Нажмите "Enter", чтобы перейти к содержанию

Картины галереи уффици – Уффици. Uffizi, коллекция картин, Картины

Уффици. Uffizi, коллекция картин, Картины

ЧЕТЫРЕ САДА

Четыре сада духа нам
Даны в оттенках восприятья –
Чтоб не попали в сферу ям,
Любви откроются объятья.

Насквозь мистичен Иоанн,
Три прочих сада нам яснее.
Увы! – грехи соткут туман,
Какого не было сильнее.

Четыре сада…и один…
У нас замшели камни мысли.
Но наш небесный Господин
Покуда терпит наши числа.

* * *
Сквозь мистический сад Иоанна
Жизнь телесная сколь нам ясна?
Золотистого света поляна,
Голубиного света волна.

Изменений не много ли в мире?
Все они в матерьяльность ушли.
Неумение видеть пошире
Нас изводит в пределах земли.

Слово, давшее жизнь и реальность,
Разменяв на слова, мы живём
Жизнью мёртвых – такая банальность.
За прямую приемлем излом.
И грозящую нам инфернальность
Позабыв, суетимся, поём…

* * *

Замшели мысли на земле,
Речь истины мы исказили.
Всё время роемся в золе,
Считая золотыми были.

Трава, леса, вода…а вдруг
Рекут не менее Матфея?
Предполагаешь, холодея,
Включённый в общий жизни круг?

Но с сердца надобно сколоть –
Ужели? – каменную плоть,

Тогда душой, какая в сердце
Коснёшься истинной воды,
Её испить – и от беды
Уйти – и истиной согреться.

* * *

Марк – свод сиятельных высот,
Ответствующий общей гамме
Того, чтоб мы не гибли в яме
Своих страстей, чужих щедрот.

Марк – малахитовый отлив
Волны, и мох зеленоватый.
…а к точке подойдёшь когда ты,
Сколь страшен рокот перспектив?

Ты – а не Марк, ты – человек,
Что долго длящийся четверг
Готов проклясть – не понимаешь
Значенья своеродных слов,
Идущих силою основ,
Чей свет в быту всегда теряешь.

* * *

(…слово – зелень, слово – яшма…)
Трудится старик Лука.
За победу что не дашь, но
Так победа далека.

Вот Христос, он с ними рядом.
С жизнью сложен диалог.
Или под будущего взглядом
Замер человек, убог?

Своеродные картины
Дышащего бытия.
Для отчаянья причины
Снова, грешный, вижу я.

Лучше пусть душа моя
Соберёт небес кармины!

gallerix.ru

Картинные галереи и художники — Галерея Уффици

Галерея Уффици – один из старейших музеев Италии, в котором хранится богатейшее в мире собрание итальянской живописи XIII-XVIII в.в.
История галереи началась в 1560 г., когда Козимо I Медичи, Великий герцог Тосканы, принял решение о постройке дворца, в котором планировал разместить все административные учреждения Флоренции. По его указанию и по проекту Джорджо Вазари было построено элегантное здание с портиком в виде дорических колонн.
Как и планировалось, первый этаж стал административным, а второй – фактически превратился в музей, т.к. там разместили античные статуи, бюсты, картины и коллекцию ювелирных украшений династии Медичи.
Официальное открытие музея состоялось в 1769 г. Но задолго до этого события, в справочнике о достопримечательностях Флоренции «Красота города Флоренции», изданном в 1594 г. говорилось, что в галерее собрана великолепная коллекция античных статуй и шедевров живописи.

В наши дни Галерея Уффици является одним из самых посещаемых музеев мира.
Дата основания:1581
Адрес: Galleria degli Uffizi, Piazzale degli Uffizi, 6, 50123 Firenze FI, Италия
Работает: 1 октября — 31 марта: вторник-суббота 08:30-19:00, воскресенье 8:30-14:00; 1 апреля — 30 сентября: вторник-воскресенье 8:30-22:00, понедельник-закрыта
Вход: платный
В трех разделах коллекции представлено 182 картины из собрания Галереи Уффици.
Раздел 1. Показаны произведения Дуччо ди Буонинсенья, Джотто ди Бондоне, Амброджо Лоренцетти, Андреа Орканья, Джентиле да Фабриано, Лоренцо Монако, Паоло Уччелло, Рогира ван дер Вейдена, Якопо Беллини, Мазаччо, Филиппо Липпи, Доменико Венециано, Пьеро делла Франческа, Андреа дель Кастаньо, Гуго ван дер Гуса, Ганса Мемлинга, Джованни Беллини, Винченцо Фоппа, Андреа Мантенья, Сандро Боттичелли, Луки Синьорелли.
Раздел 2. Показаны произведения Пьетро Перуджино, Доменико Гирландайо, Леонардо да Винчи, Филиппино Липпи, Лоренцо ди Креди, Пьеро ди Козимо, Альбрехта Дюрера, Лукаса Кранаха Старшего, Тициана, Джорджоне, Альбрехта Альтдорфера, Ханса Бальдунга, Рафаэля Санти, Андреа дель Сарто, Корреджо, Понтормо, Россо Фьорентино, Ганса Гольбейна, Пармиджанино.
Раздел 3. Показаны произведения Аньоло Бронзино, Франсуа Клуэ, Джорджо Вазари, Паоло Веронезе, Федерико Бароччи, Эль Греко, Яна Брейгеля Старшего, Караваджо, Питера Пауля Рубенса, Джованни Баттиста Караччоло, Симона Вуэ, Артемизии Джентилески, Диего Веласкеса, Маттиаса Стома, Рембрандта, Пьера Миньяра, Яна Стена, Габриеля Метсю, Себастьяно Риччи, Розальбы Каррьера, Жан-Марка Натье, Каналетто, Жана Батиста Симеона Шардена, Анжелики Кауфман, Мари Элизабет Луизы Виже-Лебрен, Франсиско Гойя, Франсуа-Ксавье Фабра, Камиля Коро, Джона Сингера Сарджента, Ореста Адамовича Кипренского, Бориса Михайловича Кустодиева.

56 картин из собрания галереи Уффици. Раздел 1

gallart.by

Шедевры галереи Уффици (Флоренция, Италия)

Галерея Уффици, став в 1765 году государственным музеем, продолжала сохранять вид кунсткамеры, универсального собрания, характерного для этого времени. Наряду с картинами и скульптурами, здесь находились чучела животных и птиц, диковинные раковины, оружие, инструменты и другие экспонаты.
Только в конце XVIII века начала разрабатываться концепция публичного музея по принципу разделения раритетов по различным отраслям науки и искусства. В соответствии с этим, с начала XIX века в Уффици стали проводить систематизацию и разделение коллекций. На базе ее собраний была создана целая разветвленная система государственных музеев: музей оружия, музей ювелирного искусства, музей истории науки, археологический музей.

Особенно важная реорганизация галереи на основе научных принципов была осуществлена в 1905 – 1924 годах, при которой картины были систематизированы по эпохам, школам, мастерам. Тогда галерея Уффици начала приобретать свой современный характер и становиться картинной галереей, аккомпанементом которой служат античные памятники и некоторые произведения прикладного искусства.

После Первой мировой войны у галереи Уффици оказались все основания претендовать на статус Национальной галереи, так как в Риме таковой не было. Сюда стали стекаться не только шедевры из собраний Флоренции, но и из других городов Италии.

После Второй мировой войны были сделаны важные приобретения (картины Лотто и Фоппа), возвращены произведения, утраченные во время войны (картины Мазаччо, Мазолино, Веронезе, Тинторетто, Тьеполо), а также галерея пополнилась частными коллекциями, завещанными государству.

Модернизация коллекций, перестройка помещений, перераспределение экспонатов между музеями Флоренции продолжается и в наши дни. В рамках расширения площади галереи в 2006 году были открыты дополнительные помещения, и площадь экспозиции увеличилась в два раза, позволив посетителям увидеть воочию то, что ранее находилось только в хранилищах.

Джотто, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело Караваджо, Тициан… Имена, заставляющие замирать в сладостном предвкушении сердца ценителей прекрасного. Не говоря уже о великолепных образцах искусства Античности, а также произведениях (лучших произведениях!) художников французских, немецких голландских, фламандских… Лучшие художники, лучшие произведения.

Осмотр шедевров галереи Уффици начинается с образцов средневекового искусства Италии раннего Возрождения XIII – XV веков: «Мадонна Оньисанти» Джотто,

«Коронация Девы Марии» Лоренцо Монако,

«Полиптих» Бернардо Дадди,

«Благовещение» Симоне Мартини и Липпо Мемми,

«Мадонна с ребенком» Липпи.

Среди шедевров, составляющих коллекцию галереи Уффици, трудно назвать наиболее ценные. Однако некоторые полотна уже давно стали визитной карточкой знаменитой галереи.

Особенно гордится галерея Уффици двумя картинами великого флорентийского художника Сандро Боттичелли – «Весна»

и «Рождение Венеры».

На самого Боттичелли сильное впечатление произвел «Триптих Портинари» фламандского художника Хуго ван дер Гуса, выполненный с тщательностью в изображении деталей по заказу банкирского дома Медичи.


Флоренцию времен Медичи отличало не только великолепие видов и роскошь жизни, но и то, что именно здесь готовили лучших мастеров: так одной из самых знаменитых являлась мастерская художника Андреа Верроккьо. В галерее Уффици сегодня выставлена одна из лучших его работ «Крещение Христа».

Примечательно, что на этой картине есть один ангел (слева), которого рисовал совсем молодой Леонардо да Винчи, будучи учеником великого мастера.

Кроме того, в галерее не могло обойтись и без полотен самого Леонардо да Винчи, в том числе и его самых ранних работ, среди которых особого внимания заслуживает знаменитое «Благовещение», в котором стиль художника только проявляется, но еще находится под влиянием учителя Верроккьо.

В этом же зале (№ 15) выставлены недавно отреставрированные картины гармоничного Перуджино, умбрийского художника, работавшего во Флоренции в конце XV века («Оплакивание Христа»)

и «эксцентрика» Пьеро ди Козимо, автора чрезвычайно изобразительных композиций («Сошествие Святого Духа»).

В галерее Уффици выставлено единственное живописное произведение Микеланджело, хранящееся во Флоренции, знаменитое тондо (композиция в круге) «Святое семейство».

Среди работ флорентийских художников XVI века как образцы живописи этого периода специалисты отмечают полотно Альбертинелли «Встреча Марии с Елизаветой»

и портрет «Папа Лев X с кардиналами» Рафаэля.

Уже с начала XVI века роль ведущего художественного центра Италии переходит от Флоренции к Риму, куда переселяются Микеланджело и Рафаэль. Покидает Флоренцию Леонардо да Винчи и многие маньеристы. Наряду с Римом, в XVI веке главные позиции в искусстве Италии занимает венецианская школа.
В галерее Уффици находятся многие знаменитые картины лучших живописцев Венеции этой эпохи: «Венера Урбинская» Тициана,

«Мадонна с длинной шеей» Пармиджанино,

«Леда и Лебедь» Тинторетто.

На территории Уффици находится «Галерея автопортретов великих художников Европы». Эта галерея была основана еще в XVII веке и в ней находится четыре автопортрета русских художников (Кипренский, Брюллов, Репин, Кустодиев).

В Уффици много других замечательных и примечательных коллекций и экспонатов: члены семьи Медичи помимо картин приобретали античные статуи, древнегреческие и древнеримские скульптуры, среди которых имеется целый ряд шедевров.

В галерее Уффици собраны оригинальные работы, некоторым из которых более тысячи лет, а другие отражают один из периодов высочайшего искусства всех времен – период Возрождения, и благодаря великолепным помещениям и драгоценной коллекции шедевров галерею Уффици по праву называют «музеем превосходного».

turbina.ru

фото, картины, шедевры, билеты, сколько стоят билеты

В чудесном городе Флоренция находится немало достопримечательностей, которые радуют глаз туристов,  а также лелеют их чувство прекрасного. Одно из таких сооружений – галерея Уффици (Galleria degli Uffizi) — находится в центре Флоренции между площадью Синьории (Piazza della Signoria) и мостом Понте Веккьо (Ponte Vecchio), вольно и невольно привлекая многочисленных туристов, начиная от тех, которые случайно забрели сюда, и заканчивая теми, кто приехал в этот удивительный город специально для того чтобы в полной мере насладиться шедеврами мирового изобразительного искусства, выставленных здесь.

  • Рекомендуем посетить индивидуальную экскурсию в галерею с лицензированным гидом-искуствоведом – знакомиться с шедеврами мастеров нужно только в профессиональной компании. Также гид поможет вам с резервацией билетов.

Какие шедевры внутри?

Галерея Уффици, которая занимает общую площадь в 13000 квадратных метров, предоставляет взору обычных туристов и истинных ценителей искусства одну из самых важных и больших коллекций, которая охватывает работы как итальянских так и зарубежных художников, творивших с 13 по 18 века.

В музее вы сможете лично насладиться творениями таких мастеров с мировым именем как Микеланджело (Michelangelo), Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci), Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli), Рафаэля (Rafael), Рубенса (Rubens), Рембрандта (Rembrandt) и многих других. Кстати, галерея Уффици по праву может называться одним из самых старинных музеев в мире, который был открыт для посетителей практически сразу после его возведения в 16 веке.

История галереи

Известнейшая галерея Италии расположена в массивном здании, проект которого принадлежит талантливому архитектору Джорджо Вазари (Giorgio Vasari). Возведение галереи Уффици началось еще в 1560 году по личному приказу Козимо Старшего Медичи, однако представитель династии так и не смог увидеть ее в готовом виде: строительство здания завершилось двадцать лет спустя, уже после кончины Козимо.

Стоит отметить, что для выполнения архитектурного проекта специалистам пришлось сносить старые кварталы и разбирать близлежащие средневековые здания.

Однако когда галерея Уффици была полностью завершена, стало очевидно, что все жертвы не были напрасными. Один из самых внушительных музеев страны раскинулся на площади Синьории в форме латинской буквы «U», окруженный висячими садами и картинной галереей. Автор проекта, Вазари, был настоящим ценителем искусства, поэтому он позаботился о специальном оформлении длинных коридоров, где должны были располагаться полотна.

Дорогой читатель, для поиска ответа на любой вопрос по отдыху в Италии, воспользуйтесь страницей ПОИСКА. Я отвечаю на все вопросы в комментариях под соответствующими статьями минимум раз в сутки. Ваш гид в Италии Артур Якуцевич.

Спустя десятки лет после начала грандиозного строительства семья Медичи наконец могла перевезти сюда свою гордость — уникальную коллекцию живописи и скульптуры, собранной со всего мира. Именно во Флоренцию представители великой династии переправили все свои шедевры искусства. Особенным вниманием Медичи пользовался художник Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli), который, по сведениям историков, был весьма дружен с известной семьей.

В галерее Уффици и по сей день хранятся его редкие творения. В музее находится одно из самых его известных творений — «Рождение Венеры» (Nascita di Venere), которая пополнила ряды выставленных здесь шедевров лишь в середине 19 века. О многообразии прекрасных полотен, нарисованных известнейшими художниками в истории человечества и выставленных в Уффици, можно говорить долго.

Однако стоит отметить, что жемчужиной всей коллекции является «Венера Медичи».

На осмотр многочисленных полотен уйдет не один день. К счастью, все произведение, хранящиеся здесь, расположены в более чем 50 залах в хронологическом порядке. Именно благодаря этой мудрой организации вы сможете проследить как развивалось искусство с 13 по 18 века и сменялись стили живописи и скульптуры, начиная от византийского периода и заканчивая барокко.

Едва переступив порог музея вы оказываетесь на настоящем распутье: от входа в музей ведут три вестибюля. В первом находятся бюсты из мрамора и порфира, второй украшен Джованни да Сан Джованни (Giovanni da San Giovanni), третий хранит в себе римские статуи и саркофаги. Галерея Уффици попросту завораживает не только предметами искусства, выставленными здесь. Чего только стоит внутреннее убранство одной из самых посещаемых галерей в Европе!

Полезная информация

Билеты

Кстати, ежегодно эту флорентийскую достопримечательность посещают миллионы туристов. И вы можете стать одним из этих счастливчиков!

  • С 1 марта 2019 по 31 октября 2019 стоимость полного билета в Уффици: 20 € + 4 € сбор за предварительную бронь. Во время проведения выставок цена может возрастать.
  • С 1 ноября 2019 года по 28 февраля 2020 года стоимость полного билета в Уффици: 12 € + 4 € за предварительную бронь. Однако стоит учесть, что кассы закрываются в 18:05.
  • Официальные онлайн-кассы: webshop.b-ticket.com
    Проверенные надёжные агенства для покупки билетов в последний момент: www.tiqets.com и www.getyourguide.ru. – они обычно берут небольшую комиссию, зато там, даже в высокий сезон, есть квоты.
  • Групповая экскурсия на 1,5 часа стоит 57 евро/чел, билеты включены, проводится на английском, итальянском, испанском, немецком или французском языку.
  • Если вы идете на индивидуальную экскурсию в Уффици на русском языке с гидом ИТАЛИЯ ДЛЯ МЕНЯ, то он поможет сделать вам резервацию, оплатите билеты на месте.

Во избежание многочисленных часов ожидания в очереди у самого музея вы можете забронировать билеты на итальянском языке по номеру +39 055 294883 (стоимость резервации 4 евро). Удобнее всего посещать это флорентийскую достопримечательность после 14 часов дня, когда заканчиваются все школьные экскурсии

Адрес и время работы

Галерея Уффици расположена по адресу  Piazzale degli Uffizi, 6, Firenze, Italy и попасть в нее можно в любой день, кроме понедельника и 1 мая, с 8:15 до 18:50.

Как добраться

Добраться до галереи Уффици можно на общественном транспорте (рядом с ней расположена остановка С1 Galleria Degli Uffizi — Farmacia Logge) или пройти пешком, если вы уже находитесь в центре города. Кстати, если вы все еще ощущаете прилив сил после посещения прекрасной галереи, обратите свой взор на близлежащие достопримечательности Флоренции: Палаццо Веккьо и Дворец Барджелло (Bargello).

↘️🇮🇹 ПОЛЕЗНЫЕ СТАТЬИ И САЙТЫ 🇮🇹↙️ ПОДЕЛИСЬ С ДРУЗЬЯМИ

italy4.me

Галерея Уффици, Флоренция — подробно с фото и видео

Видео: Галерея Уффици

Основные моменты

Галерея Уффици

Коллекции галереи Уффици считаются одними из самых старых в Европе. Чтобы разместить их, в XVI веке на берегу реки Арно построили роскошные дворцовые здания. Возведение дворцов заняло более 20 лет, и для этого пришлось сносить старые городские кварталы. За два столетия до своего официального открытия художественное собрание было широко известно, и по предварительным заявкам любой желающий мог осмотреть хранящиеся здесь произведения искусства.

В XVIII веке постоянно пополняемая галерея стала первым музеем Флоренции, доступным для всех. Произошло это в 1737 году, когда последняя представительница могущественной династии Медичи Анна Мария Людовика подарила галерею Уффици флорентийцам.

В наши дни художественные коллекции размещены на площади 13 тысяч м². Это одна из самых посещаемых достопримечательностей Италии. Галерея Уффици чрезвычайна популярна у туристов, визит в нее включен во многие экскурсионные программы, и очередь за билетами выстраивается на несколько часов.

Собрание знаменитого музея так велико, что на подробный осмотр коллекций потребуется не один день. Произведения искусства выставлены в хронологическом порядке и занимают более пятидесяти залов. Пройдя по ним, можно проследить, как изменялись традиции живописи с XIII по XVIII века, от периода Византийской империи до расцвета барокко.

Как появилась знаменитая галерея

История известного совсем мире художественного собрания началась в 1560 году, когда по желанию управлявшего Флоренцией, великого герцога Тосканы Козимодо I, итальянский живописец и архитектор Джорджо Вазари построил большой дворец. Величественное здание имело два крыла и вмещало судебные и административные учреждения Тосканской магистратуры – Uffizi (офисы). Помимо объединения в одном месте всех правительственных учреждений (тринадцати министерств), великий герцог решал и другую задачу. Он хотел, чтобы в новом дворцовом комплексе были увековечены могущество и богатство его рода.

Дворец, построенный архитектором Джорджо Вазари

Спустя пять лет, в течение нескольких месяцев талантливый архитектор соорудил «воздушный проход», который соединил дворец Уффици, новую резиденцию правителей Медичи, самый старый мост Флоренции Понте Веккью и старинный римско-католический храм Святой Фелицаты. Крытая галерея имела протяженность 750 м. Это было архитектурное новшество, и его стали называть коридором Вазари.

Семейство Медичи славилось не только своим богатством и политическим влиянием. Его члены высоко ценили произведения искусства и оказывали максимальную поддержку талантливым художникам. Первое собрание галереи Уффици создал Франческо I, сын герцога Козимодо I. Картины из его личной коллекции сначала вывесили в кабинете герцога, а в 1581 году отдали под них весь верхний этаж дворца. Галерею закрывали широкие витражи. Кроме живописных полотен, внутри стояли античные скульптуры, а потолок украшали красочные фрески.

Позже здесь был создан необычный Зал Трибуна, который покрывал восьмиугольный купол. Световой фонарь освещал размещенные внутри произведения искусства, искусно сделанную мебель и инкрустированные раковинами стены.

Зал Трибуна

С 1589 году по распоряжению брата Франческо I, великого герцога Фердинанда I, террасу, примыкавшую к Залу Трибуна, закрыли для Зала Географических карт. На другом крыле галереи Уффици в те времена существовали висячие сады. Внутри дворца также был открыт роскошный театр.

Окончательные строительные работы над дворцовыми сооружениями были закончены через 20 лет, уже после смерти Козимодо I. На площади Синьории появилось большое по размерам дворцовое здание, напоминавшее по форме букву «U». Оно состояло из двух корпусов. На одном из этажей размещались лоджии. Оба строения соединял третий корпус и протяженная аркада, выходившие к набережной Арно. Постепенно во флорентийскую галерею перевезли картины и скульптуры из других дворцов династии Медичи.

Один из залов галереиВнутренний двор галереиРоспись на потолке

Коллекции и наиболее известные экспонаты галереи Уффици

От входа в музейные залы можно попасть через три вестибюля. В одном из них стоят бюсты, вырезанные из мрамора и порфира. Другой украшен итальянским художником Джованни Маноцци (Джованни да Сан Джованни). В третьем вестибюле находятся саркофаги и статуи эпохи Древнего Рима.

Третий этаж здания отведен под картинную галерею. Помимо нее, во дворце хранятся редкие документы по истории Флоренции, а также можно увидеть Кабинет рисунков и гравюр. Его уникальная коллекция начала оформляться в XVII веке, благодаря кардиналу Леопольду Медичи.

В галерее Уффици представлены всемирно известные полотна Сандро Боттичелли: «Рождение Венеры», «Весна», «Мадонна и младенец с ангелом» и «Клевета». Творчеству итальянского живописца и друга семьи Медичи отведены залы №10-14.

В зале №15 выставлены две картины Леонардо да Винчи – «Благовещение» и «Поклонение волхвов». В других залах музея экспонируются полотна Тициана «Венера Урбинская» и Верроккьо «Крещение Христа».

Тициан «Венера Урбинская»Фрагмент картины Верроккьо «Крещение Христа»Фрагмент картины Леонардо да Винчи «Благовещение» Сандро Боттичелли «Весна»Сандро Боттичелли «Рождение Венеры»Сандро Боттичелли «Клевета» Пьеро ди Козимо «Персей, освобождающий Андромеду»Никола Фроман. Триптих «Воскрешение Лазаря»Полиптих из церкви Сан Панкрацио

Зал №25 галереи Уффици представляет посетителям шедевр молодого Микеланджело Буонарроти «Святое семейство». Это круглая картина, выполненная в популярной в те времена технике канджианте, когда формы человеческих тел передавались со скульптурной выразительностью. Часть площадей галереи отведена под произведения зарубежных мастеров живописи. В этих залах можно увидеть картины Дюрера, Гойи, Эль Греко, Веласкеса, Рубенса, Рембрандта и Ван Дейка.

В знаменитом воздушном коридоре Вазари хранится около 1500 картин. Это автопортреты Рафаэля, Рубенса, Диего Веласкеса, Джорджо Вазари и других художников. Из русских живописцев здесь выставлены автопортреты Бориса Кустодиева, Ивана Айвазовского, Ореста Кипренского и Виктора Иванова. Коллекция автопортретов постоянно пополняется за счет покупок и дарений. Возможность выставить свой автопортрет в галерее Уффици все художники расценивают как большую честь.

Из хранящихся в музее скульптур особого внимания заслуживает статуя «Венера Медичи». Она была создана в I веке нашей эры неизвестным автором. Недавно ученые провели исследование скульптуры и выяснили, что раньше она была раскрашена. Губы женщины покрывала алая краска, а волосы – золотая. Скульптура, выставленная во Флоренции, является копией знаменитой статуи древнегреческого скульптора Праксителя, которую он создал в IV веке до нашей эры. Она изображала Афродиту Книдскую, а позировала Праксителю известная своей красотой афинская гетера Фрина. Плиний называл это произведение знаменитого скульптора самой красивой статуей на Земле.

«Венера Медичи»В залах галереи Уффици

Полезная информация для посетителей

Очередь в кассу галереи

Музейные коллекции галереи Уффици открыты для посетителей ежедневно, кроме понедельника, с 8.15 до 18.50. Билетные кассы заканчивают работу за 40 минут до закрытия. Галерея не работает 25 декабря, 1 января и 1 мая.

Полный билет стоит 8 евро, льготный – 4 евро. Чтобы не тратить время в очереди, билет в галерею Уффици можно забронировать по телефону 55-294-883, доплатив за бронь 4 евро. Удобнее планировать визит в музей после 14.00, так как во второй половине дня в галерее уже не проводят экскурсии для школьных групп.

На первом этаже можно взять аудиогид на русском языке. Помимо экспозиционных залов, в галерее Уффици находятся библиотека, кафе и книжный салон.

Как добраться

Галерея Уффици расположена по адресу: Piazzale degli Uffizi, 6. Она занимает территорию между площадью Синьории и старинным мостом через Арно – Понте Веккью. Из центра города до нее несложно дойти пешком. Если пользоваться общественным транспортом, то по ветке С1 нужно доехать до автобусной остановки Galleria Degli Uffizi — Farmacia Logge.

wikiway.com

Галерея Уффици: описание, фото и видео

Галерея Уффици во Флоренции – место, где собраны наиболее интересные и ценные произведения искусства Италии и мира. Именно с этой галереи следует начинать знакомство с Флоренцией, некоторые туристы отправляются в неё сразу по прилету в удивительный город. Многочисленные залы привлекают ценителей искусства со всего мира прекрасными бюстами, скульптурами и полотнами Микеланджело, Леонардо да Винчи, Тициана, Боккаччо, Боттичелли и других маэстро. Именно в этой галерее представлено наибольшее собрание автопортретов именитых мастеров. Впервые удивительные коллекции открылись несколько столетий тому назад, но и сегодня они продолжают пополняться работами наших современников.

Как создавалась галерея

Впервые галерея Уффици упомянута в летописях середины XIV в. Тогдашний правитель Козимо I Медичи приступил к сооружению дворца для размещения всех городских служб под одной крышей. Всего в то время насчитывалось 13 ведомств, которые занимались канцелярской работой. По-итальянски слово «канцелярия» произносится как «uffizi», отсюда и пошло название.

С 1559 г. архитектор Дж. Вазари приступил к созданию проекта, а через год начал руководить непосредственно строительством дворца. Спустя 14 лет известный мастер скончался, а строительство продолжил его преемник Альфонсо Париджи. Уже в 1575 г. основные работы завершились и взору горожан предстал новый дворец.

В 1581 г. Франческо Медичи инициирует размещение в нескольких помещениях произведений искусства. Он как страстный коллекционер и знаток живописи предпочел перенести из других дворцов наиболее прекрасные и ценные работы во дворец Уффици. Так появились первые предпосылки к открытию здесь художественного музея в этих стенах.

С конца XVI в. знатные жители Флоренции могли посетить галерею и полюбоваться прекрасными картинами, но обычные горожане еще не допускались в музей. Только в 1765 г. его открыли для всех желающих, независимо от достатка и титула. С этого момента галерея переходит от венценосного семейства в муниципальную собственность.
С момента постройки дворец несколько раз реконструировался. Работали над ним местные художники и скульпторы. В начале XVIII в. часть залов подверглась реконструкции и приобрела римские очертания. В начале XX века галерея превратилась в Национальный музей.

Стоит отметить, что уже несколько столетий назад аббатства и художественные академии считали большой честью сообщать семейству Медичи о наличии в их собственности ценных картин. Любой художник того времени считал особой честью выполнить заказ для галереи. Особенно отличилась в этом плане Академия Св. Луки. За несколько столетий количество экспонатов настолько увеличилось, что властям пришлось расширить территорию музея. В 2006 г. общая площадь залов увеличилась вдвое за счет соседних помещений. Теперь картины, которые долгое время были скрыты в хранилищах, предстали перед взором широкой публики.

Архитектура

Строение располагается недалеко от реки Арно, что вызывало у Дж. Вазари определенные сомнения. Совсем не просто возвести огромное здание у самого берега и сделать его достаточно надежным. Весь комплекс имеет форму подковы и состоит из двух прямоугольных строений, расположенных параллельно друг другу. Соединяет их коридор с лоджией, с которой открывается прекрасный вид на город и реку.

Трехэтажное здание имело множество просторных помещений с высокими потолками. Первоначально произведения искусства расположили в западном крыле на последнем этаже. В стенах еще в момент постройки были предусмотрены многочисленные ниши для статуй, однако они долго оставались пустыми. Только в XIX веке ниши заняли несколько десятков изваяний знаменитых мыслителей и мастеров Тосканы, чтобы увековечить память о них.

Почти все фасады покрыты толстым слоем белой штукатурки. В некоторых местах стены дополнены серым камнем. Он являлся большой редкостью и чаще использовался для внутренней отделки. Галерея Уффици является единственным зданием, в котором серый камень применен для оформления фасадов.

Уникальная коллекция Уффици

Джорджо Вазари известен не только как архитектор. Ему также принадлежит несколько литературных произведений. Известен цикл произведений знаменитого мастера «Жизнеописание». В нем он рассказывает биографии известнейших художников своего времени. Примечательно, что создатели галереи разместили картины и другие произведения искусства именно в том порядке, в котором их авторы упомянуты в книге.

Коллекция музея настолько велика, что перечисление полного каталога займет несколько часов. Целесообразно остановиться лишь на некоторых известных экспонатах галереи Уффици. Например, большую ценность имеет картина Джото Бонде «Мэста» с портретом Богородицы, которую датируют XIII-XIV вв. Еще одно изображение Девы Марии, где она принимает венец, написана Ф. Липпи, картина называется «Коронование Марии».

Пользуются популярностью такие картины, как «Благовещенье» и «Поклонение волхвов» (Леонардо да Винчи), «Четыре всадника апокалипсиса» (А. Дюрер), «Крещение Христа» (А. Вероккьо). Есть в галерее несколько прекрасных картин, не связанных с религиозной тематикой. Среди них «Весна» и «Рождение Венеры» С. Боттичелли, «Святое семейство» Микеланджело, «Венера Урбинская» Тициана. Кроме работ именитых западных мастеров в просторных залах можно обнаружить произведения Кустодиева, Айвазовского, Кипренского.

Интересно, что в некоторых произведениях скрыты тайные послания знаменитых художников. А может, их додумали уже наши современники? Гиды любят рассказывать о значении отдельных элементов знаменитых полотен или показывать незаметные сразу объекты со скрытым смыслом. Так, многие старинные полотна использовались несколько раз, и современная техника позволяет увидеть не только верхний слой, но и закрашенную картину.

Под некоторыми фресками также предполагают наличие других картин. На одной из фресок Леонардо да Винчи есть указание на его утерянную работу. К сожалению, чтобы проверить, есть ли в указанном месте утерянная фреска, нужно сломать часть стены. Администрация галереи Уффици не решается пока на такой шаг.

Кроме огромной коллекции картин галерея Уффици знаменита экспозициями скульптур и предметов средневекового быта. Некоторые изваяния были перевезены сюда даже из Ватикана, так как фривольные позы нескольких скульптур не нравились Папе.

Экскурсия

Полюбоваться прекрасной коллекцией галереи можно с 8:30 до 19:00 ежедневно, кроме понедельника. Билет в галерею Уффици стоит 9 евро. В день рождения именинник сможет посетить галерею абсолютно бесплатно. Такая же возможность есть у прекрасных дам в день 8 марта.

Знаменитый музей очень популярен среди туристов. Ежегодно его посещают около 1,5 млн. человек. У входа часто образуется большая очередь, поэтому стоит приготовиться к длительному ожиданию. Приблизительно 2-3 раза в час заходит новая экскурсионная группа в составе 30 человек. Кроме экскурсии с гидом, можно заказать услугу «аудиогид», она обойдется в 8 евро. Узнать подробную информацию о галерее Уффици можно на официальном сайте: www.uffizi.beniculturali.it.

Заранее следует позаботиться о ручной клади. На территорию галереи запрещается проносить воду в любых количествах и объемные рюкзаки. Все вещи можно оставить в камере хранения, к которой тоже выстраивается очередь.

Как добраться

Галерея Уффици находится в центральной части города, поэтому трудностей с транспортом не возникает. Чтобы добраться на такси или автомобиле, следует прибыть по адресу: Piazzale degli Uffizi, 6. На общественном транспорте можно доехать до остановки Galleria Degli Uffizi. Также можно совершить пешую прогулку по живописному городу. От железнодорожного вокзала дорога займет 10 минут.

tepler.ru

Галерея Уффици. Флоренция (вторая часть): lovers_of_art — LiveJournal

Сандро Боттичелли (1445–1510). Весна. Около 1478


Расцвет живописи Сандро Боттичелли пришелся на время, когда он сблизился с кружком гуманистов — поэтов, писателей, философов, художников — при дворе Медичи. Лоренцо Великолепный, правитель Флоренции, писал стихи и покровительствовал искусствам. Для виллы его кузена Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи и была заказана эта картина со сложным философско-поэтическим содержанием.

В «Весне» нашли отражение три неразрывных направления, в которых развивались искусство и философия флорентийских гуманистов: античный, христианский и куртуазный. Из античности здесь — персонажи и мотивы мифов. Справа Зефир, теплый западный ветер, похищает Хлориду, греческую нимфу полей и цветов, которая превращается в изображенную тут же Флору — уже римскую богиню, осыпающую землю цветами. В левой части — три грации, олицетворяющие целомудрие, любовь и наслаждение. Меркурий, разгоняющий облака, стоя под сенью апельсиновых деревьев, отсылает воображение зрителя к мифу о Парисе и его выборе прекраснейшей из богинь, которой он как победительнице отдал яблоко. Эта богиня, Афродита, или, как ее называли древние римляне, Венера, мягко ступает по ковру из трав и цветов в центре картины. Над ее головой — Амур с луком, целящийся в одну из граций.

Христианская тема проявляется здесь в том, что главная героиня напоминает Мадонну, рука которой словно благословляет всех. В этой героине сквозит и культ «прекрасной дамы», вдохновительницы поэтов. Эти куртуазные настроения процветали в кружке Лоренцо Великолепного. Картина была написана вскоре после того, как умерла возлюбленная брата Лоренцо, Джулиано Медичи, прекрасная Симонетта Веспуччи. Венера напоминает ее лицом. На самого же Джулиано походит Меркурий, в котором узнается также святой Себастьян, христианский мученик.

Эта работа, в которой сошлись самые разные мотивы, знаменовала собой важный поворот к живописи, не подчиненной никаким канонам. В ней была видна уже только душа художника и его воля. Русский искусствовед Павел Муратов писал о Боттичелли: «Он первым встречал утренний туман нового и долгого дня в истории мира под единственным знаменем чистого искусства».


Сандро Боттичелли (1445–1510). Весна. Около 1478 (фрагмент)

Сандро Боттичелли (1445–1510). Поклонение волхвов. Около 1475

Сандро Боттичелли (1445–1510) Поклонение волхвов Около 1475 (фрагмент)


В этой многофигурной композиции мастер кватроченто Сандро Боттичелли представил в образе волхвов, поклоняющихся Младенцу Христу, членов семейства Медичи, банкиров и купцов, правителей Флоренции, и приближенных к ним, в числе которых был и он сам.

Среди руин античного Рима, символизирующих окончание старого мира и начало нового, христианского, восседает Мадонна. Она держит на коленях Младенца, позади стоит, облокотившись на руку, Иосиф и умиленно смотрит на новорожденного. Перед Христом опустился на колени Козимо Старший Медичи. Джорджо Вазари писал: «И особую выразительность мы видим в старце, который, целуя ноги Господа нашего и тая от нежности, отменнейшим образом показывает, что он достиг цели длиннейшего своего путешествия». Ближе к переднему краю картины изображены сыновья Козимо, Пьеро и Джованни. К моменту написания произведения они и их отец уже умерли, но Боттичелли включил их в круг семьи как неразрывно связанных с ней. В черном с красным одеянии стоит, задумавшись, Джулиано, сын Пьеро, позади него с бородой и в шапке — философ Джованни Аргиропуло, перед ним в голубом — заказчик работы, Дзаноби дель Лама. Слева в горделивой позе стоит брат Джулиано, Лоренцо Великолепный, рядом с ним — поэт Анджело Полициано, им что-то рассказывает гуманист и философ Пико делла Мирандола. Наконец в правом нижнем углу на зрителя смотрит закутанный в рыжий плащ сам Боттичелли. Традиция изображать себя среди участников сцены из Священного Писания была широко распространена в эпоху Возрождения.

Медичи учредили во Флоренции так называемое Братство волхвов, куда входили они сами и их приближенные. Братство устраивало костюмированные шествия: его члены, переодевшись волхвами, шли пешком и ехали верхом на конях по улицам города. Вероятно, эти мистерии также нашли свой отзвук в картине Боттичелли.


Сандро Боттичелли (1445–1510). Рождение Венеры. 1483–1485


«Рождение Венеры», как и «Весну», художник написал для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи. Сюжет этой картины основан на мифе о том, как из пены морской появилась на свет богиня любви. Боттичелли мог найти изложение мифа у античных авторов или его переработку у поэта Анджело Полициано, работавшего при дворе.

…Влечет
Зефир влюбленный раковину к брегу,
И небеса их радуются бегу…
… И видно — блеск глаза богини льют.
Пред ней с улыбкой небо и стихии.
Там в белом Оры берегом идут…
Венера, стоя в раковине, плывет, подгоняемая Зефиром и Хлоридой, а навстречу ей идет Ора, одна из спутниц богини, которая держит покрывало, чтобы окутать ее. Трепещущие на ветру прихотливые складки покрывала и одежд, волны на море, изломанная линия берега, «гофрированная» створка раковины, наконец летящие волосы Венеры — все это оттеняет плавные очертания тела богини и усиливает то чувство высшей гармонии, которое вызывает ее облик. Над головой Венеры едва ли не смыкаются руки персонажей, и кажется, будто ее осеняет арка, которой вторит круглящийся низ раковины. Таким образом, фигура богини замыкается в воображаемый овал. Если в «Весне» композиция состоит из нескольких равноценных по смыслу групп, то здесь Венера — тот центр, к которому стремится все.

У ренессансных художников обнаженная Венера в противовес одетой символизировала любовь небесную. Боттичелли наделил свою героиню тем целомудрием, которое почитается как высшая добродетель, отсюда и мотив поклонения, присутствующий в картине. Прекрасное лицо героини напоминает лики Мадонн на картинах Боттичелли, и потому в этой работе сквозь античную тему звучит христианская, а соединение античного гуманизма и христианства и дало феномен итальянского Возрождения.


Сандро Боттичелли (1445–1510). Мадонна с Младенцем и ангелами (Мадонна дель Магнификат). 1483


«Магнификат» — название католической хвалебной песни Девы Марии, данное этому славословию по первой строке: «Magnificat anima mea Dominum» — «Величит душа Моя Господа», поэтому картина имеет второе наименование, которое переводится как «Величание Мадонны». У Боттичелли Богоматерь держит в руке перо, приготовившись обмакнуть его в чернила и дальше записывать в книге слова из Евангелия от Луки, на которые и написано песнопение.

Форма тондо — круглой картины — особенно подходила живописи Боттичелли с ее плавными, текучими линиями, изгибами тел, склоненными головами персонажей. В данном случае художник и придает всей композиции круглящиеся очертания, которые образованы позами Мадонны и Младенца, склоненным ангелом слева, встречающимися вверху руками ангелов, держащих корону и возлагающих ее на голову Марии. Кроме того, вся группа помещена на фоне круглого окна, пейзаж за ним тоже странно изгибается, словно отраженный в выпуклом зеркале. Это одно из самых лирических произведений Боттичелли, где музыка воплощена в композиции, ритме, красках, линиях и выражениях лиц.


Джованни Беллини (1430–1516). Священная аллегория. 1490–1499

Джованни Беллини (1430–1516). Священная аллегория. 1490–1499 (фрагмент)


Джованни Беллини, чье творчество повлияло на всю венецианскую живопись и прежде всего на ее настроение, оставил после себя загадку, которую не могут разгадать до сих пор: каков сюжет картины «Священная аллегория»? Это отвлеченное название ей было дано потому, что никто точно не смог ответить на вопрос.

Художник изобразил так называемое святое собеседование: сидящей на троне Богоматери предстоят святые. Среди них можно различить Павла с мечом, прогоняющего человека в тюрбане, Петра, опершегося на балюстраду и сторожащего вход на площадку, Себастьяна со стрелой в груди и Иова, молитвенно сложившего руки. Но композиция «святого собеседования», всегда бывшая, когда Беллини или другие художники обращались к этому сюжету, центральной, здесь развернута к зрителю боком и становится одним из представленных мотивов. Другой — играющие под деревом младенцы. В их группе выделяется тот, кто держит в руках яблоко, символизирующее человеческие грехи. Этот ребенок может быть Христом, пришедшим в мир искупить грехи, а младенцы вокруг Него — душами, попавшими в чистилище, за которые молятся святые. Река — скорее всего Лета, отделяющая этот мир от мира живых, который виден на среднем и дальнем планах. Там молится в пещере анахорет, неподалеку бродит кентавр, олицетворяющий соблазны, а еще дальше живут своей обычной жизнью люди.

Но прав был русский искусствовед Павел Муратов, когда писал о Беллини: «И может быть, ключ к его картине находится не столько в том, что изображено, сколько в самом чувстве, каким проникнуто здесь все. <…> Нам понятны глубокое созерцательное раздумье, в которое погружены его святые, и бесплотная тонкость младенческих игр с золотыми яблоками темнолиственного мистического дерева. В той стране, которая открывается за уснувшими зеркальными водами Леты, мы узнаем нашу страну молитв и очарований. Там бродят в уединении скал наши души, когда их освобождает сон… На утренней заре они второй раз погружаются в летейские воды и выходят, храня печаль, на берег жизни».


Пьетро Перуджино (между 1445 и 1452–1523). Пьета. Около 1493–1494


Глава живописной школы Умбрии и учитель Рафаэля Пьетро Перуджино создавал картины, в которых, например в представленной, царит какая-то особая тишина. Словом «пьета», что в переводе с итальянского означает «сострадание, жалость», называют в живописи и скульптуре сцену оплакивания Богоматерью мертвого Христа, лежащего у Нее на коленях.

В картине господствуют две взаимно уравновешенные композиционные линии — вытянутого тела Спасителя и полукруглых арок, которым вторит своими очертаниями фигура Марии. Арка — символ небесного свода и мировой гармонии — уже своей формой вносит в композицию чувство, подчеркивающее, что жертва Христова была не напрасна. На Его лике — умиротворение, Богоматери — глубокая тоска, которая не находит выхода вовне, а на лицах Иоанна Евангелиста и стоящего за ним святого — то выражение, которое можно определить классической строкой «печаль моя светла». Грусть и вместе с ней надежда ощущаются и в весеннем пейзаже вдали, и в золотистом воздухе, окутывающем все изображенное.


Микеланджело Буонарроти (1475–1564). Мадонна Дони (Святое семейство). 1505–1506


Данное произведение — единственная дошедшая до нас законченная станковая картина Микеланджело, уделявшего основное внимание скульптуре, архитектуре и фрескам. В его монументальных росписях фигуры напоминают скульптуру, и это неслучайно: на вопрос писателя Бенедетто Варки о том, что выше — живопись или скульптура, Микеланджело ответил: «Живопись, как мне кажется, считается лучше тогда, когда она больше склоняется к рельефу».

Так и в «Мадонне Дони» или «Тондо Дони» (тондо — круглая по форме картина или рельеф) фигуры Мадонны, Христа, святого Иосифа, святого Иоанна Крестителя и юношей на заднем плане выписаны именно рельефно, скульптурно. Впрочем, эта особенность отличала всю живописную школу Тосканы от, например, венецианской. Центральная группа напоминает скульптурную композицию: она компактна, и создается впечатление, что ее можно обойти со всех сторон и рассмотреть. В этом произведении чувствуется и мышление архитектора, настолько все изображенное устойчиво и надежно «закреплено» в пространстве.

Живопись картины напоминает монументальную, подобную тем фрескам, что Микеланджело выполнил на потолке Сикстинской капеллы в 1508–1512. Фигуры персонажей и складки драпировок «Мадонны Дони» лапидарны, то есть рассчитаны на дальний обзор. Поза Богоматери так же сложна, как и у сикстинских персонажей, словно предназначенная вторить пластике некой архитектуры. А своей пространственной композицией, уходящей в глубину, тондо похоже на расписной потолочный плафон.

И все-таки это станковая картина, о чем говорит ее колорит, складывающийся из глубоких и чистых цветов, не столь необходимых в монументальной живописи, и замкнутая композиция тондо, и живые характеры изображенных. Таким образом Микеланджело, который называл себя, в первую очередь, скульптором, доказал, что прекрасно владеет приемами станковой живописи, и проявил в этом произведении все свои таланты, как и подобало мастеру Высокого Возрождения.


Рафаэль Санти (1483–1520). Автопортрет. 1506


Юноша с вдохновенным лицом, лицом молодого гения — таков Рафаэль, смотрящий на нас с автопортрета. От его облика исходят спокойствие и небесная гармония, которыми отличается вся живопись художника. Колорит этой картины подчеркнуто сдержан — нейтральный фон, темные волосы, такая же шапочка. Между темным одеянием и кожей теплого цвета виднеется узкая белая полоска рубашки — в этом тончайшем переходе от глухого черного к живым тонам лица и шеи — весь Рафаэль, чувствовавший глубинные законы живописи.

Автопортрет, весьма похожий на этот, только в зеркальном развороте, художник поместил на фреске «Афинская школа» (1508–1511) в ватиканской «Станце делла Сеньятура»: справа в образе древнегреческого живописца Апеллеса виден тот же исполненный высокой поэзии облик Рафаэля.


Рафаэль Санти (1483–1520.) Мадонна со щеглом. 1507


Это один из тех образов Мадонны с Младенцем и Иоанном Крестителем, которые Рафаэль создал во Флоренции. Он был заказан художнику его другом, торговцем Лоренцо Нази, к собственной свадьбе. Живописец использовал здесь ту же треугольную композицию, что и в других картинах на данную тему, благодаря чему изображение приобрело равновесие и редкую гармонию.

Мария словно закрывает собой Младенца Христа и маленького Иоанна. Мягкие линии Ее фигуры, текучие складки одеяния, как и ставший типичным для Рафаэля идилличный пейзаж на заднем плане с плавными очертаниями ландшафта, погруженный в легкую дымку и тающий вдали, наполняют картину настроением умиротворения. Но щегол, символ Страстей Христовых, в руке Иоанна Крестителя, к которому тянется Младенец, вносит тревожную ноту в изображенное. При этом лицо Мадонны, нежное, с опущенными глазами, обрамленное мягкими волосами, выражает спокойствие, которое передается и зрителю.


Джорджоне(предположительно) (14761478()-1510). Воин и оруженосец (Гаттамелата). Около 1505–1510


Доподлинно неизвестно, кто является автором представленной картины, но ясно, что этот художник находился под сильным влиянием живописи венецианца Джорджоне.

На полотне изображен кондотьер Эразмо де Нарни, живший почти за столетие до написания картины и получивший прозвище Гаттамелата — «ласковая кошка». Выходец из низших слоев общества, он стал наемным солдатом, служил в разных городах и разным правителям, дослужился до кондотьера — предводителя отряда, бывшего на службе у коммуны. К тому же он стал правителем Падуи, и его конная статуя работы Донателло установлена возле главного падуанского собора — папской базилики Сант Антонио. На картине рядом с Гаттамелатой изображен, вероятно, его сын Антонио.

Джорджоне и его последователи образовали в венецианской живописи рубежа XV–XVI веков целое течение, отличительной чертой которого было созерцательное настроение изображенных персонажей. Вот и этот воин с отнюдь не рафинированной внешностью, привыкший к тяжелой, полной риска жизни, застыл с таким выражением на лице, будто он слушает музыку. Его меч, латы и шлем воспринимаются всего лишь символами, а мальчик — ангелом, стоящим за плечом.


Себастьяно дель Пьомбо (около 1485–1547). Смерть Адониса. 1512


Будучи учеником Джованни Беллини и испытав влияние Джорджоне, Себастьяно дель Пьомбо перенял от них мягкость форм и лирическое настроение, привнеся их в свои картины. Но, работая в Риме, он оказался также под воздействием искусства Рафаэля с его абсолютной гармонией и Микеланджело, наделявшего своих персонажей невиданной мощью.

В представленном полотне художник обратился к мифу об Адонисе, прекраснейшем юноше, возлюбленном Афродиты, убитом во время охоты вепрем. Дель Пьомбо изобразил момент, когда Афродита узнает о гибели Адониса, о которой ей сообщает Купидон, причем большая часть произведения занята сидящими в роще божествами, а умирающий герой находится поодаль. Этот прием — отнести кульминационный момент всей сцены на некоторое расстояние, оттянуть его восприятие зрителем — заостряет тревожное настроение, разлитое в картине и волной пробегающее по персонажам.

На заднем плане художник запечатлел вид Венеции с Палаццо дожей и колокольней собора Сан-Марко, отражающийся в тихих водах лагуны. Вечерний пейзаж со светлым голубым небом, золотистым закатом, белыми пухлыми облаками в вышине и бегущими по земле и воде тенями наполняет все изображенное тонкой грустью, которую любили передавать в своих картинах венецианские художники.


Пьеро ди Козимо (1462–1521). Персей, освобождающий Андромеду. Около 1510–1515

Пьеро ди Козимо (1462–1521) Персей, освобождающий Андромеду. Около 1510–1515 (фрагмент)


Флорентийский художник Пьеро ди Козимо соединил в своем творчестве гармоничные, одухотворенные образы Высокого Возрождения с любовью к подробному изображению окружающего мира, которую воспринял от нидерландских живописцев.

В представленной картине, написанной в поздний период творчества, мастер использовал древнегреческий миф о Персее, спасающем Андромеду. Возвращаясь после победы над горгоной Медузой, герой увидел девушку, привязанную к скале. Это была Андромеда, которую жители ее родной страны принесли в жертву морскому чудовищу, пожиравшему людей, ради избавления от него. Персей в своих крылатых сандалиях и волшебном шлеме, делавшем его невидимым, изображен на картине дважды — летящим над морем и стоящим на спине чудовища, замахивающимся мечом. Слева мучается Андромеда и прячутся, закрываясь плащами, испуганные люди, а справа народ веселится и машет лавровыми ветвями, славя героя.

Включение в композицию разных по времени событий и их напоминающая сказку трактовка свидетельствуют об еще не изжитых традициях предыдущего столетия — кватроченто, но мягкие очертания фигур и распахнутый вдали пейзаж говорят о том, что данное произведение создавалось в эпоху Высокого Возрождения.


Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Флора. Около 1515–1517


О том, кто изображен на представленной картине Тициана, венецианского художника Высокого Возрождения, спорят издавна. Одно время считалось, что это дочь художника Пальмы Старшего, ему приписывалось и само произведение, потом, когда оно вновь было признано работой Тициана, споры о героине картины продолжились. На мысль отождествить запечатленную девушку с Флорой, римской богиней цветов, наводил букетик в ее руке. И весь облик этого юного, цветущего, мечтательного существа с распущенными волосами, в спадающей с одного плеча белой рубашке и вправду ассоциируется с античной богиней.

В то же время это — портрет реально жившей венецианки, с золотистыми, по тогдашней моде, волосами и светлой бархатистой кожей. Вполне возможно, что молодой Тициан рисовал ее, фантазируя на тему античности, и получился живой, полнокровный и одновременно приподнятый над реальностью образ.


Тициан Вечеллио (14881490-1576). Портрет Элеоноры Гонзага делла Ровере. 1536–1537


Обычно Тициан, создавая картины на мифологические и христианские сюжеты, а также портреты-фантазии вроде «Флоры», был свободен в живописных средствах. Но, изображая знатных особ, он словно становился тем светским человеком, которым был в жизни. Любя жизнь и умея получать от нее наслаждение, он тем не менее хорошо знал, что такое условности этикета. Поэтому на портрете представлена прежде всего аристократка из знатного итальянского рода, сидящая в парадной позе и одетая в роскошный наряд. Художник тщательно передал и рыхлость бархата, и блеск золота, и воздушность кружева.

Тициан подчеркивает достоинство Элеоноры и через него — ее добродетельность, это понятие было важным для эпохи Возрождения. Лицо модели бесстрастно, и только нежный румянец на белой коже и карие глаза, светящиеся умом и силой, оживляют его и дают почувствовать характер женщины, которая существует в рамках, предписанных ей сословием. Если верно то, что Элеонора служила музой Тициану при написании таких картин, как «Девушка в меховой накидке» и особенно «Венера Урбинская», то можно представить себе диапазон возможностей этого живописца: он был способен и фантазировать на тему облика нравившихся ему женщин, и писать строгие парадные портреты.


Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Венера Урбинская. 1538

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576). Венера Урбинская. 1538 (фрагмент)


Античная тема, нередко возникавшая в творчестве Тициана, позволяла этому жизнелюбивому венецианцу выплеснуть на полотно все свое восхищение миром и умение ценить его красоту. Мастер любил античность как нечто живое и потому смело помещал персонажей греческой или римской мифологии в современную ему обстановку.

Его «Венера», приобретенная Гвидобальдо дела Ровере, герцогом Урбинским и потому получившая свое нынешнее название, представляет молодую венецианку, красавицу с живым взглядом, нежным телом и золотыми волосами. Ее поза напоминает о классическом типе «Венера пудика», то есть «стыдливая», но эта девушка, если чуть и смущается, то вполне сознает свою красоту. Картина перекликается со «Спящей Венерой» Джорджоне, хранящейся в Дрезденской картинной галерее, но у Тициана в облике богини больше чувственности. Однако эта чувственность обманчива. Местом действия художник выбрал комнату, где все дышит уютом крепкого дома: на заднем плане служанка ищет что-то в сундуке, а другая смотрит на нее в ожидании. На окне стоит мирт — символ брачной жизни, на кровати постланы белые простыни и брошены белые подушки, говорящие о чистоте лежащей на них женщины, у ног которой свернулась собачка, символизирующая преданность. Таким образом, скрытый смысл картины надо понимать как супружескую любовь.


Андреа дель Сарто (1486–1531). Мадонна с Младенцем (Мадонна гарпий). 1517

Андреа дель Сарто (1486–1531.) Мадонна с Младенцем (Мадонна гарпий). 1517 (фрагмент)


Андреа дель Сарто работал в то время, когда живопись Ренессанса находилась в зените, поэтому творчество художника несет в себе все черты того искусства. Особенно это проявилось в гармоничности, возвышенности образов на картинах. Но в то же время в произведениях мастера видны признаки уже зарождавшегося маньеризма: вытянутые фигуры, явная «постановочность» сцен, подчеркнутое изящество поз и жестов и еле уловимая «сладостность», которой отмечена внешность персонажей.

Представленная работа была выполнена для церкви Сан Франческо во Флоренции, поэтому на полотне изображен также святой Франциск. Справа стоит святой Иоанн Евангелист. Название картины связано со странными крылатыми существами, высеченными в высоком рельефе на постаменте. Джорджо Вазари считал, что это гарпии — чудовища из греческой мифологии, птицы с головами женщин. Но скорее всего это изображение саранчи из Апокалипсиса, на что указывает и фигура Иоанна Евангелиста, в Откровении которого сказано: «И из дыма вышла саранча на землю, и дана была ей власть, какую имеют земные скорпионы» (Откровение, 9:3). Изобразив Богоматерь стоящей над символами грядущих бедствий, художник подчеркнул Ее роль спасительницы праведных.


Андреа дель Сарто (1486–1531). Портрет девушки с книгой стихов Петрарки. 1528

Андреа дель Сарто (1486–1531). Портрет девушки с книгой стихов Петрарки. 1528 (фрагмент)


Исполненные величия картины и лиричный, теплый по настроению портрет девушки — вот два полюса в творчестве Андреа дель Сарто, флорентийского художника Высокого Возрождения. Впрочем, теплота и домашность присутствуют в этом портрете еще и оттого, что мастер нарисовал дочь своей любимой жены Лукреции от первого брака — падчерицу Марию, которую воспитал как родную.

С хитринкой смотрящая на зрителя девушка держит в руках томик любовных сонетов Петрарки. Она впервые прикасается к тайнам чувства, которые будоражат и манят ее, героиня хочет утаить свое открытие и не может этого сделать, неловко указывая пальцем на строки, которые читает. Все это так точно схвачено художником, что обычный вроде бы сюжет с влюбленной девушкой, невольно намекающей на свое приподнятое внутреннее состояние, вызывает у зрителя теплое и трепетное настроение. Такой глубины в раскрытии внутреннего мира юного существа мало кто достигал во времена Андреа дель Сарто.


Якопо Понтормо (1494–1557) Портрет Козимо Старшего Медичи 1519–1520


В этой ранней работе Якопо Понтормо уже присутствуют признаки маньеризма, одним из основоположников которого он станет. Именно манера изображения, то есть то, кок оно написано, привлекала художника.

Портрет Козимо Старшего Медичи был создан спустя более чем полвека после того, как основатель династии Медичи, банкир и купец, ставший правителем Флоренции, ушел из жизни. В посмертном изображении человека мастер мог дать себе некоторую волю.

Заказал портрет секретарь герцога Урбинского Лоренцо Медичи, одного из потомков Козимо, вероятно, к рождению его сына. Козимо сидит в кресле, перед ним — ветвь лаврового дерева, эмблема рода, вокруг которой вьется бумажная лента со стихами из «Энеиды» Виргилия. В ссутуленной худой фигуре изображенного и его лице чувствуется усталость от бурно прожитых лет, кисти его рук, как у привыкшего повелевать и не желающего расставаться с властью, сжаты. Красное одеяние Козимо, выделяясь на темном фоне, вносит в полотно тревожную ноту и передает драматизм, которым отмечено состояние человека.


Якопо Понтормо (1494–1557). Ужин в Эммаусе. 1525


На этой картине Якопо Понтормо изображает момент, описанный в Евангелии от Луки, когда воскресший Христос, явившийся двум своим ученикам по дороге в Эммаус и не узнанный ими, соглашается разделить с ними вечернюю трапезу: «И когда Он возлежал с ними, то, взяв хлеб, благословил, преломил и подал им. Тогда открылись у них глаза, и они узнали Его» (Лука, 24:30).

Живописец изобразил Христа более высоким, чем остальные участники сцены, но находится Он на одном уровне со зрителем, а пол, стол и сидящие за ним персонажи увидены немного сверху. От этого вся композиция буквально стягивается к фигуре Спасителя. Понтормо внес в свое произведение черты бытового жанра, заметные в позах учеников, в том, как один из них наливает вино, а второй держит хлеб. Но над головой Христа изображено всевидящее око Божие в треугольнике, окруженном сиянием и символизирующем Троицу, и это возвращает смотрящего на картину к ее возвышенному плану


Джорджо Вазари (1511–1574). Портрет Лоренцо Великолепного. Около 1533–1534


Архитектор, художник и первый историк итальянского искусства Джорджо Вазари писал этот портрет по заказу Алессандро Медичи спустя много лет после смерти изображенного на нем человека.

Лоренцо Великолепный был внуком Козимо Старшего Медичи и сосредоточил в своих руках всю власть над Флоренцией, но в то же время покровительствовал художникам и поэтам и сам писал стихи. Время его правления было «золотым веком» флорентийского искусства. Но на этом портрете изображен выглядящий усталым, погруженный в свои думы человек, равнодушный и к славе, и к богатству, на которое намекает красный кошелек, и даже к тому, что его объявили «сосудом всех добродетелей», о чем свидетельствует надпись позади. Вазари выразил в картине тоску по времени, когда живопись, поэзия и слова гуманистов находили отклик в душе правителя.

Русский искусствовед Павел Муратов так писал о Лоренцо, каким он был на склоне лет: «Им еще дышала тогдашняя Флоренция; он сделал образ ее нетленным. Даже сознанию ближайших поколений Флоренция кватроченто, Флоренция Лоренцо Великолепного казалась явлением древнего божества в человеке, посетившим итальянскую землю. Простое обращение к ней возвышало дух. Когда через пол века… Джорджио Вазари взялся за ныне находящийся в Уффициях портрет Лоренцо, в нем странно воскресла еще раз гениальность старой Флоренции…»


Пармиджанино (Франческо Маццола) (1503–1540). Мадонна с Младенцем, ангелами и пророком (Мадонна с длинной шеей). 1534–1540


Один из ведущих художников маньеризма, Пармиджанино в противоположность мастерам Возрождения искал гармонию в нарочито измененных фигурах и предметах, вытянутых и словно тяготеющих к бесконечности. Картина «Мадонна с длинной шеей» была написана мастером по заказу сестры его друга, Елены Байарди, для церкви Санта Мария деи Серви в Парме.

Тела изображенных удлинены (отсюда и второе название этого произведения) и волнообразно изогнуты. Особенно наглядно это видно в фигуре ангела, стоящего впереди. Усиливают ощущение ирреального, волшебного, которое вызывает это произведение, холодные, отливающие перламутром краски, а также слишком маленькая по сравнению с остальными фигура святого Иеронима и незавершенный то ли нарочно, то ли из-за смерти мастера архитектурный фон, где колонны оказались ничего не несущими. И в то же время одиночная колонна приобретает здесь особый смысл как символ стойкости.

На вазе в руках ангела изображено Распятие. Тема будущих мучений и крестной смерти Спасителя воплощается и в позе спящего Младенца, напоминающей об иконографии пьеты — изображения Богоматери, оплакивающей мертвого Христа, которого Она держит на коленях.


lovers-of-art.livejournal.com

Ваш комментарий будет первым

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *