Картины галереи уффици – Уффици. Uffizi, коллекция картин, Картины

italy4.me

Галерея Уффици, Флоренция — подробно с фото и видео

Видео: Галерея Уффици

Основные моменты

Коллекции галереи Уффици считаются одними из самых старых в Европе. Чтобы разместить их, в XVI веке на берегу реки Арно построили роскошные дворцовые здания. Возведение дворцов заняло более 20 лет, и для этого пришлось сносить старые городские кварталы. За два столетия до своего официального открытия художественное собрание было широко известно, и по предварительным заявкам любой желающий мог осмотреть хранящиеся здесь произведения искусства.

В XVIII веке постоянно пополняемая галерея стала первым музеем Флоренции, доступным для всех. Произошло это в 1737 году, когда последняя представительница могущественной династии Медичи Анна Мария Людовика подарила галерею Уффици флорентийцам.

В наши дни художественные коллекции размещены на площади 13 тысяч м². Это одна из самых посещаемых достопримечательностей Италии. Галерея Уффици чрезвычайна популярна у туристов, визит в нее включен во многие экскурсионные программы, и очередь за билетами выстраивается на несколько часов.

Собрание знаменитого музея так велико, что на подробный осмотр коллекций потребуется не один день. Произведения искусства выставлены в хронологическом порядке и занимают более пятидесяти залов. Пройдя по ним, можно проследить, как изменялись традиции живописи с XIII по XVIII века, от периода Византийской империи до расцвета барокко.

Как появилась знаменитая галерея

История известного совсем мире художественного собрания началась в 1560 году, когда по желанию управлявшего Флоренцией, великого герцога Тосканы Козимодо I, итальянский живописец и архитектор Джорджо Вазари построил большой дворец. Величественное здание имело два крыла и вмещало судебные и административные учреждения Тосканской магистратуры – Uffizi (офисы). Помимо объединения в одном месте всех правительственных учреждений (тринадцати министерств), великий герцог решал и другую задачу. Он хотел, чтобы в новом дворцовом комплексе были увековечены могущество и богатство его рода.

Спустя пять лет, в течение нескольких месяцев талантливый архитектор соорудил «воздушный проход», который соединил дворец Уффици, новую резиденцию правителей Медичи, самый старый мост Флоренции Понте Веккью и старинный римско-католический храм Святой Фелицаты. Крытая галерея имела протяженность 750 м. Это было архитектурное новшество, и его стали называть коридором Вазари.

Семейство Медичи славилось не только своим богатством и политическим влиянием. Его члены высоко ценили произведения искусства и оказывали максимальную поддержку талантливым художникам. Первое собрание галереи Уффици создал Франческо I, сын герцога Козимодо I. Картины из его личной коллекции сначала вывесили в кабинете герцога, а в 1581 году отдали под них весь верхний этаж дворца. Галерею закрывали широкие витражи. Кроме живописных полотен, внутри стояли античные скульптуры, а потолок украшали красочные фрески.

Позже здесь был создан необычный Зал Трибуна, который покрывал восьмиугольный купол. Световой фонарь освещал размещенные внутри произведения искусства, искусно сделанную мебель и инкрустированные раковинами стены.

С 1589 году по распоряжению брата Франческо I, великого герцога Фердинанда I, террасу, примыкавшую к Залу Трибуна, закрыли для Зала Географических карт. На другом крыле галереи Уффици в те времена существовали висячие сады. Внутри дворца также был открыт роскошный театр.

Окончательные строительные работы над дворцовыми сооружениями были закончены через 20 лет, уже после смерти Козимодо I. На площади Синьории появилось большое по размерам дворцовое здание, напоминавшее по форме букву «U». Оно состояло из двух корпусов. На одном из этажей размещались лоджии. Оба строения соединял третий корпус и протяженная аркада, выходившие к набережной Арно. Постепенно во флорентийскую галерею перевезли картины и скульптуры из других дворцов династии Медичи.

Коллекции и наиболее известные экспонаты галереи Уффици

От входа в музейные залы можно попасть через три вестибюля. В одном из них стоят бюсты, вырезанные из мрамора и порфира. Другой украшен итальянским художником Джованни Маноцци (Джованни да Сан Джованни). В третьем вестибюле находятся саркофаги и статуи эпохи Древнего Рима.

Третий этаж здания отведен под картинную галерею. Помимо нее, во дворце хранятся редкие документы по истории Флоренции, а также можно увидеть Кабинет рисунков и гравюр. Его уникальная коллекция начала оформляться в XVII веке, благодаря кардиналу Леопольду Медичи.

В галерее Уффици представлены всемирно известные полотна Сандро Боттичелли: «Рождение Венеры», «Весна», «Мадонна и младенец с ангелом» и «Клевета». Творчеству итальянского живописца и друга семьи Медичи отведены залы №10-14.

В зале №15 выставлены две картины Леонардо да Винчи – «Благовещение» и «Поклонение волхвов». В других залах музея экспонируются полотна Тициана «Венера Урбинская» и Верроккьо «Крещение Христа».

Зал №25 галереи Уффици представляет посетителям шедевр молодого Микеланджело Буонарроти «Святое семейство». Это круглая картина, выполненная в популярной в те времена технике канджианте, когда формы человеческих тел передавались со скульптурной выразительностью. Часть площадей галереи отведена под произведения зарубежных мастеров живописи. В этих залах можно увидеть картины Дюрера, Гойи, Эль Греко, Веласкеса, Рубенса, Рембрандта и Ван Дейка.

В знаменитом воздушном коридоре Вазари хранится около 1500 картин. Это автопортреты Рафаэля, Рубенса, Диего Веласкеса, Джорджо Вазари и других художников. Из русских живописцев здесь выставлены автопортреты Бориса Кустодиева, Ивана Айвазовского, Ореста Кипренского и Виктора Иванова. Коллекция автопортретов постоянно пополняется за счет покупок и дарений. Возможность выставить свой автопортрет в галерее Уффици все художники расценивают как большую честь.

Из хранящихся в музее скульптур особого внимания заслуживает статуя «Венера Медичи». Она была создана в I веке нашей эры неизвестным автором. Недавно ученые провели исследование скульптуры и выяснили, что раньше она была раскрашена. Губы женщины покрывала алая краска, а волосы – золотая. Скульптура, выставленная во Флоренции, является копией знаменитой статуи древнегреческого скульптора Праксителя, которую он создал в IV веке до нашей эры. Она изображала Афродиту Книдскую, а позировала Праксителю известная своей красотой афинская гетера Фрина. Плиний называл это произведение знаменитого скульптора самой красивой статуей на Земле.

Полезная информация для посетителей

Музейные коллекции галереи Уффици открыты для посетителей ежедневно, кроме понедельника, с 8.15 до 18.50. Билетные кассы заканчивают работу за 40 минут до закрытия. Галерея не работает 25 декабря, 1 января и 1 мая.

Полный билет стоит 8 евро, льготный – 4 евро. Чтобы не тратить время в очереди, билет в галерею Уффици можно забронировать по телефону 55-294-883, доплатив за бронь 4 евро. Удобнее планировать визит в музей после 14.00, так как во второй половине дня в галерее уже не проводят экскурсии для школьных групп.

На первом этаже можно взять аудиогид на русском языке. Помимо экспозиционных залов, в галерее Уффици находятся библиотека, кафе и книжный салон.

Как добраться

Галерея Уффици расположена по адресу: Piazzale degli Uffizi, 6. Она занимает территорию между площадью Синьории и старинным мостом через Арно – Понте Веккью. Из центра города до нее несложно дойти пешком. Если пользоваться общественным транспортом, то по ветке С1 нужно доехать до автобусной остановки Galleria Degli Uffizi — Farmacia Logge.

wikiway.com

Галерея Уффици: описание, фото и видео

Галерея Уффици во Флоренции – место, где собраны наиболее интересные и ценные произведения искусства Италии и мира. Именно с этой галереи следует начинать знакомство с Флоренцией, некоторые туристы отправляются в неё сразу по прилету в удивительный город. Многочисленные залы привлекают ценителей искусства со всего мира прекрасными бюстами, скульптурами и полотнами Микеланджело, Леонардо да Винчи, Тициана, Боккаччо, Боттичелли и других маэстро. Именно в этой галерее представлено наибольшее собрание автопортретов именитых мастеров. Впервые удивительные коллекции открылись несколько столетий тому назад, но и сегодня они продолжают пополняться работами наших современников.

Как создавалась галерея

Впервые галерея Уффици упомянута в летописях середины XIV в. Тогдашний правитель Козимо I Медичи приступил к сооружению дворца для размещения всех городских служб под одной крышей. Всего в то время насчитывалось 13 ведомств, которые занимались канцелярской работой. По-итальянски слово «канцелярия» произносится как «uffizi», отсюда и пошло название.

С 1559 г. архитектор Дж. Вазари приступил к созданию проекта, а через год начал руководить непосредственно строительством дворца. Спустя 14 лет известный мастер скончался, а строительство продолжил его преемник Альфонсо Париджи. Уже в 1575 г. основные работы завершились и взору горожан предстал новый дворец.

В 1581 г. Франческо Медичи инициирует размещение в нескольких помещениях произведений искусства. Он как страстный коллекционер и знаток живописи предпочел перенести из других дворцов наиболее прекрасные и ценные работы во дворец Уффици. Так появились первые предпосылки к открытию здесь художественного музея в этих стенах.

С конца XVI в. знатные жители Флоренции могли посетить галерею и полюбоваться прекрасными картинами, но обычные горожане еще не допускались в музей. Только в 1765 г. его открыли для всех желающих, независимо от достатка и титула. С этого момента галерея переходит от венценосного семейства в муниципальную собственность.
С момента постройки дворец несколько раз реконструировался. Работали над ним местные художники и скульпторы. В начале XVIII в. часть залов подверглась реконструкции и приобрела римские очертания. В начале XX века галерея превратилась в Национальный музей.

Стоит отметить, что уже несколько столетий назад аббатства и художественные академии считали большой честью сообщать семейству Медичи о наличии в их собственности ценных картин. Любой художник того времени считал особой честью выполнить заказ для галереи. Особенно отличилась в этом плане Академия Св. Луки. За несколько столетий количество экспонатов настолько увеличилось, что властям пришлось расширить территорию музея. В 2006 г. общая площадь залов увеличилась вдвое за счет соседних помещений. Теперь картины, которые долгое время были скрыты в хранилищах, предстали перед взором широкой публики.

Архитектура

Строение располагается недалеко от реки Арно, что вызывало у Дж. Вазари определенные сомнения. Совсем не просто возвести огромное здание у самого берега и сделать его достаточно надежным. Весь комплекс имеет форму подковы и состоит из двух прямоугольных строений, расположенных параллельно друг другу. Соединяет их коридор с лоджией, с которой открывается прекрасный вид на город и реку.

Трехэтажное здание имело множество просторных помещений с высокими потолками. Первоначально произведения искусства расположили в западном крыле на последнем этаже. В стенах еще в момент постройки были предусмотрены многочисленные ниши для статуй, однако они долго оставались пустыми. Только в XIX веке ниши заняли несколько десятков изваяний знаменитых мыслителей и мастеров Тосканы, чтобы увековечить память о них.

Почти все фасады покрыты толстым слоем белой штукатурки. В некоторых местах стены дополнены серым камнем. Он являлся большой редкостью и чаще использовался для внутренней отделки. Галерея Уффици является единственным зданием, в котором серый камень применен для оформления фасадов.

Уникальная коллекция Уффици

Джорджо Вазари известен не только как архитектор. Ему также принадлежит несколько литературных произведений. Известен цикл произведений знаменитого мастера «Жизнеописание». В нем он рассказывает биографии известнейших художников своего времени. Примечательно, что создатели галереи разместили картины и другие произведения искусства именно в том порядке, в котором их авторы упомянуты в книге.

Коллекция музея настолько велика, что перечисление полного каталога займет несколько часов. Целесообразно остановиться лишь на некоторых известных экспонатах галереи Уффици. Например, большую ценность имеет картина Джото Бонде «Мэста» с портретом Богородицы, которую датируют XIII-XIV вв. Еще одно изображение Девы Марии, где она принимает венец, написана Ф. Липпи, картина называется «Коронование Марии».

Пользуются популярностью такие картины, как «Благовещенье» и «Поклонение волхвов» (Леонардо да Винчи), «Четыре всадника апокалипсиса» (А. Дюрер), «Крещение Христа» (А. Вероккьо). Есть в галерее несколько прекрасных картин, не связанных с религиозной тематикой. Среди них «Весна» и «Рождение Венеры» С. Боттичелли, «Святое семейство» Микеланджело, «Венера Урбинская» Тициана. Кроме работ именитых западных мастеров в просторных залах можно обнаружить произведения Кустодиева, Айвазовского, Кипренского.

Интересно, что в некоторых произведениях скрыты тайные послания знаменитых художников. А может, их додумали уже наши современники? Гиды любят рассказывать о значении отдельных элементов знаменитых полотен или показывать незаметные сразу объекты со скрытым смыслом. Так, многие старинные полотна использовались несколько раз, и современная техника позволяет увидеть не только верхний слой, но и закрашенную картину.

Под некоторыми фресками также предполагают наличие других картин. На одной из фресок Леонардо да Винчи есть указание на его утерянную работу. К сожалению, чтобы проверить, есть ли в указанном месте утерянная фреска, нужно сломать часть стены. Администрация галереи Уффици не решается пока на такой шаг.

Кроме огромной коллекции картин галерея Уффици знаменита экспозициями скульптур и предметов средневекового быта. Некоторые изваяния были перевезены сюда даже из Ватикана, так как фривольные позы нескольких скульптур не нравились Папе.

Экскурсия

Полюбоваться прекрасной коллекцией галереи можно с 8:30 до 19:00 ежедневно, кроме понедельника. Билет в галерею Уффици стоит 9 евро. В день рождения именинник сможет посетить галерею абсолютно бесплатно. Такая же возможность есть у прекрасных дам в день 8 марта.

Знаменитый музей очень популярен среди туристов. Ежегодно его посещают около 1,5 млн. человек. У входа часто образуется большая очередь, поэтому стоит приготовиться к длительному ожиданию. Приблизительно 2-3 раза в час заходит новая экскурсионная группа в составе 30 человек. Кроме экскурсии с гидом, можно заказать услугу «аудиогид», она обойдется в 8 евро. Узнать подробную информацию о галерее Уффици можно на официальном сайте: www.uffizi.beniculturali.it.

Заранее следует позаботиться о ручной клади. На территорию галереи запрещается проносить воду в любых количествах и объемные рюкзаки. Все вещи можно оставить в камере хранения, к которой тоже выстраивается очередь.

Как добраться

Галерея Уффици находится в центральной части города, поэтому трудностей с транспортом не возникает. Чтобы добраться на такси или автомобиле, следует прибыть по адресу: Piazzale degli Uffizi, 6. На общественном транспорте можно доехать до остановки Galleria Degli Uffizi. Также можно совершить пешую прогулку по живописному городу. От железнодорожного вокзала дорога займет 10 минут.

tepler.ru

Галерея Уффици. Флоренция (вторая часть): lovers_of_art — LiveJournal

Сандро Боттичелли (1445–1510). Весна. Около 1478

В «Весне» нашли отражение три неразрывных направления, в которых развивались искусство и философия флорентийских гуманистов: античный, христианский и куртуазный. Из античности здесь — персонажи и мотивы мифов. Справа Зефир, теплый западный ветер, похищает Хлориду, греческую нимфу полей и цветов, которая превращается в изображенную тут же Флору — уже римскую богиню, осыпающую землю цветами. В левой части — три грации, олицетворяющие целомудрие, любовь и наслаждение. Меркурий, разгоняющий облака, стоя под сенью апельсиновых деревьев, отсылает воображение зрителя к мифу о Парисе и его выборе прекраснейшей из богинь, которой он как победительнице отдал яблоко. Эта богиня, Афродита, или, как ее называли древние римляне, Венера, мягко ступает по ковру из трав и цветов в центре картины. Над ее головой — Амур с луком, целящийся в одну из граций.

Христианская тема проявляется здесь в том, что главная героиня напоминает Мадонну, рука которой словно благословляет всех. В этой героине сквозит и культ «прекрасной дамы», вдохновительницы поэтов. Эти куртуазные настроения процветали в кружке Лоренцо Великолепного. Картина была написана вскоре после того, как умерла возлюбленная брата Лоренцо, Джулиано Медичи, прекрасная Симонетта Веспуччи. Венера напоминает ее лицом. На самого же Джулиано походит Меркурий, в котором узнается также святой Себастьян, христианский мученик.

Эта работа, в которой сошлись самые разные мотивы, знаменовала собой важный поворот к живописи, не подчиненной никаким канонам. В ней была видна уже только душа художника и его воля. Русский искусствовед Павел Муратов писал о Боттичелли: «Он первым встречал утренний туман нового и долгого дня в истории мира под единственным знаменем чистого искусства».

Сандро Боттичелли (1445–1510). Весна. Около 1478 (фрагмент)

Сандро Боттичелли (1445–1510). Поклонение волхвов. Около 1475

Сандро Боттичелли (1445–1510) Поклонение волхвов Около 1475 (фрагмент)

Среди руин античного Рима, символизирующих окончание старого мира и начало нового, христианского, восседает Мадонна. Она держит на коленях Младенца, позади стоит, облокотившись на руку, Иосиф и умиленно смотрит на новорожденного. Перед Христом опустился на колени Козимо Старший Медичи. Джорджо Вазари писал: «И особую выразительность мы видим в старце, который, целуя ноги Господа нашего и тая от нежности, отменнейшим образом показывает, что он достиг цели длиннейшего своего путешествия». Ближе к переднему краю картины изображены сыновья Козимо, Пьеро и Джованни. К моменту написания произведения они и их отец уже умерли, но Боттичелли включил их в круг семьи как неразрывно связанных с ней. В черном с красным одеянии стоит, задумавшись, Джулиано, сын Пьеро, позади него с бородой и в шапке — философ Джованни Аргиропуло, перед ним в голубом — заказчик работы, Дзаноби дель Лама. Слева в горделивой позе стоит брат Джулиано, Лоренцо Великолепный, рядом с ним — поэт Анджело Полициано, им что-то рассказывает гуманист и философ Пико делла Мирандола. Наконец в правом нижнем углу на зрителя смотрит закутанный в рыжий плащ сам Боттичелли. Традиция изображать себя среди участников сцены из Священного Писания была широко распространена в эпоху Возрождения.

Медичи учредили во Флоренции так называемое Братство волхвов, куда входили они сами и их приближенные. Братство устраивало костюмированные шествия: его члены, переодевшись волхвами, шли пешком и ехали верхом на конях по улицам города. Вероятно, эти мистерии также нашли свой отзвук в картине Боттичелли.

Сандро Боттичелли (1445–1510). Рождение Венеры. 1483–1485

…Влечет
Зефир влюбленный раковину к брегу,
И небеса их радуются бегу…
… И видно — блеск глаза богини льют.
Пред ней с улыбкой небо и стихии.
Там в белом Оры берегом идут…
Венера, стоя в раковине, плывет, подгоняемая Зефиром и Хлоридой, а навстречу ей идет Ора, одна из спутниц богини, которая держит покрывало, чтобы окутать ее. Трепещущие на ветру прихотливые складки покрывала и одежд, волны на море, изломанная линия берега, «гофрированная» створка раковины, наконец летящие волосы Венеры — все это оттеняет плавные очертания тела богини и усиливает то чувство высшей гармонии, которое вызывает ее облик. Над головой Венеры едва ли не смыкаются руки персонажей, и кажется, будто ее осеняет арка, которой вторит круглящийся низ раковины. Таким образом, фигура богини замыкается в воображаемый овал. Если в «Весне» композиция состоит из нескольких равноценных по смыслу групп, то здесь Венера — тот центр, к которому стремится все.

У ренессансных художников обнаженная Венера в противовес одетой символизировала любовь небесную. Боттичелли наделил свою героиню тем целомудрием, которое почитается как высшая добродетель, отсюда и мотив поклонения, присутствующий в картине. Прекрасное лицо героини напоминает лики Мадонн на картинах Боттичелли, и потому в этой работе сквозь античную тему звучит христианская, а соединение античного гуманизма и христианства и дало феномен итальянского Возрождения.

Сандро Боттичелли (1445–1510). Мадонна с Младенцем и ангелами (Мадонна дель Магнификат). 1483

Форма тондо — круглой картины — особенно подходила живописи Боттичелли с ее плавными, текучими линиями, изгибами тел, склоненными головами персонажей. В данном случае художник и придает всей композиции круглящиеся очертания, которые образованы позами Мадонны и Младенца, склоненным ангелом слева, встречающимися вверху руками ангелов, держащих корону и возлагающих ее на голову Марии. Кроме того, вся группа помещена на фоне круглого окна, пейзаж за ним тоже странно изгибается, словно отраженный в выпуклом зеркале. Это одно из самых лирических произведений Боттичелли, где музыка воплощена в композиции, ритме, красках, линиях и выражениях лиц.

Джованни Беллини (1430–1516). Священная аллегория. 1490–1499

Джованни Беллини (1430–1516). Священная аллегория. 1490–1499 (фрагмент)

Художник изобразил так называемое святое собеседование: сидящей на троне Богоматери предстоят святые. Среди них можно различить Павла с мечом, прогоняющего человека в тюрбане, Петра, опершегося на балюстраду и сторожащего вход на площадку, Себастьяна со стрелой в груди и Иова, молитвенно сложившего руки. Но композиция «святого собеседования», всегда бывшая, когда Беллини или другие художники обращались к этому сюжету, центральной, здесь развернута к зрителю боком и становится одним из представленных мотивов. Другой — играющие под деревом младенцы. В их группе выделяется тот, кто держит в руках яблоко, символизирующее человеческие грехи. Этот ребенок может быть Христом, пришедшим в мир искупить грехи, а младенцы вокруг Него — душами, попавшими в чистилище, за которые молятся святые. Река — скорее всего Лета, отделяющая этот мир от мира живых, который виден на среднем и дальнем планах. Там молится в пещере анахорет, неподалеку бродит кентавр, олицетворяющий соблазны, а еще дальше живут своей обычной жизнью люди.

Но прав был русский искусствовед Павел Муратов, когда писал о Беллини: «И может быть, ключ к его картине находится не столько в том, что изображено, сколько в самом чувстве, каким проникнуто здесь все. <…> Нам понятны глубокое созерцательное раздумье, в которое погружены его святые, и бесплотная тонкость младенческих игр с золотыми яблоками темнолиственного мистического дерева. В той стране, которая открывается за уснувшими зеркальными водами Леты, мы узнаем нашу страну молитв и очарований. Там бродят в уединении скал наши души, когда их освобождает сон… На утренней заре они второй раз погружаются в летейские воды и выходят, храня печаль, на берег жизни».

Пьетро Перуджино (между 1445 и 1452–1523). Пьета. Около 1493–1494

В картине господствуют две взаимно уравновешенные композиционные линии — вытянутого тела Спасителя и полукруглых арок, которым вторит своими очертаниями фигура Марии. Арка — символ небесного свода и мировой гармонии — уже своей формой вносит в композицию чувство, подчеркивающее, что жертва Христова была не напрасна. На Его лике — умиротворение, Богоматери — глубокая тоска, которая не находит выхода вовне, а на лицах Иоанна Евангелиста и стоящего за ним святого — то выражение, которое можно определить классической строкой «печаль моя светла». Грусть и вместе с ней надежда ощущаются и в весеннем пейзаже вдали, и в золотистом воздухе, окутывающем все изображенное.

Микеланджело Буонарроти (1475–1564). Мадонна Дони (Святое семейство). 1505–1506

Так и в «Мадонне Дони» или «Тондо Дони» (тондо — круглая по форме картина или рельеф) фигуры Мадонны, Христа, святого Иосифа, святого Иоанна Крестителя и юношей на заднем плане выписаны именно рельефно, скульптурно. Впрочем, эта особенность отличала всю живописную школу Тосканы от, например, венецианской. Центральная группа напоминает скульптурную композицию: она компактна, и создается впечатление, что ее можно обойти со всех сторон и рассмотреть. В этом произведении чувствуется и мышление архитектора, настолько все изображенное устойчиво и надежно «закреплено» в пространстве.

Живопись картины напоминает монументальную, подобную тем фрескам, что Микеланджело выполнил на потолке Сикстинской капеллы в 1508–1512. Фигуры персонажей и складки драпировок «Мадонны Дони» лапидарны, то есть рассчитаны на дальний обзор. Поза Богоматери так же сложна, как и у сикстинских персонажей, словно предназначенная вторить пластике некой архитектуры. А своей пространственной композицией, уходящей в глубину, тондо похоже на расписной потолочный плафон.

И все-таки это станковая картина, о чем говорит ее колорит, складывающийся из глубоких и чистых цветов, не столь необходимых в монументальной живописи, и замкнутая композиция тондо, и живые характеры изображенных. Таким образом Микеланджело, который называл себя, в первую очередь, скульптором, доказал, что прекрасно владеет приемами станковой живописи, и проявил в этом произведении все свои таланты, как и подобало мастеру Высокого Возрождения.

Рафаэль Санти (1483–1520). Автопортрет. 1506

Автопортрет, весьма похожий на этот, только в зеркальном развороте, художник поместил на фреске «Афинская школа» (1508–1511) в ватиканской «Станце делла Сеньятура»: справа в образе древнегреческого живописца Апеллеса виден тот же исполненный высокой поэзии облик Рафаэля.

Рафаэль Санти (1483–1520.) Мадонна со щеглом. 1507

Мария словно закрывает собой Младенца Христа и маленького Иоанна. Мягкие линии Ее фигуры, текучие складки одеяния, как и ставший типичным для Рафаэля идилличный пейзаж на заднем плане с плавными очертаниями ландшафта, погруженный в легкую дымку и тающий вдали, наполняют картину настроением умиротворения. Но щегол, символ Страстей Христовых, в руке Иоанна Крестителя, к которому тянется Младенец, вносит тревожную ноту в изображенное. При этом лицо Мадонны, нежное, с опущенными глазами, обрамленное мягкими волосами, выражает спокойствие, которое передается и зрителю.

Джорджоне(предположительно) (14761478()-1510). Воин и оруженосец (Гаттамелата). Около 1505–1510

На полотне изображен кондотьер Эразмо де Нарни, живший почти за столетие до написания картины и получивший прозвище Гаттамелата — «ласковая кошка». Выходец из низших слоев общества, он стал наемным солдатом, служил в разных городах и разным правителям, дослужился до кондотьера — предводителя отряда, бывшего на службе у коммуны. К тому же он стал правителем Падуи, и его конная статуя работы Донателло установлена возле главного падуанского собора — папской базилики Сант Антонио. На картине рядом с Гаттамелатой изображен, вероятно, его сын Антонио.

Джорджоне и его последователи образовали в венецианской живописи рубежа XV–XVI веков целое течение, отличительной чертой которого было созерцательное настроение изображенных персонажей. Вот и этот воин с отнюдь не рафинированной внешностью, привыкший к тяжелой, полной риска жизни, застыл с таким выражением на лице, будто он слушает музыку. Его меч, латы и шлем воспринимаются всего лишь символами, а мальчик — ангелом, стоящим за плечом.

Себастьяно дель Пьомбо (около 1485–1547). Смерть Адониса. 1512

В представленном полотне художник обратился к мифу об Адонисе, прекраснейшем юноше, возлюбленном Афродиты, убитом во время охоты вепрем. Дель Пьомбо изобразил момент, когда Афродита узнает о гибели Адониса, о которой ей сообщает Купидон, причем большая часть произведения занята сидящими в роще божествами, а умирающий герой находится поодаль. Этот прием — отнести кульминационный момент всей сцены на некоторое расстояние, оттянуть его восприятие зрителем — заостряет тревожное настроение, разлитое в картине и волной пробегающее по персонажам.

На заднем плане художник запечатлел вид Венеции с Палаццо дожей и колокольней собора Сан-Марко, отражающийся в тихих водах лагуны. Вечерний пейзаж со светлым голубым небом, золотистым закатом, белыми пухлыми облаками в вышине и бегущими по земле и воде тенями наполняет все изображенное тонкой грустью, которую любили передавать в своих картинах венецианские художники.

Пьеро ди Козимо (1462–1521). Персей, освобождающий Андромеду. Около 1510–1515

Пьеро ди Козимо (1462–1521) Персей, освобождающий Андромеду. Около 1510–1515 (фрагмент)

В представленной картине, написанной в поздний период творчества, мастер использовал древнегреческий миф о Персее, спасающем Андромеду. Возвращаясь после победы над горгоной Медузой, герой увидел девушку, привязанную к скале. Это была Андромеда, которую жители ее родной страны принесли в жертву морскому чудовищу, пожиравшему людей, ради избавления от него. Персей в своих крылатых сандалиях и волшебном шлеме, делавшем его невидимым, изображен на картине дважды — летящим над морем и стоящим на спине чудовища, замахивающимся мечом. Слева мучается Андромеда и прячутся, закрываясь плащами, испуганные люди, а справа народ веселится и машет лавровыми ветвями, славя героя.

Включение в композицию разных по времени событий и их напоминающая сказку трактовка свидетельствуют об еще не изжитых традициях предыдущего столетия — кватроченто, но мягкие очертания фигур и распахнутый вдали пейзаж говорят о том, что данное произведение создавалось в эпоху Высокого Возрождения.

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Флора. Около 1515–1517

В то же время это — портрет реально жившей венецианки, с золотистыми, по тогдашней моде, волосами и светлой бархатистой кожей. Вполне возможно, что молодой Тициан рисовал ее, фантазируя на тему античности, и получился живой, полнокровный и одновременно приподнятый над реальностью образ.

Тициан Вечеллио (14881490-1576). Портрет Элеоноры Гонзага делла Ровере. 1536–1537

Тициан подчеркивает достоинство Элеоноры и через него — ее добродетельность, это понятие было важным для эпохи Возрождения. Лицо модели бесстрастно, и только нежный румянец на белой коже и карие глаза, светящиеся умом и силой, оживляют его и дают почувствовать характер женщины, которая существует в рамках, предписанных ей сословием. Если верно то, что Элеонора служила музой Тициану при написании таких картин, как «Девушка в меховой накидке» и особенно «Венера Урбинская», то можно представить себе диапазон возможностей этого живописца: он был способен и фантазировать на тему облика нравившихся ему женщин, и писать строгие парадные портреты.

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Венера Урбинская. 1538

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Венера Урбинская. 1538 (фрагмент)

Его «Венера», приобретенная Гвидобальдо дела Ровере, герцогом Урбинским и потому получившая свое нынешнее название, представляет молодую венецианку, красавицу с живым взглядом, нежным телом и золотыми волосами. Ее поза напоминает о классическом типе «Венера пудика», то есть «стыдливая», но эта девушка, если чуть и смущается, то вполне сознает свою красоту. Картина перекликается со «Спящей Венерой» Джорджоне, хранящейся в Дрезденской картинной галерее, но у Тициана в облике богини больше чувственности. Однако эта чувственность обманчива. Местом действия художник выбрал комнату, где все дышит уютом крепкого дома: на заднем плане служанка ищет что-то в сундуке, а другая смотрит на нее в ожидании. На окне стоит мирт — символ брачной жизни, на кровати постланы белые простыни и брошены белые подушки, говорящие о чистоте лежащей на них женщины, у ног которой свернулась собачка, символизирующая преданность. Таким образом, скрытый смысл картины надо понимать как супружескую любовь.

Андреа дель Сарто (1486–1531). Мадонна с Младенцем (Мадонна гарпий). 1517

Андреа дель Сарто (1486–1531.) Мадонна с Младенцем (Мадонна гарпий). 1517 (фрагмент)

Представленная работа была выполнена для церкви Сан Франческо во Флоренции, поэтому на полотне изображен также святой Франциск. Справа стоит святой Иоанн Евангелист. Название картины связано со странными крылатыми существами, высеченными в высоком рельефе на постаменте. Джорджо Вазари считал, что это гарпии — чудовища из греческой мифологии, птицы с головами женщин. Но скорее всего это изображение саранчи из Апокалипсиса, на что указывает и фигура Иоанна Евангелиста, в Откровении которого сказано: «И из дыма вышла саранча на землю, и дана была ей власть, какую имеют земные скорпионы» (Откровение, 9:3). Изобразив Богоматерь стоящей над символами грядущих бедствий, художник подчеркнул Ее роль спасительницы праведных.

Андреа дель Сарто (1486–1531). Портрет девушки с книгой стихов Петрарки. 1528

Андреа дель Сарто (1486–1531). Портрет девушки с книгой стихов Петрарки. 1528 (фрагмент)

С хитринкой смотрящая на зрителя девушка держит в руках томик любовных сонетов Петрарки. Она впервые прикасается к тайнам чувства, которые будоражат и манят ее, героиня хочет утаить свое открытие и не может этого сделать, неловко указывая пальцем на строки, которые читает. Все это так точно схвачено художником, что обычный вроде бы сюжет с влюбленной девушкой, невольно намекающей на свое приподнятое внутреннее состояние, вызывает у зрителя теплое и трепетное настроение. Такой глубины в раскрытии внутреннего мира юного существа мало кто достигал во времена Андреа дель Сарто.

Якопо Понтормо (1494–1557) Портрет Козимо Старшего Медичи 1519–1520

Портрет Козимо Старшего Медичи был создан спустя более чем полвека после того, как основатель династии Медичи, банкир и купец, ставший правителем Флоренции, ушел из жизни. В посмертном изображении человека мастер мог дать себе некоторую волю.

Заказал портрет секретарь герцога Урбинского Лоренцо Медичи, одного из потомков Козимо, вероятно, к рождению его сына. Козимо сидит в кресле, перед ним — ветвь лаврового дерева, эмблема рода, вокруг которой вьется бумажная лента со стихами из «Энеиды» Виргилия. В ссутуленной худой фигуре изображенного и его лице чувствуется усталость от бурно прожитых лет, кисти его рук, как у привыкшего повелевать и не желающего расставаться с властью, сжаты. Красное одеяние Козимо, выделяясь на темном фоне, вносит в полотно тревожную ноту и передает драматизм, которым отмечено состояние человека.

Якопо Понтормо (1494–1557). Ужин в Эммаусе. 1525

Живописец изобразил Христа более высоким, чем остальные участники сцены, но находится Он на одном уровне со зрителем, а пол, стол и сидящие за ним персонажи увидены немного сверху. От этого вся композиция буквально стягивается к фигуре Спасителя. Понтормо внес в свое произведение черты бытового жанра, заметные в позах учеников, в том, как один из них наливает вино, а второй держит хлеб. Но над головой Христа изображено всевидящее око Божие в треугольнике, окруженном сиянием и символизирующем Троицу, и это возвращает смотрящего на картину к ее возвышенному плану

Джорджо Вазари (1511–1574). Портрет Лоренцо Великолепного. Около 1533–1534

Лоренцо Великолепный был внуком Козимо Старшего Медичи и сосредоточил в своих руках всю власть над Флоренцией, но в то же время покровительствовал художникам и поэтам и сам писал стихи. Время его правления было «золотым веком» флорентийского искусства. Но на этом портрете изображен выглядящий усталым, погруженный в свои думы человек, равнодушный и к славе, и к богатству, на которое намекает красный кошелек, и даже к тому, что его объявили «сосудом всех добродетелей», о чем свидетельствует надпись позади. Вазари выразил в картине тоску по времени, когда живопись, поэзия и слова гуманистов находили отклик в душе правителя.

Русский искусствовед Павел Муратов так писал о Лоренцо, каким он был на склоне лет: «Им еще дышала тогдашняя Флоренция; он сделал образ ее нетленным. Даже сознанию ближайших поколений Флоренция кватроченто, Флоренция Лоренцо Великолепного казалась явлением древнего божества в человеке, посетившим итальянскую землю. Простое обращение к ней возвышало дух. Когда через пол века… Джорджио Вазари взялся за ныне находящийся в Уффициях портрет Лоренцо, в нем странно воскресла еще раз гениальность старой Флоренции…»

Пармиджанино (Франческо Маццола) (1503–1540). Мадонна с Младенцем, ангелами и пророком (Мадонна с длинной шеей). 1534–1540

Тела изображенных удлинены (отсюда и второе название этого произведения) и волнообразно изогнуты. Особенно наглядно это видно в фигуре ангела, стоящего впереди. Усиливают ощущение ирреального, волшебного, которое вызывает это произведение, холодные, отливающие перламутром краски, а также слишком маленькая по сравнению с остальными фигура святого Иеронима и незавершенный то ли нарочно, то ли из-за смерти мастера архитектурный фон, где колонны оказались ничего не несущими. И в то же время одиночная колонна приобретает здесь особый смысл как символ стойкости.

На вазе в руках ангела изображено Распятие. Тема будущих мучений и крестной смерти Спасителя воплощается и в позе спящего Младенца, напоминающей об иконографии пьеты — изображения Богоматери, оплакивающей мертвого Христа, которого Она держит на коленях.

lovers-of-art.livejournal.com