предков. Позже оттенок религиозности исчез, и на его место встало высмеивание пороков и критика, за счёт образа куклы.
Театр в отечественной истории
Историю театра России делят на следующие этапы:
- Игрищный или начальный.
- Средний.
- Зрелый.
Начальный период берет своё начало в 11 веке(первое упоминание в 1068 – скоморохи). Актером в период игрищ(выступления) мог стать любой, но должность считалась постыдной, а самих скоморохов считали слугами дьявола, а их игру – грехом. Сами представления имели вид сатиры.
Средний этап начинается в период правления Алексея Михайловича и длится до Петра Первого. Петр любил зрелища, но кроме развлекательной функции, к театру приобщили пропагандистскую. В период правления Петра театр стал общедоступным и популярным местом для людей.
Зрелый этап начинается с открытия Императорского театра(30 августа 1756) и продолжается по сей день. Именно в зрелый период, театр стал тем, что люди представляют и видят в настоящее время.
Для детей
История театра (история возникновения)
Популярные темы сообщений
- Цветок Герберы
Многие даже не когда ни слышали про данный цветок, и это нормально.
Потому, что его можно спутать с другими и не увидеть его ту изюминку и уникальность, через которую он выделяется на фоне других. - Майский жук (виды, образ жизни, чем питаются)
Майские жуки — это членистоногие насекомые. Так же из называют майский хрущ. Такое название произошло оттого, что они массово появляются в природе весной в мае. Время появления приходится на период распускания листьев деревьев.
- Белый носорог
Наверное, каждый из нас знает кто такой белый носорог. Видеть его приходилось, к сожалению не многим. Это связано с тем, что данный вид встречается на сегодняшний день очень редко. Еще до недавнего времени белые носороги обитали в Африке, Судане, Намибии,
- Елизавета I
Елизавета I вошла в историю как одна из величайших правительниц. Она полностью изменила ход истории и одна правила практически пятьдесят век. Елизавета смогла превратить свое государство, которое находилось в плохом состоянии в могущественную державу.
- О любом растении из красной книги
Безусловно, кувшинку белоснежную, можно отнести к семейству Кувшинковых.
Привычным местом обитанием для благоприятного роста и развития являются реки и озера, а также немало водные болота. При благоприятной среде может разрастаться по всех
Потому, что его можно спутать с другими и не увидеть его ту изюминку и уникальность, через которую он выделяется на фоне других.
Привычным местом обитанием для благоприятного роста и развития являются реки и озера, а также немало водные болота. При благоприятной среде может разрастаться по всехИстория театра. Театр как вид искусства.
Реферат по учебной дисциплине «Культурология»
на тему: «История театра. Театр как вид искусства».
План
1. Введение.
2. История театра. Понятие и происхождение.
3. Театр в Древней Греции и Риме.
4. Актёры театра Древней Греции и Рима.
5. Виды театра и структура театра. Драматический театр, театр оперы и балета, кукольный театр и др.
6. Заключение.
7. Список литературы.
1. Введение.
Театр является одним из главных видов зрелищного искусства, возник в Древней Греции. Это особенное, специфическое искусство, которое и сегодня, как и в древности, продолжает притягивать к себе большие массы людей. Говоря о театре, прежде всего, принято указывать на его синтетическую природу.
Театр – это соединение литературы, актёрского мастерства, режиссуры, музыки, пластики, живописи, техники сцены. Причём это соединение качественное и всегда неповторимое. Уникальность театра в этом и состоит. Всякий раз играемый спектакль выглядит иначе, чем в предыдущий раз. Актёры не играют одинаково, а зрители реагируют по-разному. Это делает театр живым, одухотворённым искусством, который, в то же время, не может существовать без публики, т. к. он питается реакцией и эмоциями зрителей.
Театральное искусство во все времена остро реагировало на социальные и морально-нравственные проблемы. Не случайно Н. В. Гоголь представлял театр как метафорическую кафедру, позволяющую сказать людям «много добра». Эти слова и сегодня очень актуальны, вот почему театр продолжает играть такую важную роль в современной культуре и жизни.
2. История театра. Понятие и происхождение.
Театром называют специальное место для созерцания какого-либо зрелища эстетического и художественного характера.
Согласно этимологическому словарю, источником термина служит древнегреческое слово «θέατρον», в переводе как раз и означающее «место для зрелища». В свою очередь, указанная лексема ведёт начало от другого слова – «θεάομαι», т.е. видеть или смотреть. Но на этом смысловая цепочка не заканчивается, и учёные сопоставляют «θέατρον» с существительным «теория» («θεωρία»), что вполне логично, т.к. их объединяет общая мысль о созерцании. Примечательно, что «теория» имеет общий корень со словом «Теос» («Τέος» – Бог).
В Древнем Риме понятие «созерцать» уже очень давно приобрело религиозную подоплёку. Таким образом, приход в театр означал для римлянина созерцание и связанное с этим процессом восхищение храмом, а если брать шире, то и миром в целом. Для них театр являлся не столько практикой, сколько теорией, ведь созерцая театральное представление, человек античности познавал, таким образом, мир, воспринимал те или иные образы. В итоге, театр становился промежуточным пунктом между миром людей и миром божественным.
Предпосылки к возникновению театра возникли ещё в древности. Чтобы понять это, достаточно обратиться к ритуалам, к празднествам, бытовавшим в первобытном обществе. Люди охотно играли, воспроизводили различные ситуации, показывали поразившие их явления. И эти действия можно считать зачатком театра. Полноценным это искусство сделалось тогда, когда у представлений появились зрители, т. е. в Древней Греции и в Древнем Риме.
Развиваясь, театральное искусство вобрало в свою структуру практически все существующие виды искусств, что позволило ему стать особенным в восприятии зрителей. С давних времён театр ассоциируется с культурным подъёмом, с расцветом интеллектуальной и творческой жизни. Главной своей задачей театр видит в том, чтобы вовлечь зрителя в тот круг проблем, который поднимает постановка, и побудить его к эмоциональной и интеллектуальной активности.
3. Театр в Древней Греции и Риме.
Родиной театра в полном смысле этого слова является Древняя Греция.
Датой первого представления считается 534 год до н. э. Именно тогда древнегреческая публика увидела первую в истории человечества трагедию, принадлежащую перу Афина Феспида. Поскольку по данным учёных это произошло 27 марта, то теперь этот день празднуется как день театра. После этого события трагедийные или комедийные представления стали в Древней Греции традицией.
В большинстве случаев основу трагедий составляли мифы, однако авторы старались через этот материал преломить современные проблемы. Древнегреческая комедия (или аттическая комедия) являлась синтезом общественной проблематики и обрядов, игры, веселья и представляла собой острую сатиру существующих недостатков. Театр играл огромную роль в жизни афинян, являлся для них настоящей школой.
Благоприятными условиями для развития театра послужил подъём афинской демократии. Свободные граждане получили возможность принимать участие во всех общественных делах. В круг этого влияния входил и театр, который своего пика достиг в V веке до н.
э. Представлен он множеством имён, среди которых выделяются титаны: Эсхил, Софокл, Еврипид и Аристофан. Первые три драматурга писали трагедии, а Аристофан был комедиографом. Их драматургический опыт был переложен в теоретический труд, который и сегодня востребован учёными. Речь идёт о поэтике Аристотеля.
В Древней Греции театр почти сразу приобрёл статус государственного; в нём вели свою деятельность соответствующие должностные лица, которые координировали вопросы организации и финансирования.
Театральные представления всегда были приурочены к дням почитания бога Диониса, а потому проводились три раза в год. Они были построены по принципу состязаний: между собой соревновались три трагических поэта и столько же комедийных. Трагедийная секция включала в себя одну сатирскую драму и три трагедийные пьесы; комическая секция – всего одну комедийную пьесу. В финале подводились итоги, и имена победителей конкурса в номинациях драматург, актёр и хорег фиксировались документально.
Греки строили огромные и открытые сооружения для театра, позволявшие вмещать в себя огромное количество зрителей – по несколько десятков тысяч. Античные театры сохранились и до наших дней и являются уникальными памятниками культуры.
С течением времени театр эволюционировал, и в процессе его совершенствования менялась внутренняя сущность этого вида искусства: если поначалу на первых ролях выступал хор, а актёр был вспомогательным звеном, то потом они поменялись местами, и именно история личности становилась главной. Это привело к изменению структуры пьесы: уменьшились партии хора (при сохранении его присутствия), увеличилось число актёров и – как результат – сюжеты приобрели динамичность и остроту. Театр одновременно был связан и с культом и с искусством. В первую очередь, он был связан и Дионисом, о чём свидетельствовал алтарь, размещённый в орхестре. Религиозное начало древнегреческого театра доминировало.
Сложилось и традиционное строение древнегреческого театра, при этом ориентиром для всех остальных служил афинский образец.
Театры возводились, как правило, на подножиях холмов (это делалось из экономических соображений). Театр состоял из нескольких частей: орхестра (место для хора и актёров), скены ( площадь со зданием) и помещения для зрителей.
Однако, как и идейно-смысловая основа древнегреческого театра, внешняя его часть также видоизменялась, но принцип основного деления оставался прежним. Это происходило в основные периоды его существования – классический и эллинистический. Театр играл огромную роль в жизни людей во все периоды, являлся культурно-религиозным центром. Благодаря древнегреческому театру развилось искусство драматургии, представленное искусством Эсхила, Софокла, Аристофана и многих других, чьё творчество впоследствии оказало ключевое влияние на мировую литературу.
Римский театр в своей основе ориентировался на древнегреческий образец. Как и в Древней Греции, рождение этого искусства имело религиозную подоплёку, только празднества, впоследствии переросшие в театральные действа, устраивались в честь римского бога Сатурна.
Праздники в его честь стали именоваться Сатурналием. Римляне совершали на них различные обряды, носящие как религиозный, так и игровой характер. Иногда в структуру празднества приносились карнавальные элементы. Не обходилось и без музыки, сатирических песен (фесцинины).
Тенденция к подобным зрелищам сложилась ещё в далёкой старине, когда были распространены пляски и мимические представления этрусков, позже с добавлением диалогов, сопровождающихся жестами.
Актёрство, начавшееся распространяться в Древнем Риме, получило большой отклик у молодёжи, которая с увлечением подражала им. В своих представлениях они стремились обличить существующие социальные пороки и даже определённых знатных лиц, что потом стало запрещено. В 240 г. до н.э. было дано первое представление по специально сочинённым трагедийному и комедийному произведениям (автор Ливий Андроник), который также руководствовался древнегреческим опытом.
Тем не менее, следует отметить, что в Риме театр не имел столь важного социального значения, как это было у греков.
Во главу угла римляне ставили развлекательную функцию и зрелищность. Всё это строилось на формах, изобретённых в Древней Греции. Римляне больше тяготели к сатире, к шутке, нежели к трагедии. Поначалу в древнеримской литературе оригинальных произведений в этом жанре не было, и на сцене ставились переводные древнегреческие пьесы, адаптированные под римскую действительность.
Проблема существовала ещё и в отношении к мифам. У греков мифология была основой для культурных начинаний, а римляне не испытывали большой потребности в том, чтобы перекладывать мифы в театральные пьесы, поэтому драматургический процесс в данном направлении не отличался интенсивностью. Не испытывали интереса к мифам и древнеримские зрители. Поэтому показ переводных пьес (в пересказе) был единственным способом привлечь их, ведь сюжеты древнегреческих трагиков были способны захватить внимание зрителей.
Но римляне, берясь за трагедии греков, проявляли вольность и безжалостно кроили структуру пьес. Из-за пересказов трансформировалась композиция и общая концепция.
Хор был практически устранён, вместо него были введены новые песни, либо монологи, читаемые корифеями. Дуэты актёров, либо монодии стали заменой хоровых песен. Таким образом, трагедия в Древнем Риме имела совсем другое лицо, нежели на её родине.
Римская комедия, напротив, развивалась очень интенсивно и своеобразно. Точка исхода римской комедии – комическое представление ателлана с использованием масок, носящих ярко выраженный характер. Среди масок было четыре постоянных, и все они обладали чётко обозначенными особенностями. Важное обстоятельство – актёры-маски сами сочиняли текст по ходу действия, то есть, в основе представления лежала импровизация.
Выдающимся римским комедиографом считается Т. М. Плавт, который, имея актёрский опыт, знал законы театра, а потому сумел создать великолепные комедии. Другая важная фигура римской драматургии – Г. Невий, проявивший себя и как комедиограф, и как сочинитель трагедий. Именно его литературные традиции продолжил Т. М. Плавт, чьим преемником стал Теренций, заложивший основы психологизма в драматургии.
Таким образом, театр Древней Греции и Древнего Рима можно отнести к величайшим культурным достижениям человечества, которые были важны не только для античной эпохи, но и последующих эпох в развитии человечества.
4. Актёры театра Древней Греции и Рима.
В театральных представлениях Древней Греции участвовали хор и актёры. Количество хористов превышало количество актёров, которых, как правило, было не больше трёх. В связи с этим можно обозначить одну специфическую черту, связанную с профессией древнегреческого актёра. Она заключается в исполнении одним актёром нескольких ролей, в том числе и женских, в пределах одной пьесы. Главная роль обычно принадлежала автору пьесу.
Если говорить о классификации актёров, то здесь можно говорить не только о трагиках и комиках. Артисты оценивались высшими лицами по масштабу их мастерства, и в соответствии с этим они подразделялись на следующие категории: протагонист, девтерагонист и тритагонист.
Большую роль в актёрском самовыражении играл костюм. У трагиков это были одеяния – или белые или цветные, очень длинные, достававшие до полы, на ногах у них были котурны – высокие сапоги, имеющие толстую подошву, чтобы казаться выше. Актёры-трагики выступали в характерных трагических масках, с использованием париков. Всё в этом костюме было направлено на то, чтобы облагородить облик актёра, придать ему торжественное звучание.
Костюм комедийного актёра выполнял противоположную функцию – сделать его смешным. Для этого комики надевали маски гротескового характера, укороченные одеяния с подкладными подушками для зрительного увеличения массы тела, чтобы добиться комического эффекта.
Пользовались масками и хористы. Они носили костюмы и маски, изображая людей, животных и даже неодушевлённые объекты. Таким образом, костюмы актёров были неотъемлемой частью их мастерства и спектакля в целом.
В Древнем Риме актёры не были профессионалами и состояли только из мужчин.
Эта профессия не относилась к уважаемым профессиям. Если зрителям не нравилась игра, то они могли подвергнуть актёра осмеянию или даже избить. Уже тогда актёрские труппы набирались антрепренёрами – хозяевами актёров, который также продумывал все нюансы представления и его организацию. Актёры готовились к спектаклю на репетициях, где отрабатывали мизансцены, думали над пластическим и мимическим решением роли, костюмами и масками.
Охарактеризовать актёрские амплуа театра Древнего Рима следует по типам представлений. Об ателлане и актёрах-масках уже говорилось выше. Существовал и другой тип театрального действа – паллиаты, в которых главными действующими лицами были раб и его господин, при этом первый разным хитроумными способами устраивал дела второго.
Жанр мим, который объединил в себе все специфические моменты римской культуры, требовал соответствующих актёров, которые могли бы изобразить, как обычных людей, так и разбойников, которые довольно часто являлись персонажами историй этого жанра.
Вторым популярным жанром была пантомима – представление без слов. Актёры, участвующие в пантомиме, должны были обладать выразительной пластикой. От артистов, работающих в жанре пирриха, который представлял собой имитацию боя, воплощаемого в танце, требовалось хореографическое мастерство. Пантомима и пирриха шли в амфитеатрах, подобно гладиаторским боям. Актёрское мастерство древних греков и римлян, их жизнь и традиции представляют собой интереснейший объект для изучения.
5. Виды театра и структура театра. Драматический театр, театр оперы и балета, кукольный театр и др.
Современный театр впитал и сохранил многие традиции античного театра. Это касается и его структуры. Многие принципы устройства античного театра перешли в устройство театра нового времени с сохранением многих названий (скена – сцена). Само слово «театр» также греческого происхождения и его семантика практически аналогична русскому значению.
Современный театр подразделяется на две основных части: для артистов и для зрителей, то есть сцену и зрительный зал соответственно.
Сцена в наше время в основном имеет тип коробки (т.е. п-образна) и замкнута. Общение со зрителем происходит через портал. Обязательное условие (по крайней мере, в традиционном театре) – одежда сцены, состоящая из арлекина и занавеса, падуг и кулис, задника.
Занавес – это плотное полотно, разделяющее зрительный зал и сцену. Полотно имеет яркий цвет, чаще всего тёмный или бордовый, возможно его украшение бахромой или вышивкой, символизирующей суть театра. Классический пример – чайка на занавесе МХАТа. Занавес может раздвигаться, либо подниматься. Его функция – делать сцену невидимой для глаз зрителя в необходимые моменты. Арлекин – горизонтально расположенное полотнище, находящееся в органическом единстве с занавесом и всем помещением.
Кулисы предназначены для пространственного деления сцены, для её углубления. Падуги, помимо всего прочего, выполняют и техническую функцию – закрывают от зрителя осветительные приборы. В отличие от занавеса, кулисы и падуги не призваны привлекать к себе внимание, поэтому они не бывают ярких цветов.
Зато имеют разнообразные фасоны: гладкие, со сборками, со сборками вручную.
Задник закрывает заднюю часть сцены, как это и следует из названия. Но на этом его назначение не ограничивается. Задник – это ещё и фон, сопровождающий сценическое действие, а также логическое завершение ансамбля сценической коробки. Как и кулисы, задник работает на изменения пространства сцены, на создание перспективы. Ткань для задника выбирается неплотная и светлая.
Зрительный зал также сложен по своей структуре, в которую входят партер, ложи, амфитеатр, балконы, ярусы, бельэтаж, бенуары. В нём всё устроено для удобства зрителей, которые получают возможность обозревать спектакль из центрального пространства, сбоку и сверху.
По мере развития театрального искусства произошло его разделение на два основных вида: профессиональный и самодеятельный. Профессиональный театр – это юридически зафиксированное учреждение, творческий коллектив которого состоит из профессионалов со специальным образованием.
Театр такого типа имеет сложную материальную базу, зависит от коммерческого успеха и наполняемости зрительного зала.
Жанры профессионального театра: драматический, театр оперы и балета, детский театр, кукольный театр, театр оперетты. Драматический театр осуществляет постановки на основе драматургических произведений. Однако искусство драматического театра синтезировано, т.к. оно использует другие виды искусства: музыку, танец, пластику.
Театр оперы и балета базируется на постановке обозначенных в названии жанров. Для такого театра обязательна масштабная сцена, качественное техническое оснащение, сложные и разнообразные декорации. В своём штате театр оперы и балета имеет не только певцов и танцоров, но также хор, оркестр, кордебалет, дирижёра, балетмейстера и множество других специалистов.
Детский театр (ТЮЗ) – это коллектив взрослых актёров, представляющих постановки для детей. Его главной особенностью является то, что даже детские роли в нём исполняют взрослые.
В ТЮЗы подбирают особенных актёров – как по фактуре, так и по внутреннему содержанию.
Кукольный театр – театр, совмещающий в своей труппе актёров-людей и актёров-кукол. При таком театре обычно функционирует мастерская, где изготавливают кукол. Репертуар в кукольном театре преимущественно сказочный. Такой театр очень зрелищный и кроме художественно-эстетического направления имеет и воспитательную функцию.
В театре оперетты, как и в театре оперы и балета, главным художественным средством являются музыка и танец; слово в нём, хотя и присутствует, менее значимо. Оперетта носит более лёгкий и развлекательный характер, чем опера. Оперетты – это комические музыкальные произведения, в них не бывает трагического сюжета. И хотя оперетту часто обвиняют в легкомыслии, музыку в этом жанре создавали крупные композиторы.
Если говорить о любительском театре, то его главное отличие заключается в привлечении непрофессионалов, в отсутствии юридического статуса. Актёры, играющие в нём, не получают зарплаты, всё в таком театре держится на энтузиазме, в том числе, и материальная база.
Таким образом, современный театр – это многообразное и многожанровое искусство, которое делает культурную жизнь насыщенной и богатой, позволяет говорить о многих проблемах языком метафор и символов. Его корни лежат в античном театре, что даёт право назвать его одним из самых древних искусств на земле.
6. Заключение.
На основе всего вышесказанного можно установить следующее. Театр возник в античности – тогда же и сформировалась его синтетическая природа. Театр наилучшим образом отвечал потребностям человека в игре, представлениях, перевоплощениях. Поначалу он тесно был связан с верованиями древних греков и римлян, но постепенно религиозное начало ушло из театральной структуры. Его назначением стало служить людям, а не богам. Театр на протяжении долгих веков не только развлекал, но и просвещал, и воспитывал, и обогащал личность эмоциями. Истинный театр всегда стремился очистить душу человека, заставить его пережить катарсис. Театр – это возможность мощно воздействовать на умы и сознание людей, поэтому на театральных деятелях лежит большая ответственность.
7. Список литературы.
1. Головня В.В. История античного театра. – М.: Искусство, 1972. – 400 с.
2. Иллюстрированная история театра. – М.: БММ, 1999. – 592 с.
3. Эмихен Г. Греческий и римский театр. – М.: Либроком, 2012. – 312 с.
История возникновения театра для детей в России
Театр – это вид искусства, основанный на отражении сути вещей при помощи слова, музыки, движения, танца и мимики. Театральная постановка – это необязательно привычный нам спектакль на сцене. К театральному искусству относятся художественная самодеятельность, костюмированные шествия, карнавалы, кукольные и батлеечные представления, интерактивные постановки.
Оперный театр, Чикаго, штат Иллинойс, США
Великий гений У. Шекспир сказал: «Весь мир – театр, а люди в нем актеры!». И оказался прав! Но, театр – это, прежде всего, зрелищная постановка, перевоплощение. Постановка, призванная развлекать, отвлекать и поучать.
Современный детский театр зародился в начале XX века, но его история началась раньше и была непроста.
Начало начал или откуда появился театр
Впервые о театральных представлениях упоминается в истории Древней Греции. Афинский театр V века до н. э. начался с ряженых шествий в честь религиозных праздников и предназначался для небольшой толпы зевак. Но уже тогда это было поучительное зрелище, цель которой – показать величие богов и трагедию святых.
Древний спектакль показывался только один раз! А автор не только писал пьесу, но и был ее участником. Это был тяжелый труд, а постановщики – талантливыми людьми.
Сцена в театральных античных постановках появилась чуть позже, когда представления стали собирать огромное количество народа. Сначала для зрителей были построены деревянные помосты, которые вмещали до 50 тысяч человек. В IV веке до н. э. был построен первый каменный театр.
Античный театр, Афины
Афинский государственный деятель Перикл поощрял заинтересованность малоимущих масс к театральным постановкам. Для этих целей каждому человеку выделялась субсидия для одноразового посещения театра под открытым небом.
В богатых, знатных домах небольшие семейные представления также стали приобретать популярность. В них участвовали все домочадцы: от малышей до взрослых. Такие домашние театры стали показателем высокого просвещения в семье и статуса среди верхушки знати.
Театр «шагает» по планете
С появлением бродячих театральных трупп – театральная «лихорадка» завоевывала территории. Среди простого народа особой популярностью стали пользоваться кукольные постановки, иногда представленные только одним актером. Появились любимые персонажи: например, Полишинель – во французских городах и провинциях, Пульчинелла – на итальянских карнавалах, Витязь Ласло – в венгерских городах, Петрушка – на русских ярмарках. Первые постановки не имели сценария, а действие развивалось в зависимости от обстоятельств, внимания и реакции зрителя.
С развитием кукольного театра религиозная тема стала отходить на второй план. Простые люди охотней шли на представления, где высмеивались власть имущие, а также людские слабости и пороки: лень, жадность, зависть, обжорство, прелюбодеяние.
Появились спектакли для детей на основе народных сказок и преданий. На общественных представлениях – это были незатейливые мини-постановки, цель которых была рассмешить зрителя.
Постановки с использованием кукол
Так постепенно, наряду с драмой и трагедией появилось еще одно направление – комедийное. В богатых домах, вместе с незатейливой шуточной постановкой бродячие артисты показывали и серьезные спектакли по народным балладам и великим произведениям.
В России первые спектакли называли игрищами, а актерами были скоморохи. С точки зрения церкви – развлекательная деятельность скоморохов была постыдная и острая сатира не приветствовалась, но и не запрещалась. Первое упоминание о скоморохах датируется 1068 годом.
Первый детский театр в России
Сегодня детский театр – это театральная постановка для юных зрителей по мотивам народных сказок, старинных преданий и современных историй. Причем представления могут быть разными: от классических спектаклей до интерактивных игр.
Но в далеком 1779 году все выглядело совершенно не так…
Свою задумку о детском театре гениальный ученый Андрей Тимофеевич Болотов лелеял давно, но осуществить мечту ему удалось только на свое 41-летие. Детский театр, в интерпретации А. Болотова, представлял собой постановку, где в роли артистов выступали юные жители Богородицкого дворца, в т. ч. и его сын – Павел Болотов.
Главной целью детского театра Болотова было обучение юных душ основным принципам морали, различию между: добром и злом, искренностью и фальшью, щедростью и жадностью, трудолюбием и ленью.
Для собственного детского театра А. Болотов сам написал многие пьесы, которые носили воспитательный и назидательный характер. И они не были детскими! Среди них наиболее известны: «Несчастные сироты», «Честохвал», «Награжденная добродетель». Болотов считал, что такие серьезные постановки помогут подготовить ребенка к взрослой жизни. И поэтому никаких поблажек для юных актеров! Дети не играли в постановках – это был труд, тяжелый ежедневный труд, наравне со взрослыми.
Богородицкий дворец, ныне музей-заповедник, Богородицк, Тульская область
Источник фото
Представления первого детского театра в Богородицком дворце собирали аншлаг. На спектакли съезжались люди со всей округи и других городов.
Первый детский театр А. Болотова стал прототипом привычного нам театра: со сценой, зрительным залом, суфлерской будкой, поднимающимся занавесом. А. Т. Болотов был хорошим художником, поэтому все декорации он рисовал сам. Им же были изобретены двойные кулисы, позволяющие быстро сменять декорации.
Вскоре на основателя детского театра начались нападки. Главным обвинением было то, что дети совершенно забросили учебу и трудятся наравне со взрослыми. А. Т. Болотов вынужден был покинуть Богородицк, и с его отъездом театр перестал существовать.
Детский театр для детей
Творческие круги интеллигенции по всему миру обсуждали вопрос о создании театра для детей, но дальше споров и дебатов дело долго не продвигалось. Первый театр для детей был открыт в 1903 году в Нью-Йорке.
Детский театр Саванны, Джорджия, США
Источник фото
Этот опыт американцев переняли только спустя 15 лет и создали первый театр для детей в России при поддержке А. В. Луначарского. Первые репертуары были по мотивам русских народных сказок и классической литературы. В годы советской власти появились школьные и студенческие спектакли на актуальные темы, воспитывающие в молодом поколении дух патриотизма, пионерский героизм, комсомольское мышление.
Сегодня детский театр для детей претерпел многие изменения. Расширился репертуар, ушел в прошлое советский патриотизм, но главная идея А. Болотова сохранилась: через игру, сказку и приключения донести до детей понятия добра и зла, взаимопомощи и безразличия, щедрости и жадности, лени и трудолюбия.
Несмотря на развитие детских каналов на TV, дети с удовольствием приходят на театральные постановки. Если ты один раз побывал в детском театре, то его волшебную атмосферу не забудешь никогда!
Театральная постановка для детей
Источник фото
Театр для самых маленьких
Все постановки делятся на возрастные категории, например, малыши легко высиживают спектакли малой формы, не более 1 часа.
А если еще можно потрогать героя, помочь ему, а также поучаствовать в играх, то восторгу и вовсе нет предела. Да, существуют и такие театры, и называются они интерактивными театрами для детей.
Что же такого необычного несет интерактивный спектакль? Дети – это самые непосредственные, самые любопытные существа на нашей планете. Им мало наблюдать, а надо потрогать, поучаствовать, спеть и даже потанцевать. Но не будем заставлять детей, как А. Т. Болотов, трудиться день и ночь. А просто дадим им возможность очутиться в сказке, поучаствовать в незабываемых приключениях, поиграть в интерактивные игры, научиться быть в составе команды.
Интерактивный спектакль в Бэби театре
Интерактивный детский театр – это первый шаг ребенка на пути к искусству, культуре и просвещению!
С недавнего времени появился новый формат интерактивного детского театра – для самых маленьких. Все спектакли, рассчитанные на столь юный возраст, легки в восприятии, занимательны, кратки, а дополнительный бонус в виде мамы (папы, бабушки…) на заднем плане, недалеко от сцены, поможет малышу быстрее адаптироваться.
Да, и еще несколько слов про сцену, кулисы и ровные ряды кресел… В интерактивном театре их нет! Малыш прямо с порога окунается в сказочный мир, где он может проявить себя или остаться просто наблюдателем.
Краткая история театра
Театр, возможно, является наиболее выразительным средством повествования и постоянно адаптируется к меняющимся временам. Хотя сегодня зрители, как правило, слушают живое повествование, не выходя из наших гостиных, исключительно для развлечения, так было не всегда. Театральные труппы прошлого шли на многое, чтобы рассказать свои истории, и у зрителей был совсем другой опыт, чем у сегодняшних.
В то время как человечество передавало истории устно с тех пор, как мы научились использовать язык, институт театра появился гораздо позже. В конечном счете, ранние версии театра сильно отличались от театрального представления, которое мы могли бы посетить сегодня.
Пьесы прошлого основывались на религии и традициях. Ранние греческие и китайские представления особенно богаты религиозными посвящениями и общинными традициями.
Древнегреческий театр
Древнегреческая история тесно связана с театром. Ранние пьесы ставились в честь бога Диониса, бога вина, плодородия, а позже и самого театра. Хоры начали исполнять написанные в его честь гимны, получившие название дифирамбы. Эти хоры постепенно стали переодеваться в костюмы или маски, но все же не были похожи на театр, каким мы его знаем сегодня. Только в 6 веке до нашей эры, при афинском правителе Писистрате, появилось то «действо», которое мы знаем. Писистрат учредил ряд публичных праздников, один из которых был посвящен Дионису. День посвящен музыке, танцам и поэзии. Сообщается, что один мужчина, Феспис, вырывался из телег, чтобы читать стихи в образе; Отсюда и произошло слово «трагедий». Его зрители даже не искали развлечений, они просто бродили по фестивалю. Создавая важный исторический прецедент, богатые граждане жертвовали деньги на искусство в надежде стать влиятельными в политике и обществе. Этот процесс менялся на протяжении всей истории, но богатые греки спонсировали пьесы за счет специального налога, называемого 9.
Ранний китайский театр
Есть некоторые споры о том, как далеко в действительности уходит корнями китайский театр. Это не связано с отсутствием доказательств, поскольку древняя китайская культура очень рано разработала письменность. Вместо этого это больше связано с тем, что квалифицируется как «театр». Еще в 2205 г. до н.э. есть записи о различных церемониальных танцах, представляющих и изображающих животных или занятия. Подобно древним грекам, ранние китайские цивилизации проводили фестивали, состоящие из танцев, музыки и даже хора. Некоторые из них прославляли военные победы, другие прославляли религиозный дух, но эта версия театра имела гораздо большее влияние в Китае, чем в Греции.
У зрителей также не было мест во время этих фестивалей, поэтому им приходилось либо стоять, либо сидеть на протяжении всего выступления. Подобия настоящей театральной площадки еще не было, поэтому спектакли были разбросаны по фестивалям. В конце концов, это изменилось. В 1122 г. до н.э. некоторые представления запрещалось связывать с религией. Танцы и костюмы стали более роскошными, и исполнители танцевали на сцене, созданной специально для этой цели. Это позволяло людям собираться в определенном месте для выступления, но эти представления не состояли из повествования. Были акробаты или танцоры, но зрители могли уйти в перерывах между действиями. Это не требовало многочасовой концентрации. Более привычный вариант театра появился в Китае в VI веке с Daimain (Маска). В нем рассказывалась история принца с такими мягкими чертами лица, что ему требовалась маска, чтобы напугать своих врагов. Примерно в это же время появилось несколько других классических произведений, в которых использовались уже знакомые сцены боевых искусств и женщины с длинными струящимися рукавами, которые позже стали популярными в китайской опере.
театр | Определение, история, стили и факты
Teatro Farnese
Смотреть все СМИ
- Ключевые люди:
- сэр Джон Ванбру Альдо Росси Клод-Николя Леду Анж-Жак Габриэль Марсель Брейер
- Похожие темы:
- театральный дизайн планетарий амфитеатр шоубот авансцена
Просмотреть весь связанный контент →
Резюме
Прочтите краткий обзор этой темы
театр , также пишется театр , в архитектуре здание или помещение, в котором может быть представлено представление перед публикой. Слово происходит от греческого theatron , «место наблюдения». В театре обычно есть сцена, где происходит само представление. С древних времен эволюция дизайна театров определялась в значительной степени физическими потребностями зрителей, чтобы видеть и слышать исполнителей, а также меняющимся характером представляемой деятельности.
Происхождение театрального пространства
Цивилизации Средиземноморского бассейна в целом, Дальнего Востока, Северной Европы и Западного полушария до путешествий Христофора Колумба во второй половине 15 века оставили следы построек, связь которых с религиозно-ритуальной деятельностью их связывает в театр. Исследования в области антропологии предполагают, что их предшественниками были круги у костра, вокруг которых собирались члены первобытной общины для участия в племенных обрядах. Карнак в Древнем Египте, Персеполис в Персии и Кносс на Крите — все они представляют собой примеры архитектурных сооружений, намеренно церемониальных по замыслу, размеров и конфигурации, подходящих для большой аудитории. Они использовались как места собраний, в которых жреческая каста пыталась общаться со сверхъестественными силами.
Не до конца понятен переход от ритуала, предполагающего массовое участие, к чему-то близкому к драме, в которой проводится четкое различие между активными участниками и пассивными наблюдателями.
В конце концов, однако, жреческая каста и исполнитель стали физически отделены от зрителей. Так возник театр как место.
События в Древней Греции
Визуальные и пространственные аспекты
В самый ранний период театра в Древней Греции, когда поэт Феспис, которому приписывают изобретение трагедии и первый актер, прибыл в Афины в 534 г. до н. э. с его труппа на повозках, представления давались на агоре (то есть на рыночной площади) с деревянными трибунами для сидения зрителей; в 498 трибуны рухнули, несколько зрителей погибли. Подробные литературные отчеты о театре и декорациях в Древней Греции можно найти в De architectura libri decem римского писателя I века до н. Поллукс. Однако, поскольку эти трактаты появились через несколько сотен лет после классического театра, точность их описаний вызывает сомнения.
Мало что осталось от театров, в которых ставились самые ранние пьесы, но основные детали были реконструированы на основе архитектурных свидетельств Театра Диониса в Афинах, который несколько раз перестраивался с момента его постройки из камня политиком Ликургом на южный склон Акрополя около 330 г.
до н.э. Центром театра было оригинальное место для танцев, плоское круглое пространство, в котором находился алтарь Диониса, называемый оркестром. В центре стояла площадка со ступеньками ( bemata ), ведущий к алтарю (тимеле). Неподалеку находился храм, из которого святой образ выносили в праздничные дни, чтобы бог мог присутствовать на представлениях.
Театральные представления, еще не совсем свободные от религиозного элемента, были обращены ко всему сообществу, и посещение их было практически обязательным. Таким образом, первой заботой строителей театра того времени было обеспечение достаточного места для большой аудитории. Вначале вход был бесплатным; позже, когда взималась плата, бедным гражданам давали входные деньги. Судя по размерам театров, кажется разумным предположить, что актеры выступали на возвышении (вероятно, называемом 9-й платформой).0055 logeion , или «место для выступлений»), чтобы быть более видимым и слышимым, а хор оставался в оркестре. В более поздние времена здесь была высокая сцена с мраморным фризом внизу и коротким лестничным пролетом от оркестра.
Великий эллинистический театр в Эпидавре имел то, что, как полагают, было высоким двухуровневым сценическим залом.
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
В самых ранних постановках не было фонового здания. Актеры одеты в skēnē (от чего происходит слово «сцена»), который тогда был небольшой палаткой, и хор и актеры вошли вместе с главного входа, parodos . Самые ранние объекты, такие как алтари и камни, могли быть установлены на краю террасы. Первой дошедшей до нас драмой, для которой требовалось большое здание, была трилогия Эсхила « Орестея », впервые поставленная в 458 г. до н. э. Среди историков возникли разногласия относительно того, был ли skēnē установлен внутри сегмента оркестра или за его пределами. skēnē в своем более позднем развитии, вероятно, представлял собой длинное простое здание слева от террасы оркестра.
В первый период греческой драматургии основным элементом постановки был хор, размер которого, по-видимому, значительно варьировался.
В « просителях » Эсхила было 50 участников хора, но в других его пьесах их было только 12, а Софокл призвал 15. Размер хора стал меньше в V веке, поскольку ритуальный элемент драмы уменьшился. . Поскольку количество актеров увеличивалось по мере сокращения хора, а сюжеты драм усложнялись, возникла необходимость в дублировании ролей. На полностью открытой сцене такие замены затягивались, и интрига драмы рассеялась. Драматическое правдоподобие также портилось тем фактом, что боги и смертные, враги и друзья всегда входили с одного и того же направления. Добавление живописного фасада с тремя дверями более чем удвоило количество входов и дало драматургу больше свободы для развития драматического напряжения. Около 425 г. до н.0055 параскения . Зрители сидели на деревянных скамейках, расставленных веером, разделенных расходящимися проходами. Верхние ряды представляли собой скамьи из подвижных досок, поддерживаемых отдельными камнями, вкопанными в землю. Почетные места представляли собой каменные плиты с надписями, приписывавшими их жрецам.
Фоновая отделка первоначально состояла из временного деревянного каркаса, прислоненного к передней стене стоа и закрытого подвижными ширмами. Эти экраны были сделаны из высушенных шкур животных, окрашенных в красный цвет; только у Эсхила холсты в деревянных рамах украшались в соответствии с потребностями конкретной пьесы. Аристотель приписывает Софоклу изобретение живописи сцены, новшество, которое другие приписывают Эсхилу. Примечательно, что Эсхил интересовался постановкой, и ему приписывают классический дизайн костюма. Простые греческие пейзажи можно было сравнить с пейзажами 20 века; импульс визуализировать и конкретизировать фон действия стал сильным. Нарисованные декорации, вероятно, впервые были использованы в производстве Орестея ; Примерно через 50 лет к деревянной конструкции сцены был добавлен второй этаж. Деревянная колоннада, или портик, proskēnion , располагалась перед нижним этажом здания. Эта колоннада, длинная и низкая, внешне напоминала дом, дворец или храм.
Разрисованные экраны, установленные между колоннами proskēnion , указывали на место действия.
В начале декорации, вероятно, слегка менялись во время антрактов, отделяющих пьесы трилогии или тетралогии, или в ночь между двумя фестивальными днями. Ко второй половине V века смена сцены осуществлялась с помощью подвижных расписных ширм. Несколько таких экранов можно было поставить один за другим, так что при удалении первого появлялся тот, что находился сразу за ним.
Вскоре после появления фасада пьесы стали ставить перед храмом или дворцом. Для обозначения смены сцены были введены периакты . Это были вертикальные трехгранные призмы, каждая сторона которых была окрашена, чтобы представить разные местности, установленные заподлицо со стеной дворца или храма по обе стороны сцены. В отношении декораций было соблюдено несколько условностей; один заключался в том, что если повернуть только правый периактос , то это указывало на другой населенный пункт в том же городе.
Согласно другому соглашению, актеры, входящие справа, считались выходцами из города или гавани, а те, кто слева, — выходцами из деревни.
Постоянный фасад также использовался для сокрытия реквизитов сцены и оборудования. Свидетельства об использовании в V в. так называемой летательной машины mēchanē (лат. machina ) приводятся в комедиях Аристофана; персонаж его пьесы «Мир » возносится на небо на навозном жуке и обращается к сменщику сцены с просьбой не дать ему упасть. Механика состояла из вышки и крана. Во времена Еврипида оно традиционно использовалось для эпилога, после чего бог спустился с небес, чтобы разобраться с осложнениями в сюжете, условность, которая стала известна как deus ex machina («бог из машины»). Широкое использование летательных аппаратов засвидетельствовано поэтом Антифаном, который писал, что драматурги-трагики поднимали в воздух машину с такой же готовностью, как они шевелили пальцем, когда им нечего было сказать.
Колесная платформа или фургон под названием ekkyklēma использовалась для демонстрации результатов закулисных действий, таких как тела жертв убийств. ekkyklēma , как и periaktoi , были приспособлением для театра под открытым небом, в котором возможности создания реалистических иллюзий были сильно ограничены. Реалистичная картина внутренней сцены под крышей не могла быть показана, потому что крыша закрывала бы обзор тем, кто находится на верхних ярусах зрительного зала. Так греки для изображения интерьера дворца, например, выкатывали трон на круглый или квадратный подиум. Новые машины были добавлены в эллинистический период, когда театр почти полностью утратил свою религиозную основу. Среди этих новых машин была гемикиклион , полукруг холста, изображающий далекий город, и строфей , вращающаяся машина, используемая для изображения героев на небесах или сражений на море.
Ховард Бэй Клайв Баркер Джордж С. ИзенурВиктория и Альберт · История театра
Коллекции театра и перформанса Виктории и Альфреда отражают захватывающую историю театра в Великобритании со средних веков до наших дней.
От ранних драматических форм, таких как мистерии и придворные маскарады, до альтернативной драмы и драмы «лицом к лицу» конца 20-го века, через патриотическое военное развлечение 19-го века.40-х годов, а также создание таких учреждений, как Художественный совет и Национальный театр.
Самый ранний театр в Англии развился из церковных служб 10-го и 11-го веков. Это стало по-настоящему популярной формой около 1350 года, когда религиозные лидеры поощряли постановку мистерий (историй из Библии) и чудесных пьес (рассказов о жизни святых). Они были написаны и исполнены на языке простых людей, а не на латыни, чтобы научить в основном неграмотные массы христианству и Библии.
Уильям Поэл в роли Адонаи в моральной пьесе XV века «Обыватель», 1901 год, Англия. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Каждая пьеса ставилась на фургонах, которые проезжали по улицам и останавливались для представления в заранее подготовленных местах. К концу средневековья во многих городах были специальные помещения, предназначенные для общественного театра.
Расцвет светской драмы
После Реформации 16 века – движения, противостоявшего авторитету Римско-католической церкви – все религиозные драмы в Англии были подавлены. Театральным труппам были выданы лицензии, позволяющие им репетировать и выступать публично, при условии, что они получили одобрение и покровительство дворянина.
Первый британский театр «Театр» был построен в Финсбери-Филдс, Лондон, в 1576 году. Он был построен Лестерскими мужчинами –, актерской труппой, образованной в 1559 году членами семьи графа Лестера. В течение следующих 16 лет было построено 17 новых общественных театров под открытым небом. Большинство этих театров были круглыми и окружали открытый двор, где зрители стояли по трем сторонам сцены. Новые компании процветали, и от писателей ожидалось, что каждый год они будут ставить новые пьесы, чтобы удовлетворить спрос. Компании стали называться домашними покровителями. Двумя самыми известными ротами и яростными соперниками были «Слуги адмирала» и «Слуги лорда-камергера».
Уильям Шекспир (1564 – 1616)
Уильям Шекспир, родившийся в 1564 году в Стратфорде-на-Эйвоне, Уорикшир, является самым известным драматургом Англии. Он написал 38 пьес и множество сонетов. Не только широта его творчества делает Шекспира величайшим британским драматургом, но и красота и изобретательность его языка, а также универсальный характер его письма.
Книга, комедии, истории и трагедии мистера Уильяма Шекспира: опубликовано в соответствии с подлинными оригинальными копиями под редакцией И. Хеминга и Х. Конделла], напечатано Исааком Яггардом и Эдвардом Блаунтом, 1623 г., Лондон, Англия. Музей №. Dyce 8936. © Музей Виктории и Альберта, Лондон В 1594 году Шекспир присоединился к Слугам лорда-камергера в качестве актера и главного драматурга.
В среднем он писал для компании две новые пьесы в год. Его самые ранние пьесы включали Комедия ошибок (впервые исполнена в 1594 г.), а его первым опубликованным произведением была поэма Венера и Адонис (1593 г.). Шекспир написал многие из своих самых известных пьес для театра «Глобус», который был построен в 1599 году людьми лорда-камергера . Когда срок аренды земли под их театром Theatre в Шордиче истек, компания решила разобрать деревянное каркасное здание и перестроить его на южном берегу Темзы, переименовав в The Globe.
Придворный маскарад
Маска была формой праздничного придворного развлечения, которое процветало в Европе 16-го и начала 17-го веков. Английский архитектор и дизайнер Иниго Джонс (1573–1652) в сотрудничестве с драматургом и поэтом Беном Джонсоном (1572–1637) создал серию тщательно продуманных масок как для Якова I (годы правления 1603–25), так и для Карла I (годы правления 1625). – 49). Постановка одной постановки, Маска Оберона (1611), стоила более 2000 фунтов стерлингов, при этом одни только костюмы стоили более 1000 фунтов стерлингов.
Иниго Джонсу приписывают введение в британский театр арки авансцены — пространства, обрамляющего актеров на сцене, — и подвижных декораций, расположенных в перспективе. Вдохновленный сценическим оборудованием, которое он видел во время путешествия по Франции и Италии, в декорациях Джонса использовалась серия жалюзи, которые скользили внутрь и наружу с помощью канавок в полу. Он даже облетал декорации сверху и ввел цветное освещение, поставив за тонированными стеклами свечи.
Закрытие театров
В 1642 году в Англии началась гражданская война между сторонниками короля Карла I и парламентариями во главе с Оливером Кромвелем. Театры были закрыты для предотвращения общественных беспорядков и оставались закрытыми в течение 18 лет, что причиняло значительные трудности профессиональным театральным артистам, менеджерам и писателям. Незаконные представления были лишь спорадическими, и многие общественные театры были снесены.
В 1656 году поэту и драматургу Уильяму Дэвенанту удалось создать общеизвестную версию пьесы 9.0013 Осада Родоса в своем доме. Считается, что это первая английская опера. После того, как Карл II был восстановлен на престоле в 1660 году, Давенант и драматург Томас Киллигрю получили королевские патенты, которые дали им фактически монополию на представление драмы в Лондоне. Эти монополии не отменялись до 19 века.
Восстановительная драма
Внедрение декораций и сложного сценического оборудования на английскую общественную сцену в 1660-х годах привело к созданию полуопер-блокбастеров. Многие из них были адаптациями других пьес, часто Шекспира. В них были эпизоды музыки, пения, танцев и спецэффектов. Величайшим театром того времени, включавшим одну из первых арок авансцены, был Театр герцога в Дорсет-Гарденс. Спроектированный Уильямом Давенантом и спроектированный Кристофером Реном (архитектором собора Святого Павла), он стоил 9 фунтов стерлингов.000 (около 600 000 фунтов стерлингов сегодня).
Он стоял на берегу Темзы, и от реки вели ступени для посетителей, прибывающих на лодке.
Впервые женщины были признаны профессиональными актрисами и драматургами. Самым известным драматургом была Афра Бен (1640–1689), которая ранее работала шпионом Карла II и провела короткое время в долговой тюрьме. Группа женщин-писателей, известная как «Женские остроумия», написала много произведений для сцены. Среди них Мэри Пикс (1666–1709 гг.).), Кэтрин Троттер (1679–1749) и плодовитая Сюзанна Сентливр (около 1670–1723), написавшая 19 пьес, в том числе сатирическую «Смелый удар для жены», , впервые поставленную в 1718 году.
(Слева направо:) Гравюра с изображением Афры Бен, выгравированная Р. В. с картины Чарльза Рубена Райли, 19 век, Великобритания.
Музей №. С.1391-2012. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Гравюра с изображением миссис Сюзанны Сент-Ливр, гравюра П. Пелхэма. с картины Д. Фермина, 1720 г., Лондон, Англия. Музей №. С.1663-2009. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонПервой женщиной, вышедшей на профессиональную сцену в Англии, обычно считается Маргарет Хьюз (1645–1719), сыгравшая в постановке «Отелло » в театре Вере Стрит в Лондоне в 1660 году. Другие известные актрисы того времени Среди них Элизабет Барри (1658–1713), также известная как «королева трагедии», и Нелл Гвин (1650–87), которая, как считается, была нарисована обнаженной для Карла II и родила ему двоих детей.
(Слева направо:) Гравюра с изображением мадам Хьюз (Маргарет «Пег» Хьюз) с оригинальной картины П. Лелли 1677 г., 18 век, Великобритания. Музей №. С.4416-2009. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Гравюра с изображением Нелл Гвин, напечатанная У. Л. Коллсом, 19 век, Великобритания. Музей №. С.299-2015. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонТеатр XVIII века
В 18 веке театр как популярное времяпрепровождение процветал, многие театры были расширены, а в Лондоне и по всей стране построены новые театры.
Одним из самых успешных спектаклей на лондонской сцене в начале 18 века была опера-баллада Джона Гея 9.0013 Опера нищего . Гей переработал популярные песни того времени и написал новые тексты, которые были юмористическими и сатирическими.
Пьесы Шекспира становились все более популярными в 18 веке, но были переработаны в соответствии со вкусами того времени. Его стиль все еще считался слишком неустойчивым, и такие поэты, как Александр Поуп, тщательно убирали любые неровные строки стихов. окончание Шекспира до Король Лир был сочтен слишком удручающим, и исправленная версия Наума Тейта (где выживают Корделия и король) была предпочтена оригиналу. Дэвид Гаррик переписал конец «Ромео и Джульетта » так, чтобы влюбленные разговаривали друг с другом перед смертью в могиле, и превратил «Укрощение строптивой » в фарс.
Дэвид Гаррик
Гаррик был одним из величайших актеров Великобритании и первым, кого назвали звездой. С 1741 года до выхода на пенсию в 1776 году он был очень успешным актером, продюсером и театральным менеджером. Он написал более 20 пьес и адаптировал многие другие, в том числе пьесы Шекспира. В 1742 году его нанял Королевский театр на Друри-Лейн, и он начал триумфальную карьеру, которая продлилась более 30 лет. В течение пяти лет он также руководил театром.
Портрет Дэвида Гаррика, неизвестного мастера, 19 век, Великобритания.
Музей №. С.120-1997. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонГаррик изменил весь стиль игры. Он отверг моду на декламацию, когда актеры становились в позу и формально произносили свои реплики, и вместо этого предпочитал более легкую, естественную манеру речи и движения. В результате получился более тонкий, менее манерный стиль игры и движение к реализму.
Сценическая цензура
Закон о лицензировании 1737 года оказал огромное влияние на развитие театра в Великобритании. Он ограничил постановку пьес двумя патентованными театрами на Друри-Лейн и Ковент-Гарден в Лондоне и ужесточил цензуру драмы, заявив, что лорд Чемберлен со своими экспертами по пьесам должен проверить любой сценарий, прежде чем будет разрешено представление.
Акт был введен в действие тогдашним премьер-министром Робертом Уолполом (1676–1745), который был обеспокоен тем, что политическая сатира на сцене подрывает его и авторитет правительства. Производство The Golden Rump, a фарсовая пьеса неизвестного автора стала главным толчком для Уолпола, выдвинувшего доводы в пользу запрета непристойной драмы на публичной арене.
В пьесе скандально предполагалось, что королева ставила королю клизмы. Генри Филдинг, автор ряда успешных сатир, и другие заподозрили, что эта пьеса на самом деле была задумана самим Уолполом.
Ранняя викторианская драма
Чтобы обойти ограничения Закона о лицензировании 1737 года, в непатентованных театрах драматические сцены чередовались с музыкальными интерлюдиями. Мелодрама и бурлеск с их короткими сценами и музыкальным сопровождением стали в это время чрезвычайно популярными. В конце концов, огромный рост спроса на театральные представления в начале XIX в.
ХХ век сделал систему патентных театров неработоспособной. Театры возникли по всему Лондону, и границы между тем, что было разрешено в патентных театрах (законная драма), и тем, что было представлено в других театрах (незаконный театр), стали размытыми. В 1843 году Закон о лицензировании был отменен, что позволило другим театрам ставить драмы, хотя цензура пьес лордом Чемберленом оставалась в силе до 1968 года.
Бунты старых цен
После того, как в 1808 году сгорел театр Ковент-Гарден, руководство решило поднять цены, чтобы покрыть расходы на восстановление. Чтобы увеличить доход, руководство переоборудовало верхнюю галерею, чтобы втиснуть больше мест по одному шиллингу, создав то, что разгневанные посетители назвали «голубиными дырами». Цена за место в зале была увеличена с трех шиллингов и шести пенсов до четырех шиллингов, а вход в общественные ложи вырос с шести до семи шиллингов. Целый ряд ящиков стал «частным», и их можно было арендовать только на весь сезон. Зрители были в ярости и обратили свой гнев на менеджера театра, актера Джона Филипа Кембла.
18 сентября 1809 года Кембл вышел на сцену в костюме Макбета, чтобы поприветствовать публику на первой постановке в новом театре, и был встречен шквалом криков, шипения и улюлюканья, которые продолжались на протяжении всего представления. Хотя были вызваны мировые судьи, а некоторые протестующие арестованы, беспорядки не прекратились до двух часов ночи. Это было началом того, что было известно как бунты по старой цене (или ОП). В течение следующих десяти недель все выступления в Ковент-Гардене были сорваны. Главной целью протестующих было заставить руководство восстановить старую систему ценообразования. К декабрю 1809 г.расходы на судебные издержки, заработную плату вышибал и бесплатные пропуска для союзников, которым платили за пение «Н.П.» («Новые цены») означало, что театр терял 300 фунтов стерлингов за ночь. Кембл принял требования бунтовщиков и принес со сцены публичные извинения.
(Слева направо) Карикатура на Джона Филипа Кембла в «очках ОП», Исаак Круикшенк, 17 ноября 1809 года, Лондон, Англия.
Музей №. С.4776-2009. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Карикатура на Джона Филипа Кембла в «очках NP», Исаак Круикшенк, 23 ноября 1809 г., Лондон, Англия. Музей №. С.4777-2009. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонСемья Кембл
На рубеже 19-го века семья Кембл доминировала на лондонской сцене. Актер Джон Филип Кембл (1757–1823) считался лучшим актером Англии, а его сестра Сара Сиддонс (1755–1831) считалась одним из величайших трагиков всех времен. В своем первом сезоне она сыграла 80 раз в семи разных ролях, вызвав обмороки и истерику у своей публики. Джон Филип Кембл дебютировал на лондонской сцене в 1783 году в роли Гамлета. Его актерский стиль был статичным и декламационным, с длинными размашистыми линиями и отстраненным величием.
Эдмунд Кин
Популярный актер Эдмунд Кин (1787–1833) заменил Кембла в роли любимца лондонской сцены после его дебюта на Друри-Лейн в роли Шейлока в фильме «Венецианский купец» в 1814 году. Театр Друри-Лейн на 3000 мест.
Его природная страсть и пылкий дух соответствовали мелодраматическому стилю игры. Говорили, что лучше всего он проявлял себя в сценах смерти и тех, которые требовали остроты чувств или резких переходов от одного настроения к другому.
Мелодрама
Мелодрама стала популярной с 1780-х годов и просуществовала до начала 20 века. Первой драмой в Великобритании, получившей название мелодрамы, была драма Томаса Холкрофта «9».0013 Тайная история (1802). Мелодрама состояла из коротких сценок с вкраплениями музыкального сопровождения и характеризовалась простыми нравоучительными историями со стереотипными персонажами – всегда был злодей, обиженная дева и герой, играющий в напыщенном стиле.
Живописная драма
С середины 19 века театр стал приобретать новую респектабельность и привлекать больше публики из среднего класса. Они были очарованы исторической точностью и вниманием к деталям, которые становились все более влиятельными в сценографии. Живописная драма уделяла большое внимание костюму и отражала модный интерес к археологии и истории. Неизбежные длинные и сложные смены сцен означали, что пьесы, особенно пьесы Шекспира, приходилось сокращать. Одним из главных представителей живописной драмы был Чарльз Кин (1811–1868), сын Эдмунда Кина. Чарльз Кин был известен своим кропотливым исследованием исторической одежды и декораций для своих постановок в Театре принцессы на лондонской Оксфорд-стрит в 1850-х годах.
Портрет Чарльза Кина в роли Ричарда II в опере «Ричард II» в Театре принцессы, Лондон, 1857 г. Музей №. С.139:831-2007. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонАктеры-менеджеры
В 19 веке в театре преобладали актеры-менеджеры, которые управляли театрами и играли главные роли в постановках.
Генри Ирвинг (1838–1905), Чарльз Кин и Бирбом Три (1852–1917) создали постановки, в которых они были звездами. Генри Ирвинг доминировал на лондонской сцене более 25 лет, и его публика почитала как героя. Когда он умер, король Эдуард VII и президент США прислали свои соболезнования.
Шекспир был самым популярным писателем у этих актеров-менеджеров. Стало модным давать пьесам Шекспира детализированные и исторически реалистичные декорации и костюмы. Сценическое зрелище часто было важнее самой пьесы, и тексты были сокращены, чтобы было время изменить массивные декорации и максимально раскрыть главную роль.
Сапоги, которые носил Генри Ирвинг в роли Ричарда III, в Lyceum Theater, 1877 год. Музей №. С.2754:1 по 7-2010. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Первой женщиной-актер-менеджером в Лондоне была Элиза Вестрис (1797–1856), певица и танцовщица, которая также руководила Олимпийским театром с 1830 года. Там она представила программу бурлесков, во многих из которых она играла главную роль.
Среди других женщин-менеджеров 19 века были Мэдж Кендал (1848–1935) и Сара Лейн (около 1822–1899) в театре «Британия» в Хокстоне.
Эллен Терри
Величайшей английской актрисой конца 19 — начала 20 века была Эллен Терри (1847–1919 гг.).28). Она присоединилась к легендарному актеру-менеджеру Генри Ирвингу в Lyceum Theater с 1878 по 1900 год в качестве его ведущей леди, и более следующих двух десятилетий она считалась ведущей шекспировской и комической актрисой в Великобритании. Двумя из ее самых известных ролей были Порция в Венецианский купец (1875) и Беатрис в Много шума из ничего (1882). В 1903 году Терри взяла на себя управление лондонским Имперским театром, где она сосредоточилась на пьесах Бернарда Шоу и Генрика Ибсена. Однако финансовый крах означал, что она вернулась к актерскому мастерству спустя годы.
Фотография Эллен Терри в роли Порции в «Венецианском купце» 1875 года, сделанная Fradelle & Young. Музей №. С.133:218-2007.
© Музей Виктории и Альберта, ЛондонМузей Виктории и Альберта хранит коллекцию Эллен Терри, которая содержит огромное количество корреспонденции, в том числе письма, написанные Терри ее дочери, художнику по костюмам Эдит Крейг, и письма, написанные ее коллегой по сцене Генри Ирвингом. В архиве также есть блокнот с мыслями Терри об Ирвинге.
Зрелище XIX века
Сложные технологии и оборудование сцены конца 19-го века породили серию «сенсационных» драм, в которых спецэффекты стали главной достопримечательностью. Художники-декораторы, работая с опытными техниками, создавали реалистичные репродукции мира природы. Используя веревки, платформы, мосты, беговые дорожки и вращения, они могли создать что угодно, от гонки на колесницах в Ben Hur до крушения рельсов в The Whip .
Фоторепродукция акта 3, сцены 6 из спектакля «Кнут» , Театр Друри-Лейн, Лондон, 19.09. Музей №. С.211-2016. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Одним из величайших дизайнеров «сенсационных» сцен был Брюс «Сенсация» Смит.
Он работал в театре Друри-Лейн, который стал признанным домом для такой драмы после введения в театре гидравлических сценических машин в 1894 году.
Драма с чашкой и блюдцем
Драматург Том Уильям Робертсон (1829–1871) представил на театральной сцене XIX века новый вид пьесы. Его новаторские «проблемные пьесы» касались серьезных и деликатных проблем дня. Работы Робертсона считались настолько революционными по стилю и тематике, что ни одно авторитетное руководство не могло ставить его пьесы. «Опасность, — сказала Эффи Бэнкрофт, — лучше, чем скука», и она продолжала выпускать ряд успешных и прибыльных хитов Робертсона, таких как Наши (1866), Каста (1867), Игра (1868) и Школа (1869). Каста была о браке через классовый барьер и исследовала предрассудки в отношении социальной мобильности. Люди разговаривали на нормальном языке и имели дело с «обычными» ситуациями, а исполнители не «играли», а «вели себя» как их публика – говорили, а не декламировали.
Новая драма начала ХХ века
На рубеже 20-го века в театре появились два доминирующих направления: инсценировка современных, нравственных и социальных проблем и интерес к более простой и абстрактной постановке пьес. Новаторская работа из-за рубежа, особенно таких драматургов, как Генрик Ибсен и Антон Чехов, также оказала влияние на формирование этой новой драмы.
Политический театр
Харли Грэнвилл-Баркер управлял Королевским двором в период с 1903 по 1907 год благодаря популяризации творчества Джорджа Бернарда Шоу. Бернард Шоу был одним из самых успешных писателей начала 20-го века и откровенным членом Фабианского общества, организации, приверженной социальным реформам, которую многие в то время считали подрывной. Он бросил вызов нравственности своей буржуазной аудитории своими сатирическими и часто юмористическими произведениями, включающими неудобные темы, такие как религия и проституция.
Многие из его пьес подверглись цензуре лорда-камергера, в том числе «Профессия миссис Уоррен » (1893 г., первое публичное выступление в Англии в 1925 г.), в центре которого бывшая проститутка и ее попытка примириться со своей неодобряющей дочерью.
На более низком уровне по всей стране возникли театральные коллективы, нацеленные на продвижение социалистического дела и Лейбористской партии.
Между 1926 и 1935 годами Движение рабочих театров (WTM), которое было союзником коммунистов, использовало театр для агитации за социальные перемены. WTM разработала стиль «агитации», в котором песни и скетчи выносились на улицы в попытке спровоцировать перемены.
Театр единства вырос из WTM. Его цель состояла в том, чтобы «поощрять и развивать искусство драмы в соответствии с принципом, согласно которому настоящее искусство, эффективно представляя и правдиво интерпретируя жизнь, переживаемую большинством людей, может побудить людей работать на благо общества».
Unity стала пионером новых форм театра, представляя публике фактическую информацию о текущих событиях, а также сатирические пантомимы, бросавшие вызов цензуре лорда Чемберлена.
Среди других влиятельных политических компаний были Red Megaphones из Солфорда и Hackney People’s Players. Стремясь избавиться от буржуазных атрибутов театра, они хотели создать более физический театр, отражающий эпоху машин. Популярными пьесами были « Masses and Men » Эрнста Толлера (1923) и « The Machine Wreckers» 9.0014 (1922) и футуристический кошмар Карела Чапека RUR (1920), где машины и роботы заменяют рабочий класс.
Лига привилегий актрис, основанная в 1908 году, поддерживала суфражистское движение, организуя мероприятия и чтения. К 1914 году членство насчитывало 900 человек, и группы были во всех крупных городах Великобритании.
Среди пьес Сесили Гамильтон и Кристофер Сент-Джонс Как было выиграно голосование (1909) и самая известная работа Гамильтона Диана Добсона (1908 ) .
The Pioneer Players была основана Эдит Крейг, дочерью Эллен Терри, известной английской актрисы конца 19-го и начала 20-го веков. Компания стремилась представить пьесы, представляющие «интерес и идеи», особенно те, которые касались текущих социальных, политических и моральных проблем, включая избирательное право. Игроки-первопроходцы выступали в Маленьком театре, который работал как клубный театр, чтобы избежать цензуры лорда-камергера. Среди постановок — « 9» Маргарет Винн Невинсон.0013 В работном доме (1911) и Кристофера Сент-Джона Первая актриса (1911).
(Слева направо) Фотография Эллен Терри и Эдит Крейг, конец 19 века, Великобритания. Музей №. С.133:511-2007. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Спектакль The Pioneer Players «Первая актриса», Театр Кингсуэй, Лондон, 1911 год.
© Музей Виктории и Альберта, ЛондонРепертуарное движение
Репертуарное театральное движение было выковано из страсти и убежденности Барри Джексона и Энни Хорниман, которые считали, что широкий спектр театрального опыта должен быть доступен людям по цене, которую они могут себе позволить. Хорниман считал, что, субсидируя театры, можно как повысить стандарты исполнения, так и расширить программу, которую театр может предложить своему сообществу.
Хорниман была дочерью богатого торговца чаем, не имевшего семейных связей с театром, но она осознавала культурную ценность государственных репертуарных трупп в Германии. В 1903 году Хорниман вложил деньги, чтобы открыть театр Abbey в Дублине и театр Gaiety в Манчестере в 1907 году. Всего за десять лет они поставили более 200 спектаклей в Gaiety, но были вынуждены закрыться в 1917 году из-за финансовых трудностей.
Бирмингемский репертуарный театр открылся 15 февраля 1913 с постановкой Шекспира Двенадцатая ночь .
Его основатель Барри Джексон, как и Хорниман, был увлечен необходимостью предложить жителям Бирмингема широкий спектр театральных впечатлений и лично субсидировал строительство Реп-театра в качестве базы для своей труппы.
Клубные театры начала 20 века
В 1899 году было основано Сценическое общество с целью поддержки театра идей. Разочарованный консервативным характером более коммерческих театров, он представлял частные воскресные постановки экспериментальных пьес, на которые лорд-камергер не предоставил лицензии. После полицейского рейда на их первую постановку (« You Never Can Tell ) утверждалось, что, поскольку это были частные спектакли, ограничения лорда Чемберлена на воскресные спектакли и лицензированные спектакли не применялись. Театральное общество выиграло дело, и открылись другие «клубные» театры, члены которых платили небольшую подписку, а не вступительный взнос. Эти театры стали домом для нелицензионных, экспериментальных и неоднозначных пьес — ситуация, которая продолжалась до 1968 года, когда цензура была окончательно отменена.
Художественный театр открылся как клубный театр в 1927 году и быстро завоевал репутацию новатора и захватывающей работы. Здесь ставились пьесы французских и немецких писателей, таких как Расин и Гёте, а также новые произведения британских драматургов. Такие актеры, как Джон Гилгуд и Сибил Торндайк, работали в Художественном театре, даже когда они были хорошо известны в Вест-Энде — такова была их приверженность представлению более экспериментальных работ.
Вест-Энд театр между войнами
Театр Вест-Энд между войнами представлял собой странную смесь. По большей части театры обеднели Великой депрессией и оставались консервативными как в содержании работы, так и в постановке.
Пьесы Джорджа Бернарда Шоу, Сомерсета Моэма, Теренса Рэттигана, Ноэля Кауарда и Дж. Б. Пристли доминировали на сцене. Хотя у Пристли и Шоу была сильная левая повестка дня, пьесы были по существу консервативными по форме. Пьесы Шекспира практически исчезли из Вест-Энда. Теперь его домом был театр Олд Вик и региональные репертуарные театры, которые экспериментировали с постановками современных костюмов. Именно Джон Гилгуд вернул Шекспира в Вест-Энд в 1919 году.35 с его постановками Ромео и Джульетта , Ричард III и Венецианский купец .
Головной убор, разработанный Оливером Месселем, который носила Вивьен Ли в роли Титании в пьесе Шекспира «Сон в летнюю ночь», Олд Вик, Лондон, 1937 год. Музей №. С.491:1, 2-2006. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Коммерческий театр процветал, и в крупнобюджетных мюзиклах на Друри-Лейн Айвора Новелло и Ноэля Кауарда использовались огромные декорации, экстравагантные костюмы и большой актерский состав для создания зрелищных постановок.
Трус Кавалькада (первая постановка 1931 г.) — эпическая пьеса, в которой прослеживается история первых лет ХХ века через жизнь одной семьи. Трус оставался одним из популярных писателей этого периода с такими комедиями, как The Vortex (1924), Fallen Angels (1925) и Present Laughter (1942).
Вторая мировая война ознаменовалась всплеском интереса к искусству, и многие гражданские и военные зрители впервые увидели драму, оперу и балет. Этот интерес привел к созданию правительством Художественного совета в 1946 году с ежегодным грантом для распространения среди художников. Этот грант обеспечил выживание таких компаний, как балет и опера Сэдлера Уэллса, и в конечном итоге создание Королевской оперы, Королевской шекспировской труппы и Национального театра, а также поддержку театра в регионах и работу отдельных артистов и компаний.
К 1956 Художественный совет субсидировал 40 компаний по всей стране, и в период с 1958 по 1970 год на государственные деньги было построено 15 новых театров.
Послевоенный театр Вест-Энда
После окончания Второй мировой войны в Вест-Энде преобладал коммерческий сектор. Популярными стали фарсы и «кто-дуниты», самым известным из которых является « Мышеловка » , экранизация романа Агаты Кристи, который вышел в 1952 году и продолжается до сих пор. Гламурные постановки 1950-е годы, произведенные Бинки Бомонт и Х.М. Теннент, вскоре стали экономически невыгодными. Актеры перешли на телевидение, чтобы заработать больше денег, а производство Вест-Энда уменьшилось в размерах.
В этот период также произошел всплеск новых произведений, когда книга Джона Осборна « Оглянись в гневе » (1956) стала ориентиром для нового поколения молодых писателей, среди которых были Арнольд Вескер, Том Стоппард, Эдвард Бонд и Гарольд Пинтер. Небольшие площадки продолжали продвигать и поддерживать новое сочинение, поскольку все больше экспериментальных постановок перемещалось в основные театры, включая Королевский суд Джорджа Девайна.
Фраза «Театр перед твоим лицом» применялась ко многим молодым писателям, работавшим при Королевском дворе в XIX веке.90-е. Этот агрессивный и конфронтационный стиль был разработан, чтобы оскорбить чувства аудитории. Он исследовал мучительные крайности человеческого существования и впихнул себе в глотку излишества современного общества. Одним из самых успешных спектаклей «В твоем лице» был фильм Марка Равенхилла « Shopping and Fucking, », который открылся в Королевском дворе в 1996 году. «Шокирующий во всех смыслах этого слова», — заявила The Daily Mail.
Национальная театральная труппа была основана в 1963 году в Олд-Вик под руководством Лоуренса Оливье и переехала в свой новый дом на Южном берегу Лондона в 1976 году под руководством Питера Холла.
Питер Холл также руководил первыми годами Королевской шекспировской труппы в Стратфорде-на-Эйвоне.
Политический театр также процветал в это время — в частности, работа Джоан Литтлвуд и Portable Theater Company, которая подготовила молодых политических писателей, таких как Джон МакГрат, Дэвид Эдгар, Тревор Гриффитс, Дэвид Хэйр и Говард Брентон. Компания Joint Stock стала пионером процесса совместной работы, когда писатели обсуждали свои идеи с компанией для разработки сценария. Акционерное общество отвечало за разработку многих ранних пьес Кэрил Черчилль.
Альтернативный театр
Отмена театральной цензуры в 1968 году ознаменовалась всплеском альтернативного театрального движения в Великобритании. Компании больше не были ограничены суровым взглядом лорда-камергера и могли свободно выражать любую повестку дня по своему выбору. Феминистские театральные труппы, такие как «Красная лестница» и «Женская театральная группа» (ныне «Сфинкс»), начали ставить пьесы, выражающие политическую повестку дня феминистского движения и ставящие под сомнение доминирование мужчин среди писателей и режиссеров в британском театре.
Писатели-женщины, такие как Кэрил Черчилль и Пэм Джемс, писали для таких компаний, как Joint Stock, прежде чем добиться успеха в мейнстримном театре.
также исследовали новые способы создания театра, разрабатывая работу, которая должна была быть более демократичной за счет вовлечения всей компании во все аспекты творческого процесса от первоначальной концепции до финальных представлений.
Во время финансового кризиса 1980-х годов многим «альтернативным» компаниям были урезаны (мизерные) субсидии, и они больше не могли позволить себе продолжать работу. Однако другие успешно превратились в мейнстрим, такие как Халл Трак и Майк Ли, которые позже успешно перешли в кино и на телевидение.
Физический и зрительный театр
На протяжении 1980-х и 90-х годов компании начали экспериментировать с более физическим театром.
Они хотели уйти от ограничений реалистической и натуралистической драмы и создать энергичный визуальный театр, сочетающий сильный дизайн с хореографией и физическими образами. Под влиянием творчества Филиппа Голье и Жака Лекока такие компании, как Theater de Complicite, применили свой стиль к переработке классических текстов и создали новые работы в сотрудничестве с писателями.
Этот уход не был совершенно новым – в 1960-х годах Питер Брук заинтересовался более физическим и визуальным театром. Он был вдохновлен японским театром Но и под влиянием работы Адриенн Мнушкин в Театре дю Солей в Париже. Ранее новаторами в этой области были исполнители Баухауза, дадаисты и сюрреалисты, хореограф Рудольф Лабан и режиссеры Мейерхольд и Ежи Гротовски и Рихард Шехозер.
Сегодня театральные труппы и коллективы создают все больше экспериментальных работ, исследующих социальные и политические вопросы и бросающих вызов общепринятым представлениям о том, что такое спектакль и как его следует представлять.
Ваш комментарий будет первым