Нажмите "Enter", чтобы перейти к содержанию

Театр история возникновения: История театра: появление и развитие театрального искусства

Содержание

История театра: появление и развитие театрального искусства


История театра: появление и развитие театрального искусства, занимательные факты

История возникновения театра уходит корнями в Древнюю Грецию более двух тысячелетий назад. Древнейшее искусство зарождалось, как зрелищное развлечение публики, праздничные сценки ряженых актеров. Представления изначально были приурочены к Великим Дионисиям – большому религиозному празднику.
Теперь театр, несомненно, нечто большее, чем шествие поющих мужчин в козлиных шкурах по городу. Он стал высоким искусством, способом отдыха высшего общества, местом культурного просвещения. История возникновения театра – это увлекательный процесс развития, не прекращающийся и по сей день. Ее мы и поведаем читателю в нашей статье. Много интересных фактов вы также найдете в представленном материале. Итак, начнем.

Начало

В Афинах V века до н. э. театральные представления были неотъемлемой частью религиозных праздников. Шествия со статуей Диониса сопровождались веселыми песнопениями и драматическими играми. Можно сказать, что история афинского театра начиналась как художественная самодеятельность для небольшого количества зевак. Первоначально ставились только трагедии, комедии стали показывать позднее. Примечательно, что пьесы, как правило, показывали только один раз. Это стимулировало авторов на создание актуальных, интересных произведений. Драматург не только писал пьесу, он был полноценным участником представления, выполнял роли: режиссера, композитора, балетмейстера и даже актера. Естественно, это были исключительно талантливейшие люди.

А вот чтобы стать хорегом (руководителем хора), большого таланта не требовалось. Нужны были только деньги и связи с государственными служащими. Основной обязанностью хорега была оплата счетов, полное материальное обеспечение и поддержка театра. Он был в те времена местом состязания, побеждали в нем хорег, поэт и протагонист. Победителей увенчивали плющом, награждали призами. Победа отдавалась им по решению жюри.
Интересен тот факт, что древние римляне были настоящими фанатами реализма. Идеальной считалась постановка, в которой актер вживался в роль на 100% — при необходимости, он должен был быть готов даже умереть.
В греческом театре не было крыши, зрители и актеры находились, фактически, на улице. Размеры античных театров были огромны, они вмещали от 17 до 44 тысяч человек. Сначала для усадки зрителей использовались деревянные помосты, затем под театр приспосабливали естественные каменные склоны. И только потом, в IV веке до н. э., был построен каменный театр.
Вам наверняка интересно будет знать, что правительство, начиная с Перикла, давало возможность посетить театр и приобщиться к прекрасному даже материально не обеспеченным гражданам. Для этого каждому выделялась субсидия на один визит в театр, а в дальнейшем и на три посещения.
История древнего театра имеет одну характерную особенность: актеры играли свои роли без помощи собственной мимики. Ее заменяли всевозможные маски, часто весьма гротескные. Большое внимание актер уделял движениям тела, одежде. Актерами были мужчины, даже на женские роли. Они занимали привилегированное положение в обществе, освобождались от налогов.
Интересным является тот факт, что Ливий Андроник, древнеримский драматург, стал отцом первой в мире «фонограммы». Он остался без голоса, но вышел из положения, найдя мальчика, говорившего за него.

Некоторые термины античного театра

Многие определения, используемые в древних театрах, сохранились до настоящего времени. Небольшой словарь терминов античного времени представлен вашему вниманию ниже:
• Орхестра – часть театра круглой формы с двумя входами, предназначенная для выступления драматических и лирических хоров. В афинском театре ее диаметр был 24 метра.

• Скена – место для переодевания. Первоначально была простой палаткой, затем соединялась с фрагментами художественного оформления сцены, например, фоном.
• Проскений – колоннада перед скеной.
• Параскений – боковые каменные пристройки.
• Эстрада – возвышенность над орхестрой, где в поздней античности стали играть актеры.
• Эккиклема – передвижная платформа из дерева, позволяющая трансформировать место действия и перемещать актеров по сцене.
• Котурны – обувь с высокими подошвами, напоминающими ходули. С помощью такой обуви актеры становились выше, более внушительными и похожими на мифических существ.
Примечательным фактом является то, что именно в Риме впервые была произнесена фраза «Финита ла комедиа».

Куклы в театральном мире

История кукольного театра зарождается еще в Египте, где для исполнения ритуальный действий жрецы использовали куклу бога Осириса. В начале кукольный театр был именно обрядово-ритуальным, сейчас же религиозный оттенок сошел на нет. Известные обрядово-ритуальные кукольные театры существуют во многих странах: Японии («Бунраку»), Индонезии («Ваянг»), Каталонии («Эль Пасторес»), Беларуси («Батлейка») и других.

В истории театра кукол в Америке выделяется созданный в 1962 г. театр под названием «Хлеб и кукла». Он отличается гигантскими куклами из папье-маше, очевидным политическим оттенком, а также угощением вкусным хлебом на входе. Такое взаимодействие актеров и зрителей символично: театральное искусство должно быть так близко к народу, как это возможно.
Куклы бывают разными как по размерам, так и по виду. Есть пальчиковые и перчаточные, тростевые и планшетные, марионетки и куклы-великаны. Быть актером кукольного театра не так просто, ведь нужно суметь оживить неодушевленный предмет, наделить его характером и голосом.
Характерной особенностью любого кукольного театра является высмеивание чего-либо, наличие морали, воспитательного элемента у сценок. Какого бы возраста ни был зритель кукольного театра, он найдет там не только то, над чем посмеяться, но и то, над чем сможет задуматься. Часто героями в театре кукол становятся непривлекательные, даже уродливые персонажи, например, французский Полишинель с носом крючком.
Вам наверняка будет интересно знать то, что актеры – народ не всегда богатый. В истории кукольного театра Америки есть факты, что театралы могли посмотреть постановку в обмен на еду.

Драма
История драматического театра восходит к античным временам. Это один из видов искусства, вместе с театром кукол, пантомимы, оперой и балетом. Главная отличительная черта драматического театра – действия актера сочетаются с произнесенными им словами. Сценической речи уделяется в этой разновидности жанра особенное внимание. Основой драматического спектакля является пьеса. В процессе актерской игры возможна импровизация, действие может включать танец, пение. Спектакль строится на основе литературного произведения. Главным интерпретатором пьесы или сценария является режиссер.

Довольно примечателен тот факт, что у работников театра считается, что уронить сценарий – не к добру. Если эта неприятность произошла, надо обязательно на него сесть.

Возникновение отечественных театральных традиций

Историю театра в России разбивают на этапы:
• Начальный («игрищный»).
• Средний.
• Зрелый.

Игрищный этап

Как и в Древнем Риме, история театра в России начиналась как не вполне серьезное занятие. Театральные представления назывались «потехами», а спектакли – «игрищами». Первое летописное упоминание о скоморохах относится к 1068 году. Стать таким развлекающим публику актером мог, фактически, любой человек. С точки зрения религии, деятельность скоморохов была постыдной. В летописях их называют слугами дьявола, а глумление, сатиру и ряженье – грехами. Острая сатира не приветствовалась церковью, однако, это никого особо не останавливало.

Искусством, угодным власти, скоморошество также не считалось, напротив, острые социальные темы сценок, высмеивание современных недостатков делали актеров опасными и вредными. Но народ любил наблюдать и смеяться над выступлениями скоморохов. Однако, следует понимать, что классический театр, каким мы знаем его теперь, вырос не из этих скоморошьих сценок, а независимо от них, даже, скорее, вопреки им.

Средний этап

Следующий этап истории русского театра – промежуточный между игрищным и зрелым. На данной фазе возникает придворный и школьный театры. В то время правил царь Алексей Михайлович, актерами придворного театра были иностранцы, школьного – учащиеся. После смерти Алексея Михайловича деятельность придворного театра приостановилась до прихода к власти Петра I. Он относился к «зрелищам» положительно, но, помимо развлекательной, он стал наделен еще и пропагандистской функцией. В 1702 году появился театр для широких масс – публичный. Его здание называлось «Комедиальной храминой», там давались представления немецкой труппой. Народ этот театр не принял. Хотя Петр I и не достиг своей цели, не сделал театр любимым местом людей, общедоступным и популярным, но он заложил к этому все необходимые предпосылки.

Зрелый этап в истории театрального искусства

Данный промежуток истории создания театра в России самый важный. На этом этапе театр стал приобретать те черты, которые привычны современному человеку, оформился в серьезное профессиональное сообщество. 30 августа 1756 года был дан старт, а именно, открылся Императорский театр. Эта же дата является днем основания Александринского театра в Петербурге. Произошло это при Елизавете Петровне.

Особенностью театра того времени было одновременное участие в постановках и русских, и иностранных артистов. Именно на этом этапе исполнение ролей впервые было доверено не только мужчинам, но и женщинам. Екатерина II придавала большое значение театру, при ней в Петербурге существовало три труппы, тратилось фантастическое количество средств на развитие этой отрасли.
Помимо развития государственных, Екатерина уделяла внимание и частным театрам дворян, существовал, например, театр Шереметьева, Волконского, Румянцева. Даже в провинции создавались свои помещичьи труппы. Строился русский театр, а именно сами постановки, по образцам французских коллег. Во главе французской школы актерского мастерства стоял И. А. Дмитревский, воспитавший не одно поколение прекрасных актеров.

А вы знали?

Представляем вниманию читателя еще некоторые занимательные факты из истории театрального искусства.
Во времена, когда Пушкин был жив, театры в России были не полностью сидячими. Дальние ряды занимали люди, стоящие на ногах все представление.
Знаковой пьесой в истории российского театрального искусства является «Недоросль» Д. И. Фонвизина, ставшая первой попыткой высмеять чиновников, дворян, типичных персонажей XVIII века. Стародума (положительного персонажа) первым сыграл как раз упомянутый выше Дмитревский.
В 1803 году императорские театры были разделены. Появились драматическая и музыкальная труппы, оперная и балетная, как части музыкальной. Господство французской школы игры на российской сцене продлилось вплоть до XIX века. Именно тогда русский театр, наконец, встал на ноги и пошел по собственному пути. Перенятый опыт стал хорошей базой, а открытие новых талантливых русских композиторов, актеров, танцоров подняло театр на высокий уровень.

П. Н. Арапов стал первым, кто описал всю историю русского театра в одной энциклопедии – «Летописи русского театра». Появляются театральны журналы и профессиональные критики. Таким образом, развитие театра дало толчок, в том числе, и русской литературе.
Использован источник- https://www.nastroy.net/post/istoriya-teatra-poyavlenie-i-razvitie-teatr…

История возникновения русского театра | курсы актерского мастерства, театральная школа в Москве студия актерская школа театр Образ Сергей Базаров

История возникновения русского театра

История русского театра делится на несколько основных этапов. Начальный, игрищный этап зарождается в родовом обществе и заканчивается к XVII веку, когда вместе с новым периодом русской истории начинается и новый, более зрелый этап в развитии театра, завершаемый учреждением постоянного государственного профессионального театра в 1756 году. 

Термины «театр», «драма» вошли в русский словарь лишь в XVIII веке. В конце XVII века бытовал термин «комедия», а на всем протяжении века -«потеха» (Потешный чулан, Потешная палата). В народных же массах термину «театр» предшествовал термин «позорище», термину «драма» — «игрище», «игра». В русском средневековье были распространены синомичные им определения — «бесовские», или «сатанические», скоморошные игры. Потехами называли и всевозможные диковинки, привозившиеся иностранцами в XVI — XVII веках, и фейерверки. Потехами называли и воинские занятия молодого царя Петра I. Термину «игрище» близок термин «игра» («игры скоморошеские», «пировальные игры»). В этом смысле «игрой», «игрищем» называли и свадьбу, и ряженье. Совершенно иное значение имеет «игра» в отношении музыкальных инструментов: игра в бубны, в сопели и т. д. Термины «игрище» и «игра» в применении к устной драме сохранились в народе вплоть до XIX — XX веков.

Русский театр зародился в глубокой древности. Его истоки уходят в народное творчество — обряды, праздники, связанные с трудовой деятельностью. Со временем обряды потеряли свое магическое значение и превратились в игры-представления. В них зарождались элементы театра — драматическое действие, ряженье, диалог. В дальнейшем простейшие игрища превратились в народные драмы; они создавались в процессе коллективного творчества и хранились в народной памяти, переходя из поколения в поколение. 

В процессе своего развития игрища дифференцировались, распадались на родственные и в то же время все более отдалявшиеся друг от друга разновидности — на драмы, обряды, игры. Их сближало только то, что все они отражали действительность и пользовались сходными приемами выразительности — диалогом, песней, пляской, музыкой, маскированием, ряженьем, лицедейством. 

Игрища прививали вкус к драматическому творчеству. Игрища первоначально были прямым отражением родовой общинной организации: имели хороводный, хорический характер. В хороводных игрищах было органически слито хоровое и драматическое творчество. Обильно включаемые в игрища песни и диалоги помогали характеристике игрищных образов. Игрищный характер имели также массовые поминки, они были приурочены к весне и назывались «русалиями». В XV веке содержание понятия «русалии» определялось так: бесы в образе человеческом. А московский «Азбуковник» 1694 года уже определяет русалии как «игры скоморошеские». 

Театральное искусство народов нашей Родины берет свое начало в обрядах и играх, ритуальных действиях. При феодализме театральное искусство культивировалось, с одной стороны «народными массами», а с другой — феодальной знатью, соответственно дифференцировались и скоморохи. В 957 году великая княгиня Ольга знакомится с театром в Константинополе. На фресках Киево-Софийского собора последней трети XI века изображены ипподромные представления. В 1068 году впервые упоминаются в летописях скоморохи.

История русского театра делится на несколько основных этапов. Начальный, игрищный этап зарождается в родовом обществе и заканчивается к XVII веку, когда вместе с новым периодом русской истории начинается и новый, более зрелый этап в развитии театра, завершаемый учреждением постоянного государственного профессионального театра в 1756 году. Термины «театр», «драма» вошли в русский словарь лишь в XVIII веке. В конце XVII века бытовал термин «комедия», а на всем протяжении века -«потеха» (Потешный чулан, Потешная палата). В народных же массах термину «театр» предшествовал термин «позорище», термину «драма» — «игрище», «игра». В русском средневековье были распространены синомичные им определения — «бесовские», или «сатанические», скоморошные игры. Потехами называли и всевозможные диковинки, привозившиеся иностранцами в XVI — XVII веках, и фейерверки. Потехами называли и воинские занятия молодого царя Петра I. Термину «игрище» близок термин «игра» («игры скоморошеские», «пировальные игры»). В этом смысле «игрой», «игрищем» называли и свадьбу, и ряженье. Совершенно иное значение имеет «игра» в отношении музыкальных инструментов: игра в бубны, в сопели и т. д. Термины «игрище» и «игра» в применении к устной драме сохранились в народе вплоть до XIX — XX веков.

Русский театр зародился в глубокой древности. Его истоки уходят в народное творчество — обряды, праздники, связанные с трудовой деятельностью. Со временем обряды потеряли свое магическое значение и превратились в игры-представления. В них зарождались элементы театра — драматическое действие, ряженье, диалог. В дальнейшем простейшие игрища превратились в народные драмы; они создавались в процессе коллективного творчества и хранились в народной памяти, переходя из поколения в поколение. 

В процессе своего развития игрища дифференцировались, распадались на родственные и в то же время все более отдалявшиеся друг от друга разновидности — на драмы, обряды, игры. Их сближало только то, что все они отражали действительность и пользовались сходными приемами выразительности — диалогом, песней, пляской, музыкой, маскированием, ряженьем, лицедейством. 

Игрища прививали вкус к драматическому творчеству. Игрища первоначально были прямым отражением родовой общинной организации: имели хороводный, хорический характер. В хороводных игрищах было органически слито хоровое и драматическое творчество. Обильно включаемые в игрища песни и диалоги помогали характеристике игрищных образов. Игрищный характер имели также массовые поминки, они были приурочены к весне и назывались «русалиями». В XV веке содержание понятия «русалии» определялось так: бесы в образе человеческом. А московский «Азбуковник» 1694 года уже определяет русалии как «игры скоморошеские». 

Театральное искусство народов нашей Родины берет свое начало в обрядах и играх, ритуальных действиях. При феодализме театральное искусство культивировалось, с одной стороны «народными массами», а с другой — феодальной знатью, соответственно дифференцировались и скоморохи. В 957 году великая княгиня Ольга знакомится с театром в Константинополе. На фресках Киево-Софийского собора последней трети XI века изображены ипподромные представления. В 1068 году впервые упоминаются в летописях скоморохи.

Киевской Руси были известны театры трех родов: придворный, церковный, народный. 

Старейшим «театром» были игрища народных лицедеев — скоморохов. Скоморошество — явление сложное. Скоморохов считали своего рода волхвами, но это ошибочно, ибо скоморохи, участвуя в обрядах, не только не усиливали их религиозно-магический характер, а наоборот вносили мирское, светское содержание. 

Скоморошить, т. е. петь, плясать, балагурить, разыгрывать сценки, играть на музыкальных инструментах и лицедействовать, т. е. изображать какие-то лица или существа, мог всякий. Но скоморохом-умельцем становился и назывался только тот, чье искусство выделялось над уровнем искусства масс своей художественностью. 
Параллельно с народным театром развивалось профессиональное театральное искусство, носителями которого в Древней Руси были скоморохи. Со скоморошескими игрищами связано появление на Руси кукольного театра. Первые летописные сведения о скоморохах совпадают по времени с появлением на стенах Киево-Софийского собора фресок, изображавших скоморошьи представления. Монах-летописец называет скоморохов служителями дьяволов, а художник, расписывавший стены собора, счел возможным включить их изображение в церковные украшения наряду с иконами. Скоморохи были связаны с массами, и одним из видов их искусства был «глум», т. е. сатира. Скоморохов именуют «глумцами», т. е. насмешниками. Глум, издевка, сатира и в дальнейшем будут прочно связаны со скоморохами. 

Мирское искусство скоморохов было враждебно церкви и клерикальной идеологии. О ненависти, которую питали церковники к искусству скоморохов, свидетельствуют записи летописцев («Повесть временных лет»). Церковные поучения XI-XII веков объявляют грехом и ряженья, к которым прибегают скоморохи. Особенно сильному преследованию скоморохи подвергались в годы татарского ига, когда церковь стала усиленно проповедовать аскетический образ жизни. Никакие преследования не искоренили в народе скоморошье искусство. Наоборот, оно успешно развивалось, а сатирическое жало его становилось все острее. 

В Древней Руси были известны ремесла, связанные с искусством: иконописцы, ювелиры, резчики по дереву и кости, книжные писцы. Скоморохи принадлежали к их числу, являясь «хитрецами», «мастерами» пения, музыки, пляски, поэзии, драмы. Но они расценивались лишь как забавники, потешники. Их искусство идеологически было связано с народными массами, с ремесленным людом, обычно настроенным оппозиционно к правящим массам. Это делало их мастерство не просто бесполезным, но, с точки зрения феодалов и духовенства, идеологически вредным и опасным. Представители христианской церкви ставили скоморохов рядом с волхвами и ворожеями. В обрядах и играх нет еще деления на исполнителей и зрителей; в них отсутствуют развитые сюжеты, перевоплощение в образ. Они появляются в народной драме, пронизанной острыми социальными мотивами. С народной драмой связано появление площадных театров устной традиции. Актеры этих народных театров (скоморохи) высмеивали власть имущих, духовенство, богачей, сочувственно показывали простых людей. Представления народного театра строились на импровизации, включали пантомиму, музыку, пение, танцы, церковные номера; исполнители использовали маски, грим, костюмы, бутафорию. 

Характер выступления скоморохов первоначально не требовал объединения их в большие группы. Для исполнения сказок, былин, песен, игры на инструменте достаточно было только одного исполнителя. Скоморохи оставляют родные места и бродят по русской земле в поисках заработка, переселяются из деревень в города, где обслуживают уже не только сельское, но и посадское население, а порой и княжеские дворы.

Скоморохи привлекались и к народным придворным представлениям, которые умножились под влиянием знакомства с Византией и ее придворным бытом. Когда же при Московском дворе устраивали Потешный чулан (1571г.) и Потешную палату (1613г.), скоморохи оказывались там в положении придворных шутов. 

Представления скоморохов объединили разные виды искусств: и собственно драматические, и церковные и «эстрадные». 

Христианская церковь противопоставила народным игрищам и искусству скоморохов искусство обрядовое, насыщенное религиозно-мистическими элементами. 
Представления скоморохов не переросли в профессиональный театр. Для рождения театральных трупп не было условий — ведь власти преследовали скоморохов. Церковь также преследовала скоморохов, обращаясь за содействием к светской власти. Против скоморохов были направлены Жалованная грамота Троице-Сергиевскому монастырю XV века, Уставная грамота начала XVI века. Церковь настойчиво ставила скоморохов в один ряд с носителями языческого мировоззрения (волхвами, колдунами). И все же продолжали жить скоморошеские представления, народный театр развивался. 
В то же время церковь принимала все меры к утверждению своего влияния. Это нашло выражение в развитии литургической драмы. Одни литургические драмы пришли к нам вместе с христианством, другие — в XV веке вместе с вновь принятым торжественным уставом «великой церкви» («Шествие на осмети», «Умовение ног»). 
Несмотря на использование театрально-зрелищных форм, русская церковь не создавала своего театра. 

В XVII веке Симеон Полоцкий (1629-1680) пытался на базе литургической драмы создать художественную литературную драму, эта попытка оказалась единичной и бесплодной. 

В XVII веке сложились первые устные драмы, простые по сюжету, отражающие народные настроения. Кукольная комедия о Петрушке (его звали вначале Ванька-Рататуй) рассказывала о похождениях ловкого весельчака, не боящегося ничего на свете. По-настоящему театр появился в XVII веке — придворный и школьный театр. 

Возникновение придворного театра было вызвано интересом придворной знати к западной культуре. Этот театр появился в Москве при царе Алексее Михайловиче. Первое представление пьесы «Артаксерксово действо» (история библейской Эсфири) состоялось 17 октября 1672 года. Вначале придворный театр не имел своего помещения, декорации и костюмы переносились с места на место. Первые спектакли ставил пастер Грегори из Немецкой слободы, актерами тоже были иноземцы. Позже стали в принудительном порядке привлекать и обучать русских «отроков». Жалованье им платили нерегулярно, но не скупились на декорации и костюмы. Спектакли отличались большой пышностью, иногда сопровождались игрой на музыкальных инструментах и танцами. После смерти царя Алексея Михайловича придворный театр был закрыт, и представления возобновились только при Петре I. 

Кроме придворного, в России в XVII веке сложился и школьный театр при Славяно-греко-латинской академии, в духовных семинариях и училищах Львова, Тифлиса, Киева. Пьесы писались преподавателями, и силами учащихся ставились исторические трагедии, аллегорические драмы, близкие европейским мираклям, интермедии — сатирические бытовые сценки, в которых звучал протест против общественного строя. Интермедии школьного театра заложили основу комедийного жанра в национальной драматургии. У истоков школьного театра стоял известный политический деятель, драматург Симеон Полоцкий.

Петр не был удовлетворен школьным театром. Религиозный по своему содержанию, этот театр в эстетическом отношении был слишком замысловатым и сложным для рядового зрителя. Петр же стремился организовать театр светский, доступный городским массам. Учрежденный им театр, несмотря на кратковременность своего существования, сыграл важную роль в развитии русской театральной культуры.

Бассевич, один из современников, близких к Петру, писал: «Царь находил, что в большом городе зрелища полезны». Театр царя Алексея Михайловича преследовал политические цели, но ориентировался на очень ограниченный круг придворных, между тем как петровский театр должен был вести политическую пропаганду в широких слоях городского населения. Это обусловило создание общедоступного театра. Петр хлопотал о привлечении в Россию на первое время таких актеров, которые владели бы если не русским, то хотя бы одним из близких к русскому славянских языков. Так, когда в 1702 году в Россию прибыли актеры немецкой труппы, им был задан вопрос, не могут ли они играть по-польски; когда в 1720 году Петр вторично приглашал труппу, то пытался привлечь чешских актеров. Но обе попытки Петра не имели успеха.

При Петре по-прежнему развиваются два основных вида театра: школьный и светский; в эту пору начинают появляться также пьесы городского драматического театра, широко развивавшегося во второй четверти 18 века. Появление придворного и школьного театров расширило сферу духовной жизни русского общества. По велению Петра I в 1702 году был создан публичный театр, рассчитанный на массовую публику. Специально для него не Красной площади в Москве было выстроено здание — «Комедиальная храмина». Там давала спектакли немецкая труппа И. Х. Кунста. В репертуаре были иностранные пьесы, которые успеха у публики не имели, а театр прекратил свое существование в 1706 году, так как прекратились субсидии Петра I. Самому Петру не удалось создать постоянного публичного театра. Обе попытки московская, и петербургская не дают нужных результатов. Тем не менее именно в петровскую эпоху закладывается прочный фундамент для дальнейшего развития русского театра. При Петре I перед театром вполне отчетливо ставится политическая и художественная задачи- служить делу государственного строительства России. В эту пору складывается ранняя русская драматургия-часть новой светской художественной литературы. Впервые театр становится средством просвещения широких масс, — правда далеко не достигая в этом смысле цели, но все же функционируя как театр публичный и общедоступный. В петровскую эпоху появляются в России первые профессиональные антрепренеры, стабилизируется актерская профессия, появляются на сцене первые актрисы. Некоторые время после смерти Петра 1 русский театр продолжает развиваться в формах любительского театра, театра городских «низов. Но и здесь осваивается все то, что принесла петровская эпоха русской театральной культуре. И здесь накапливаются силы для борьбы за дальнейшее утверждение национального русского театра. Новую страницу в истории сценического искусства народов нашей Родины открывали крепостной и любительские театры. В крепостных труппах, существовавших с конца XVIII века, ставились водевили, комические оперы, балеты. На основе крепостных театров в ряде городов возникли частные антрепризы. Благотворное влияние на формирование профессионального театра народов нашей Родины оказало русское театральное искусство. В труппы первых профессиональных театров входили талантливые любители — представители демократической интеллигенции. 

Театр в России в XVIII веке приобрел огромную популярность, стал достоянием широких масс, еще одной общедоступной сферой духовной деятельности людей.

История появления детских театров

Любой театр, какой ни возьми, имеет свою страницу в истории. Также известна история зарождения театрального искусства. Театры для детей тоже не стали исключением. Хотя история их возникновения очень короткая. Сама идея создания детского театра начала обсуждаться в кругах творческих людей и интеллигенции только в середине XVIII века, но сами представления для детей появились лишь в XIXвеке. До этого времени профессиональное театральное искусство было недоступно детям.

В XV веке в Европе и с XVII в России были созданы школьные театры, которые имелись при учебных заведениях. У них были теоретически разработанные основы и правила. Школьные театры в основном носили политическую направленность и были далеки от того представления о детском театре, в каком виде мы знаем его сейчас.

В России детские театры появились намного позже, только после революции. Это произошло в основном благодаря поддержке Луначарского. Детские театры начали появляться в годы Гражданской войны в Москве, Петрограде, Саратове. Но просуществовали недолго. Зато в 20-е годы появилось много детских театров (ТЮЗов) и кукольных театров для детей  в разных городах России. Театры давали представления, как на русском, так и на национальных языках.

Возникновение детских кукольных театров в России можно отнести к 1918-19 годам, когда появились первые театры такого направления. Это «Театр марионеток Шапориной-Яковлевой» в Питере, «Театр петрушек и китайских теней Ефимовых» в Москве.

Репертуары детских театров поначалу составляли из произведений, входящих в круг детского чтения: «Маугли», «Конек-горбунок», «Принц и нищий», «Том Сойер». В середине 20-х годов стали появляться детские спектакли на современные темы: «Тимошкин рудник», «Черный яр», «Винтовка 492116». Героями этих пьес стали современные подростки, а исполняли их роли актрисы-травести, многие из них стали впоследствии очень известными, например, Охитина, Сперантова, Коренева.

К 1930 году в России театры для детей достигли высокопрофессионального уровня и начали ставить пьесы, с учетом возрастных особенностей ребенка и подростка. Для старшего дошкольного и младшего школьного возраста ставились в основном сказочные представления, сочетающие в себе фантастику и реальность: «Снежная королева», «12 месяцев», «В гостях у Кощея». Театральные пьесы стали способствовать воспитанию пионеров и школьников. В связи с этим был привлечен широкий круг авторов, писавших детские произведения, среди них всем нам известные – С. Михалков, Е. Шварц, Л. Кассиль. В центре внимания моральный и общественный облик подростка, воспитание героизма, способность совершить подвиг. Спектакли: «Брат героя» Кассиль, «Сережа Стрельцов» Любимова, «Клад» Шварц, «Хлопчик» Даниэль. Также для подростков стали появляться приключенческие, комедийные, историко-революционные пьесы советских и зарубежных авторов с упором на изучение школьной программы по литературе.

В годы Великой Отечественной войны многие детские театры были эвакуированы в тыл, где стали давать спектакли не только для детей, но и для взрослых. Особое место в репертуаре заняли спектакли на патриотическую тему: «Сын полка», «Город мастеров», «Два капитана».

В 70-е годы в СССР было уже более 100 кукольных театров, 46 драматических и 1 музыкальный детский театр. Также спектакли для детей начали ставить и во взрослых театрах.

В 1965 появилась Международная ассоциация театров для детей и юношества (АССИТЕЖ), президентом которой с 1968 был К. Я. Шах-Азизов (руководитель Центрального детского театра, Москва), генеральным секретарём — Р. М. Бодуэс (Франция).

В настоящее время в России существует огромное количество всевозможных детских театров, так сказать, на любой, даже самый изысканный вкус.

Театр в России – история возникновения

Маски скоморохов

Театр — это ни с чем несравнимое искусство, его специфика заключается в изображении событий, которые как бы непосредственно происходят перед зрителем; зритель становится их свидетелем и соучастником, что определяет особую силу идейного и эмоционального воздействия театра. Проходят годы, столетия, а театр остается самым любимым и востребованным видом искусства. И кто бы мог подумать, что сегодняшний красивый театр начинался со скоморошества…

Театр скоморохов

Скоморохи

Русский театр зародился в глубокой древности в народном творчестве — обряды, праздники, связанные с трудовой деятельностью. Со временем обряды потеряли свое магическое значение и превратились в игры-представления. В них проявлялись элементы театра — драматическое действие, ряженье, диалог. В дальнейшем простейшие игрища превратились в народные драмы; они создавались в процессе коллективного творчества и хранились в народной памяти, переходя из поколения в поколение.

Старейшим театром были игрища народных лицедеев — скоморохов. Скоморохи, участвуя в обрядах, вносили в них мирское, светское содержание. Скоморошить — петь, плясать, балагурить, разыгрывать сценки, играть на музыкальных инструментах и лицедействовать мог всякий. Но скоморохом-умельцем становился и назывался только тот, чье искусство выделялось своей художественностью. То же самое происходит и в современном театре — театров много, но всеобщую любовь получают лишь те, где актеры блестяще владеют своим искусством.

Позже появились народные театры скоморохов со своим репертуаром. Актеры этих театров высмеивали власть имущих, духовенство, богачей, сочувственно показывали простых людей. Представления народного театра строились на импровизации, включали пантомиму, музыку, пение, танцы, цирковые номера. Исполнители использовали маски, грим, костюмы, бутафорию. Характер выступления скоморохов первоначально не требовал объединения их в большие группы.

Для исполнения сказок, былин, песен, игры на инструменте достаточно было только одного исполнителя. Представления скоморохов не переросли в профессиональный театр. Для рождения театральных трупп не было условий — власти и церковь преследовали скоморохов и ставили их в один ряд с волхвами, колдунами. Но скоморошеские представления продолжали жить, народный театр развивался.

Придворный театр

По-настоящему театр появился в 17 веке — это были придворный и школьный театры. Школьный театр появился при Славяно-греко-латинской академии. Пьесы писались преподавателями и ставились учащимися по праздникам. В пьесах использовались как евангельские сюжеты, так и житейские предания. Писались они в стихах на основе монологов. Кроме реальных лиц, вводились и аллегорические персонажи.

Возникновение придворного театра было вызвано интересом придворной знати к западной культуре. Этот театр появился в Москве при царе Алексее Михайловиче. Первое представление пьесы «Артаксерксово действо» (история библейской Эсфири) состоялось 17 октября 1672 года. Царю так понравилось представление, что он смотрел его десять часов подряд. Ставились и другие пьесы на библейские сюжеты.

Вначале придворный театр не имел своего помещения, декорации и костюмы переносились с места на место. Спектакли отличались большой пышностью, иногда сопровождались игрой на музыкальных инструментах и танцами.

После смерти царя Алексея Михайловича придворный театр был закрыт, и представления возобновились только при Петре I, когда с новым периодом русской истории начинается и новый, более зрелый этап в развитии театра, завершаемый учреждением постоянного государственного профессионального театра в 1756 году.

Статья с сайта http://www.nashfilm.ru

История возникновения театра | Чтиво // Литературный музей имени М. М. Зощенко

Развитие театра началось очень давно, еще в первобытном обществе, во времена, когда человек от непонятных ему природных явлений зависел полностью. Расположить к себе он пытался некие сверхъестественные силы, которые по представлениям того времени насылали на людей болезни, пожары, неурожаи, неожиданные холода и даже обычную смену времен года. Волшебство и магия были главными и самыми верными способами достичь в этом успеха. Перед началом любого дела люди разыгрывали мини-сценки, которые изображали успешное окончание начинаемого процесса. Во время их участники использовали сопровождаемую танцами, музыкой и песнями сложную пантомиму. Элементы современного театра проявляться начали именно во время этих обрядов.

В конце 3 тысячелетия до нашей эры в Древнем Египте каждый год театральные сценки устраивались при храмах. Основным их действующим лицом был бог Осирис – покровитель ремесленников и земледельцев.

Сельским богам посвящали карнавальные обряды и в Древней Греции. Культ бога Диониса сыграл большую роль в становлении греческого театрального искусства. Сложно представить, приобретая сегодня билеты в театр, что начиналось все под открытым небом, где на площадках огромного размера давались представления из трех комедий и трех трагедий. Первоначально только мужчины выступали в роли актеров, все женские роли также исполнялись ими. От персонажей комедий ожидали смешных действий, они должны быть у публики вызывать улыбки и смех, поэтому актеры облачались в маски с выпученными глазами, оттопыренными губами и приплюснутыми носами.

Популярны в Древней Греции были и народные театры, носящие название мимами. Мифологические герои, рыночные воришки и прочие персонажи показывались в сценке сатирического или бытового характера – миме. Эти постановки отличались отсутствием на актерах масок и тем, что выступали в них не только мужчины, женщины также играли роли.

В Древнем Риме театральные представления были развлекающими публику зрелищами. В актеры шли люди из самых низших сословий, однако всеобщего уважения некоторым из них достичь удавалось. 

Виды театров — Театральное искусство

Первые театры появились еще в Древнем Риме и Египте. При зарождении театрального искусства театр являл собой совокупность представления, танцев и песен, нередко отдельные его элементы превращались в отдельные сцены. Сейчас же театр характеризуется синтезом все этих форм.

В зависимости от действий актеров во время представления отличают такие виды театров:

  • драматический
  • кукольный
  • мюзикл
  • оперный
  • оперетты
  • пантомимы
  • пародии
  • одного актера
  • авторский
  • песни
  • поэзии
  • детский
  • танца
  • сатиры
  • уличный
  • эстрады.

Рассмотрим несколько самых популярных видов.

Несомненно, самый популярный и самый распространенный — это драматический театр. Его главный инструмент — слово. Именно с помощью слов актеры раскрывают смысл задуманного и доносят до зрителя всю суть постановки.

Опера. В опере актеры выражают постановку пеньем, поэтому главное здесь это музыка. С ее помощью доносится настроение и атмосфера театра. Но здесь люди не только поют, но и играют свои роли. Суть постановки в полном объеме может быть раскрыта лишь с помощью визуализации элементов действия. Актерам в опере довольно сложно, ведь они должны не только иметь сильный и красивый голос, но и во время пения мастерски играть свою роль.

Театр танцев — это балетный театр. В балете постановка сценария происходит через танцы, именно через них актеры выражают эмоции героев. Постановка танцев проходит под музыку на основе либретто. Ставит весь танец хореограф, он словно пишет танцем саму постановку.

Мюзикл. Этот вид не всегда определяют как отдельный. Но все же, мюзикл зародился в США в конце 19 столетия, и там же достиг полного расцвета. В мюзикле используются игра актеров, пенье, танцы. В нем соединены формы эстрадного искусства и бытового танца. Как правило, сюжеты мюзиклов довольно просты, этот вид театра предназначен для широкой аудитории, зачастую музыка из мюзиклов становится хитом.

Один из древнейших видов театра — пантомима. В таких представлениях суть пытаются донести с помощью жестов и мимики, это или же короткие выступления, или полноценное сценическое действие. Сейчас мы можем видеть выступления мимов не только в театре, но и на улицах города.

В эпоху античности появился кукольный театр. Актерами в таком театре выступают куклы, которыми руководят люди с помощью различных ниток или других приспособлений. Куклы шутят и иногда высмеивают недостатки людей. Новый вид кукольного театра это театр марионеток — деревянных кукол.

История — Театр теней

Театр теней — древнее искусство, зародившееся в Азии более двух тысяч лет назад, однако точно сказать — в Индии или в Китае, — нельзя. Согласно некоторым теориям, родиной театра считают даже Египет.

Начало

По сути, сам принцип возник в глубокой древности, когда, сидя у костра, первобытный человек смотрел на изменяющиеся тени на стенах пещеры. Наверняка, эти неясные образы вызывали в воображении пугающие картины, ведь тень всегда олицетворяла нечто мистическое и таинственное, но безусловно она полна эстетики.

Становление

На ранних этапах развития данного вида театра он состоял из ткани, источника света (обычного солнца или костра) и рук, складывающих пальцы в нужные жесты. С таким, кажется, знаком каждый ребёнок. Потом руки заменили на тонкие полупрозрачные силуэты, выполняющиеся из кожи. Так тень получалась более четкой, а так же можно было за счет полупрозрачности выделять конкретные детали. Позже материалы стали совсем различны, а образы начали называть марионетками.

Легенда

Существует красивая китайская легенда о том, как один император, потеряв свою супругу, совсем опечалился и отказался от правления. Чтобы его утешить, главный дворцовый придворный сделал силуэт умершей жены императора и показал её движения за занавеской. Император был так рад вновь увидеть, как любимая играет на музыкальных инструментах, ходит и читает, что перестал печалиться и занялся государственными делами.

Традиции

Во многом содержание постановки зависит от страны. Китайский театр отличается показом преимущественно исторических сцен, в Индии чаще поднимаются религиозные темы, а в Турции преобладают комедийные жанры. Тень помогает воплотить в жизнь почти любые образы, что и объясняет распространение теневого театра по всему миру и различность направлений. Однако не всегда в роли актеров выступают марионетки, в Испании, например, это живые люди. Это произошло из-за запрета в средние века на показы театров. Поэтому артисты и стали выступать за занавеской, что не было запрещено тем странным заявлением. Впоследствии, это стало отдельным направлением театра.

Современные куклы турецкого театра теней Сцена из индийского теневого театра

Истоки театра — Театр Львиное Сердце

Практика драмы и театра предшествовала многим другим изобретениям человека, включая бумагу, выдувание стекла или даже зеркала. Соответственно, ранняя драма была средством запечатления человеческого поведения таким образом, чтобы его можно было распространить в массах, служа доверенным лицом как для бумаги, так и для зеркал.

Несмотря на то, что стиль театра претерпел значительную эволюцию с момента его возникновения, действительная механика и конечная цель выражения остались прежними. Артисты берут на себя роли, данные им как по манере подачи реплик, так и по костюмам, маскам или макияжу, которые они надевают.Сценические декорации были важны для постановки постановки, и, как всегда, аудитория была ключевым элементом в оценке успеха или провала пьесы.

Читайте дальше, чтобы узнать подробнее о том, как современный театр возник из его не столь скромных корней.

Греческий — это слово

Первые остатки западного театра появились в Афинах, Греция, около трех тысяч лет назад во время массовых религиозных праздников, которые включали пение и костюмы.В хоровых шествиях в честь Диониса — греческого бога вина, религиозных ритуалов, религии, а позже и театра — участники облачались в яркие костюмы и маски с преувеличенными персонажами и чертами лица. После определенного момента некоторые члены процессии брали на себя особые роли, определяемые особыми костюмами и поведением во время празднования.

Около 600 г. до н.э. эти обычаи развились во время серии ежегодных фестивалей в честь Диониса. Установленные правителем Писистратом и безумно популярные, эти празднования включали пьянство, празднование и религиозные воззвания, как в более ранних процессиях, но с структурированными публичными состязаниями в искусстве.Были проведены конкурсы на лучшее музыкальное исполнение, пение, декламацию стихов и танцы, чтобы увидеть, кто сможет завоевать расположение публики.

Согласно историческим рассказам Аристотеля и греческой легенде, один такой исполнитель, как говорили, преуспел в подвиге принятия различных ролей и тональности во время чтения стихов около 534 г. По имени Феспис, этот странствующий бард драматично запрыгивал на спинки деревянных тележек во время декламации и полностью задействовал голос и личность персонажа, говорящего в стихотворении.

Драматическое чутье Тесписа превратило его в художественную форму публичного выступления, и вскоре он стал воплощением нового идеала, уступившего титулу «Феспис».

Восточная театральная традиция

Первоначальное влияние Фесписа на драматические представления позже привело к созданию театральных трупп и популяризации таких игровых форматов, как трагедии.

Однако, хотя эта традиция превратилась в западный театр, важно отметить и другие театральные влияния, возникшие примерно в то же время.Одной из таких практик была индийская санскритская драма, которая развивалась примерно между 200 г. до н.э. и 100 г. нашей эры. С 100 по 1000 год нашей эры были написаны сотни санскритских пьес, драматизирующих эпические религиозные тексты, а также традиционные сюжетные линии с использованием стандартных персонажей. В отличие от западного театра, индийские санскритские драмы допускали актеров как мужского, так и женского пола, при этом популярными становились некоторые полностью женские труппы.

Китай имеет еще более раннюю театральную традицию. Около 1500 г. до н.э. во времена династии Шан акробатические представления, включающие пение и музыку, стали популярным развлечением для королевской семьи.Кукольный театр теней развился некоторое время спустя во времена династии Хань.

Эти две формы развлечений, кукольное представление и роскошные музыкальные постановки, обрели новую жизнь во времена династии Тан, известной как «Век 1000 развлечений». Император Сюаньцзун основал классическую китайскую актерскую школу, известную как «Дети грушевого сада», термин, который до сих пор иногда применяется к китайским мюзиклам и исполнителям китайской оперы.

Вы можете узнать больше о том, как происхождение театра помогает раскрасить современные спектакли по сей день, посетив Театр Львиное Сердце и увидев наших исполнителей в действии.Вы также можете запланировать посещение шоу в предстоящем сезоне 2016 года, чтобы увидеть, насколько хорошо актеры и «Дети грушевого сада» продолжают свои традиции совершенства тысячи лет спустя.

Введение в театр — Истоки театра

Некоторые вещи имеют театральные элементы (парады, игровые шоу, спорт, танцы, религиозные службы, политические кампании), но они отличается от театра формой искусства.

T тепло как Учреждение:

Истоки театра — теории :

Нет четких доказательств, поэтому все теории являются предположениями.

Аристотель предположил, что мимесис (имитация) является врожденным у человека; театр вероятно произошел от дифирамба , гимн, спетый или распеваемый перед религиозными ритуалами в честь Диониса , бог вина, возрождения и плодородия. Слово «трагедия» кажется произошло от греческих слов «козел» и «песня» — так трагедия была песней козла Угадай).

1. Рассказывание историй — доставляет удовольствие и естественно, — поясняет рассказчик, выдавая себя за другое лицо.

2. Движение / танец — имитация физического поведения животные и люди, надевая шкуры как одежду — в конце концов, разговаривая был добавлен.

3. Судебная система — требуется выступление в суде расширение, желание выступать и смотреть спектакли.

4. Высший акт неустановленного художника (возможно, Thespis , возможно, Эсхил ) — революционное открытие — до синтезировать многие другие уже существующие элементы.

5. Теория ритуалов — самая распространенная и общепринятая. теорий, но многие подвергаются сомнению.

— Из примитивных религиозных ритуалов, обычно связанных с весна и сезонный цикл, драма развивалась —

— Немногие говорят, что театр возник непосредственно из ритуала, но этот ритуал повлиял на театральные формы —

— Сэр Джеймс Теория Фрейзера (конец XIX века) — примитивные культуры с никакой письменный язык не проводил ритуалов, чтобы завоевать благосклонность естественных сил, то формализована, потом выросли истории, чтобы объяснить ритуалы — люди выдавали себя за богов, существ или сил — и возникло драматическое чувство —

— В конце концов, ритуалы были оставлены или изменены, но мифы / истории остаются устной традицией.Большой шаг к драме происходит, когда они разыгрываются в простой драме.

— Эстетика постепенно вытесняет религиозную или утилитарную цели ритуала.

Против ритуальной теории — функционалисты — 1915 —

— Предполагают, что культуры развиваются по-разному. от одного общества к другому — они выступают против «культурного Дарвинизм », который утверждает, что все человеческие институты развились аналогично — и предполагаю, что, возможно, это не так.

{Начало страницы}

102 Истоки театра и драмы, классической драмы и театра

102 Истоки театра и драмы, классической драмы и театра

© Damen, 2012

Классическая драма и общество


РАЗДЕЛ 1: ИСТОКИ ЗАПАДНЫЙ ТЕАТР

Глава 2: Истоки театра и драмы


Я.Введение в вопрос о происхождении театра и драмы

Хотя происхождение самого западного театра строго не укладывается в рамки сфера изучения классической драмы, греческая драма — самая ранняя форма театра, аттестованного на Западе, и поэтому он подобает студентам классической драмы чтобы рассмотреть, что составляет предысторию изучаемого предмета. Кроме того, вопрос о происхождении западного театра представляет собой отличный тестовый пример для теорий, исследованных в предыдущей главе, возможность применить определение «театра» построено там к вопросу о том, где и когда возник театр как таковой.Другими словами, используя определение «театр» изложенный выше, фокусирует внимание на поиске его происхождения, особенно когда мы ищем формы искусства, предшествующие самой ранней греческой драме, в центре которой язык, выдача себя за другое лицо и аудитория, которые привели или могли привести к театр.

Это тоже предвещает определенный подход к вопросу. Пока мы ищем в отношении аудитории, олицетворения и разговорной речи в представлении мы не будем искать другие вещи, которые с современной точки зрения можно было бы предположить являются предпосылкой к драме.Театральные здания, например, не совсем обязательны, равно как и драматические сценарии. Что еще более важно, мы не должны искать «прогресс» во времени, особенно тот, который измеряется по современным технологическим стандартам. И мы не должны видеть чисто театральные элементы в обществе как свидетельство театра как «автономной деятельности». Мы ищем институт театра, а не просто презентационные устройства. любого рода, потому что все общества, даже те, в которых нет обычаев институциональной спектакль, есть у зрителей и просматривается, но не обязательно иметь «театр».» Наши источники не менее масштабны, чем само общество. Любая автономная деятельность которые включают олицетворение, аудиторию и язык, например фестивали, праздники, ритуалы и тому подобное, когда люди смотрят, как другие люди говорят и играют роли, может свидетельствовать о происхождении театра.


II. С чего начать? Документальные свидетельства доклассической эпохи Драма

Прежде чем приступить к поиску, мы должны немедленно решить проблему, которая противостоит любому, кто исследует происхождение западной драмы.Жалкая нехватка письменных текстов, доступных для реконструкции пути, ведущего к классическому драма. Особенно мало тех, что относятся к ранним периодам греческой истории, и художественные источники (в частности, вазы) немного лучше. В самом деле, удивительно мало поучительных изображений ранней драмы вообще существует — о двадцать изображений хоров и танцев, написанных на вазах, уцелевших от конец шестого — начало пятого веков до нашей эры — и даже в этом случае неясно как они могут быть связаны с институциональным театром, если они вообще существуют.

Кроме того, нет письменных источников о раннем театре и драме, относящихся к эпохе период возникновения этого вида искусства. Вся наша документация принадлежит более поздним авторам. То есть это вторичное свидетельство, и так что его отношение к нашему поиску истоков в лучшем случае подозрительно. Даже Геродот , живших в эпоху классической драмы, приводит мало достоверных данных о предшествующий век, в котором театр развивался как вид искусства.Всего девять книги Истории он отмечает только вдвое больше, чем кажется быть театральной деятельностью (примечание).

Во-первых, в книге 2 он описывает египетский праздник, который включает в себя ритуальную имитацию битвы, которая может включать раннюю форму драмы.

Геродот, Истории , Книга 2.58-63 [Геродот обсуждает происхождение греческих богов и их связь с египетскими божества.]

(58) Действительно, что касается торжественных собраний, парадов и шествий, первыми, кто это сделал, были египтяне, а от них Греки узнали их. Мои доказательства этому следующие: их (т.е. Египетские церемонии), кажется, создавались в течение долгого времени, тогда как Греческие обряды были созданы недавно.

(59) Они собираются египтяне, то есть ни разу в год, но на многих собраниях, чаще всего в городе Бубастис в честь богини Артемиды, во-вторых в городе Бусирис в честь Исиды — действительно, в этом городе находится самый большой храм Исиды и сам город был построен посреди дельты Египта; Исида на языке греков — Деметра — в-третьих, в городе Саис в честь Афины они собираются, в-четвертых, в Гелиополе. («Город Солнца») в честь Гелиоса (солнца), пятая — в Буто в честь Лето и, в-шестых, в городе Папремис в честь Ареса.

(60) Когда они прибывают в то место, где сейчас находится город Бубастис, они делают следующее. Они плывут, мужчины вместе с женщинами и большой количество каждого в каждой лодке, и некоторые из женщин несут погремушки и трясутся их, а мужчины всю дорогу играют на флейтах, а остальные мужчины и женщины поют и хлопают в ладоши. Каждый раз, когда они приезжают в новый город, они приносят свои лодку близко к берегу и сделайте следующее: некоторые женщины делают свои вещи Я просто сказал, что другие ругают и кричат ​​на женщин в этом городе, другие танцуют, другие подтягивают юбки и встают.Эти вещи в каждом городе река они делают. Когда они приезжают в Бубастис, они устраивают фестиваль и устраивают великие жертвы и пить виноградного вина больше на этом празднике, чем на всем оставшийся год. Они собирают все, что есть от мужчин и женщин, но без детей, как говорят местные жители, их целых 700 тысяч.

(61) И все это делается на этом месте. . . Они бьют сами после жертв, все мужчины и все женщины, приносящие очень много тысяч людей.Для кого (то есть бога Осириса) они бьют себя, это не справедливо сказать. Что бы ни жили карийцы (то есть греки из Малой Азии) в Египте они доходят до того, что режут себе лбы кинжалами и это дает понять, что они иностранцы, а не египтяне.

(62) В городе Саис, когда собираются для жертвоприношений, в определенную ночь все они зажигают много ламп на открытом воздухе вокруг своих дома по кругу.Лампы — это действительно блюдца, наполненные солью и маслом, а наверху сам фитиль, и он горит всю ночь, и этот праздник имеет название «Освещение». Те из египтян, которые не участвовать в этом всенощном фестивале, тем не менее соблюдать ночь жертвоприношения зажигая лампы — так делают все — и поэтому не только в Саисе есть ли там освещение (т.е. светильники), но также и по всему Египту. Причина что свет (или «день») и честь (т.е. этого обряда) дано самой ночи, объясняется в священном мифе об этом (фестиваль). . .

(63). . . но в Гелиополисе и Буто паломники совершают только жертвы. В Папремисе, как и везде, совершаются жертвоприношения и обряды. При заходе солнца несколько священников посещают статую (Ареса), но большинство из них держат дубинки из дерева и стоят у храма вход, в то время как другие дают обеты (т.е. чтобы защитить статую бога), более чем тысяча мужчин, все держат дубинки, и они стоят напротив остальных в толпе. Статуя, находящаяся в небольшом храме, сделанном из дерева и покрыта золото, они сопровождают (эту статую) накануне к другому священному зданию. А те немногие, кто остался со статуей, тянут четырехколесный фургон, везущий святыня и статуя, которая находится в святыне, а остальные стоят у парадных ворот (т.е. храма) не пускают их, кроме тех, кто поклялся защищать бога, ударить сопротивляющихся (т.е. предотвратить продвижение статуи в храм). Вслед за этим битва с дубинками, довольно большая следует один, и они раскалывают черепа и, как я понимаю, многие даже умирают от их раны; однако, согласно египтянам, никто не умирает. Этот Вечерняя церемония стала традицией, по словам местных жителей, по следующей причине: что в этом храме жил Арес (т.е. бог войны) мать и Арес выросший в другом месте пришел — став мужчиной — желая заложить с его матерью и слугами его матери, которые не видели его прежде, не смотрели в другую сторону, когда он вошел, скорее они отогнали его, и он привозил людей из другого города, грубо обращался со слугами и вошел внутрь его матери. По этой причине этот бой за Ареса на фестивале Говорят, это стало традицией.

Хотя некоторым ученым кажется, что этот отрывок представляет данные, которые укладываются в схема эволюции, продвигающаяся к драме, тщательное изучение отрывка значительно затуманивает картину. Описанный выше праздник больше похож на религиозный ритуал, включающий подражание, чем любая игра, с которой мы знакомы, не столько драма Юджина О’Нила, сколько католическая месса, особенно то, как церковные обряды проводились в средневековый период, когда зрелище, часто использовались шествия и повествовательные обряды.Правда там не сохранились четкие, недвусмысленные записи о ранних театральных формах в каких-либо древнее западное общество до появления классической драмы в Греции.

Отчаянное состояние этой ситуации побудило ученых искать в других областях. для доказательства ранней западной драмы. Если греческие исторические данные окажутся недостаточными, возможно, в других культурах каким-то образом сохранились аналоги, сопоставимые с тем, что должно существовали в ранней западной цивилизации.Это предположение — это свидетельство взяты из других культур, возможно, имеют отношение к происхождению раннего театра в Запад — открыл путь к поиску реликвий или « окаменелостей » изначального театра, предположительно можно найти в театральных ритуалах других культур. Эти ритуалы, как некоторые ученые полагают, заморожены во времени и могут представлять, что доисторическая драма на западе выглядела так.

Но с чего начать такие поиски? Какие ограничения есть у культурного такая охота за сокровищами? Как распознать данные, относящиеся к этим чего нет? По общему признанию, некоторая форма театрального искусства должна была предшествовать и так или иначе привел к греческой драме, но не имел даже намека на то, что она похоже, как мы продолжим? Это все равно, что пытаться реконструировать динозавров без единственная окаменелость динозавра, чтобы продолжить, полагаясь только на то, что их потомки или как выглядят эволюционные родственники.Если бы не было окаменелостей динозавров, кажется маловероятно, что кто-то сможет достоверно установить даже то, что динозавры когда-либо существовали, тем более их внешний вид или поведение. Это сопоставимо с тем, что историки лицо в попытке восстановить происхождение драмы. Но когда практически никаких исторических свидетельств, чтобы продолжить, реконструкция, основанная на изучении «живого окаменелости », к сожалению, единственный вариант.

Продолжая идти по этому пути, мы всегда должны помнить, что наши поиск может оказаться бесполезным занятием, особенно потому, что он чреват большой опасностью. что скрывается за всеми историческими исследованиями.Это может в конечном итоге сказать больше об историках, чем сама история. То есть в нашей реконструкции мы можем видеть то, что хотим, чтобы видел в истории — или, что более вероятно, то, что мы запрограммированы нашей культурой видеть, а не то, что когда-то действительно там.

Вот как может работать заблуждение: сначала мы решаем, что «примитивный» формы театра должны были выглядеть, то мы ищем «примитивные» ритуалы, демонстрирующие эти характеристики, и, наконец, когда мы их находим, мы называют такие данные свидетельством предшественника классической драмы.Обоснование этого очевидно, что сортировка круговая. Мы закончили там, где решили, что закончим, и ни по чьему-либо определению этот «прогресс» любого рода. В самом деле, мы, возможно, кое-что узнали, но это не о происхождении западного театра, скорее о нас самих и наших культурных предубеждениях, прекрасная тема для терапевтической кушетки, но не для комнаты для семинаров по истории. Прежде чем мы уйдем в этом опасном путешествии, давайте начнем с обзора прошлых исследований происхождения западной драмы.


III. Исследование истоков театра и драмы

Поиск истоков театра ведется очень давно, по крайней мере греческому философу Аристотелю , жившему в столетии после классической эпохи. Его исследования, которые теперь рассматриваются как «данные» о классический театр, — и нужно всегда помнить об этом — результаты собственных исследований истории театра и, как и наши, не более или менее надежны, чем данные, на которых они основаны.Потому что он жил в древности и так часто авторитетно говорит о древней жизни, мы никогда не должны забывать что Аристотель, по сути, является второстепенным свидетельством рождения греческого театра, событие, которое произошло за два столетия до его дня. Точно насколько «вторичны» данные, которые он представляет, то есть насколько лучше его выводы, чем наши собственные исследования, лежат в основе важный вопрос в оценке его вклада в наше понимание первобытного Греческая драма.Мы вернемся к Аристотелю и этой загадке, когда обратимся к классические источники, относящиеся к этому вопросу позже (см. Раздел 1, Глава 4). А пока давайте перейдем к более поздней стипендии.

обоснован современный «научный» поиск истоков западного театра. в революционной книге известного антрополога XIX века, The Золотая ветвь по Джеймс Фрейзер . Его работа составляет один из основополагающих документов антропологии , и во многих отношениях его публикация в 1896 г. с последующим расширением и переизданием в 1915 г. научное исследование человеческой культуры. Золотая ветвь влечет за собой массивный сборник данных о культурах всего мира и работает на предпосылке, что есть заметное универсальное развитие глобальных культуры с течением времени, по словам Фрэзера, «медленное и утомительное восхождение человечества от дикости к цивилизации ». С экономической точки зрения это означало, что Фрейзер эволюция культуры от охоты к выпасу к выращиванию сельскохозяйственных культур и, с точки зрения интеллектуального развития, «прогресс» от магии к религии наука, идеология, которую Фрейзер старательно применял к широкому кругу культур. он учился.Хотя он относительно мало обращался к драме и театру как к таковым, другие использовали его методологию, чтобы подойти к этому предмету. Ранним антропологам Сравнение театра с религией и ритуалом оказалось особенно продуктивным. А всего через два десятилетия после первой публикации The Golden Bough , нет менее шести новых теорий о происхождении театра появилось в Распечатать.

Но это раннее исследование демонстрирует серьезные заблуждения.Первый и прежде всего, уравнение раннего и «примитивного», на котором многие из этих ранние исследования основаны на фундаментальном заблуждении. Все общества не маршируют в такт тому же барабанщику. Они развиваются и прогрессируют по своим собственным стандартам которые не обязательно совпадают с идеалами, в конечном итоге принятыми современными Западные цивилизации. В общем, наши ценности не единственно возможны, и наша культура не является парадигмой всех остальных. Современная история тоже все делает Очевидно, что ничьей мерой мы не должны служить мерой всех вещей.

В частности, технологическое превосходство не всегда идет рука об руку с культурным прогрессом, уравнение, популярное в Запад. На самом деле предположения Фрэзера сыграли на предубеждениях и предубеждения, распространенные в его время, например, что темнокожие туземцы по своей природе «примитивный» по сравнению со светлокожими людьми европейского происхождения. Более того, его догмат о том, что человеческая культура в конечном счете познаваема в научном смысл.Такой позитивизм действительно предполагает, что наука и научное знания представляют собой кульминацию цивилизации. Итак, следуя позитивистским принципы и изречение эволюционной биологии, что виды обычно склонны медленно эволюционировать от одного типа к другому, проходя через серию переходных форм , изучающих религию и обряды «первобытных» народов, которые, как они предполагали, служили предшественниками театра, ожидали увидеть в них свидетельства состояния ранней западной цивилизации. и, следовательно, не только то, как выглядели ранняя греческая культура и театр, но и образец постепенной эволюции, которой следовали все человеческие общества.Конечно, в конце концов они не нашли ни этих переходных форм, ни фактически каких-либо убедительных доказательств для такой эволюции.

Если бы антропологические исследования человеческой культуры в глобальном масштабе не действовать в точности так, как ожидалось, работа Фрейзера оставила после себя новое начало для изучения истоков театра, и только для этой современной науки в долгу перед ним. Тем не менее, немедленные и окончательные ответы на великие и непонятной проблемы самых отдаленных истоков театра не возникло.Фактически, из этих ранних современных исследований возникло гораздо больше вопросов, чем ответов, что само по себе не плохо, но может привести к путанице. Что важнее и обескураживает, на этом этапе произошла драматическая смена академической среды. в стипендии. Изучение раннего театра во многом перешло в руки антропологи, а не историки театра. Другими словами, изучение мира культуры приносили как минимум столько же пользы исследователю, изучающему этот выпуск как было читать древнегреческий.Западная драма аборигенов была теперь это вопрос социологии, а не Древней Греции, театра или даже Аристотеля.

Точно так же информация из более поздних периодов, таких как классическая эпоха, казалась меньшего интереса, чем то, что касалось ритуалов, мифов и магии «первобытных» общества. Например, священные танцы в ранней Греции стали получать больше внимания, чем более поздние хоры Еврипида, и театр отошел на второй план. поскольку «театральные» практики заняли центральное место в науке.В основной вопрос о связи между религиозными ритуалами и более поздними к театру не часто обращались напрямую, поскольку предполагалось, что эти ранние торжества, должно быть, каким-то образом привели к театру. Мало кто сомневался как священный танец «театр» или как он может превратиться в драма. Хотя в ходе такого рода исследований многое было изучено, центральный вопрос: «О какие? Театр или ритуал? », — спросили не так часто, как следовало бы.

Фрейзера работа стимулировала других к изучению мифа в целом. Их работа также способствовала к вопросу о происхождении театра, поскольку ранняя драма почти исключительно вокруг мифа. Один из таких исследователей, Бронислав Малиновский , работал над природой мифа. Он предположил, что мифологическое мышление функционирует в обществе как средство рационализации преобладающих в настоящее время институтов. По словам Малиновского, «[Миф] — это утверждение первобытной реальности, которая живет в учреждениях и занятиях сообщества.Это оправдывает прецедентом существующий заказ. . . »Некоторые из его последователей — называются« функционалистов ». потому что они сосредоточились на мифе как на органе общества, который функционировал, чтобы оправдать существующий режим — применил теории Малиновского к театру.

Это правда, что все, за исключением нескольких ранних греческих драм, рассказывают истории, почерпнутые из миф и многие включают этиологический («объяснительный») элементы. Другими словами, они объясняли культурные или физические явления, утверждая, что мифический прецедент и поэтому соответствует теориям Малиновского.Например, Эсхил «Связанный Прометей» касается Титана, который, согласно греческим миф, принес огонь человеку, чтобы люди могли воспользоваться его теплотой и использование кузницы. Эта пьеса явно содержит этиологические элементы (т. Е. как человечество стало обладать огнем и использовать его). Но являются ли все дорамы этиологическими? Некоторые из них могут быть не просто хорошим повествованием или захватывающим театром объясняя аудитории, почему что-то существует в их мире? Снова здесь, теория не может охватить всю широту драмы, даже в ее самый ранний день.

Другое позже продолжили дискуссии, в частности, Клод Леви-Стросс чья сложная и иногда непостижимая теория структурализма исследует природу преобладающих дуальностей в культуре, которых ищут искусство и миф посредничать.» То есть драма позволяет поэтам выразить невыразимое столкновение противоположностей, делающих человеческую жизнь иначе непостижимой. Это против такого разностороннего тезиса сложно спорить, а значит, он в равной степени сложно спорить за это.Достаточно сказать, что все эти исследователи занимаются рефератами, и, хотя их работа увлекательна и манит, она по-прежнему чистое предположение при отсутствии конкретных доказательств того, какая драма на самом деле выглядело как в доисторической древности.

И, к сожалению, более чем в одном случае в том, что они говорят, часто говорится, так как часто больше о современных обществах, чем о ранних. Например, механистический принципы, лежащие в основе функционализма Малиновского, вероятно, являются продуктом все более механизированный двадцатый век, тенденция, не проявляющаяся как таковая в классической античности.Другими словами, Малиновский нашел в мифе то, что им понравилось. ему как современному человеку, столкнувшемуся с миром машин, но это совсем не ясно что Эсхил чувствовал то же самое. Независимо от того, применим ли функционализм к прошлому, его привлекательность сегодня во многом объясняется тем, насколько хорошо он находит отклик в нашей жизни, не древние.

Следует также отметить, что, когда ранее Фрэзер искал «примитивный» культуры среди темнокожих людей, он проводил «политкорректную» путь в его дни.Несмотря на то, что данные свидетельствуют против такого рода мышление и опровержение такой точки зрения представляет собой правильный и лучше документированный точка зрения — не говоря уже о более гуманной перспективе! позиция мультикультурного принятия и открытости все еще не менее политически правильнее для нашего времени, чем «примитивизм» Фрейзера для его. Нравиться он, мы все по-прежнему продукты нашего времени, и то, что продается как теория, по-прежнему в значительной степени просто вопрос того, что продается.Наверное, это апокриф но есть история об одном антропологе, который, вставая, чтобы говорить раньше своих сверстников была встречена ими с энтузиазмом. Когда она добралась до микрофон, она сказала: «По вашим теплым аплодисментам я вижу, что я должна делать что-то не так «. Touché!


IV. Некоторые ответы на вопрос об истоках театра и Драма

Все это оставляет нас еще с вопросом о происхождении театра как учреждение.Антропологические исследования показали, что без сомнения «театральные» элементы во всех обществах прошлого и настоящего, вовлекающие все три основных элемента театра: аудитория, олицетворение и язык. Практически в каждой из когда-либо изученных культур есть зрители, которые смотрят представления. какого-то рода, часто ритуалы, в которых священники или священнослужители выдают себя за других в отношении важных повествований. Эти обряды тоже повторяются, как и пьесы. находятся.Однако язык — это большая проблема, поскольку он не важен для всех. ранние ритуалы — многие из них поются, танцуются или изображаются — но это не неотъемлемая часть современного театра. Надо помнить, что присутствие разговорной речи является лишь ориентиром и, в частности, самым слабым из трех элементы, упомянутые в предыдущей главе как важные для театра.

Тем не менее, хотя работа антропологов действительно обнаружила головокружительный массив «театральных» элементов в культурах, охватывающих планету, вопрос тем не менее остается вопрос, влекут ли они за собой самые ранние следы — или даже аналоги самых ранних форм — институциональный театр на Западе? Иными словами, «составляют ли театральные элементы прото-театр, и если да, то как?» Можем ли мы проследить прямую линию от них до театра? И это проблема, которая нам нужна провести расследование, прежде чем продолжить.

Хотя на этот вопрос нет ответа, историки театра могут некоторый комфорт, действительно, некоторые подсказки о том, как решить эту проблему, от факта что история театра — не единственная дисциплина, сталкивающаяся с этой проблемой. В самом деле, театральным историкам выгодно и надлежит исследовать, как их коллеги в других областях столкнулись с проблемой восстановления потерянных миров. Когда ученым, работающим в других дисциплинах, не остается выбора, кроме как заполнить области где данных не хватает, и для построения убедительных сценариев с учетом пробелов в их информации, они, по сути, выполняют один и тот же процесс вывода что делают театральные историки ранней драмы.

Например, хотя изучение эволюции гоминидов и, в частности, поиск предшественников из homo sapiens — часто рассматривается как «наука», это в глубине души историческое предприятие, демонстрирующее некоторые важные уроки о ведении дел с противоречивыми и отрывочными данными. В этой области палеонтологии ученые разбиты на группы, которые некоторые причудливо называют « lumpers » и « разветвители » (примечание).Люмперы — это те, кто считает доказательства существования ранних форм гоминидов к единой линии развития, которая так или иначе ведет к современному человеку. Сплиттеры видят в одних и тех же данных свидетельство того, что существует множество тупиковых ответвлений. из основной ветви, которая закончилась современными людьми. То есть к большому окаменелость гоминида является прямым предком современного человека и представляет собой стадию в эволюции нашего вида. Для расщепителя одно и то же ископаемое происходит не из прямой предок человека, но форма гоминида, которая может иметь отдаленного предка с homo sapiens , но не является прямым членом нашей генетической линии, двоюродный дедушка, так сказать, а не прадед.

Точно так же историков раннего театра можно разделить на лумперов и сплиттеров. Люмперы видят одну линию развития, в которой все засвидетельствованные ранние ритуалы способствовать или развиваться в театре. Раскольники театральной истории видят каждый отдельный ритуал как представитель отдельной линии развития, не шаги, которые обязательно вели в театр. Оба в чем-то правы и неправильно в других.

Люмперс прав, если смотреть на театр не как на целостное искусство, а как на сумма его составных частей.Все театральные ритуалы, несомненно, прото-театр. так или иначе, но они не являются институциональным театром, и при этом они не объединяют они произвольно производят театр. Когда незападные общества перемешивают язык, аудитория и олицетворение, все составляющие институционального театра, они не всегда придумывают театр в нашем понимании этого слова. Таким образом, пока рецепт поскольку театр требует наличия составных частей, требуется больше, чем что испечь пьесу.

Если сплиттеры более правы в этом отношении, они также не могут оценить в полной мере общность человеческих ритуалов, например, в обрядах плодородия или брачные церемонии. Расщепляя волосы, они создают хаос там, где согласованность, в факт, правила, а отсюда и глубокое отчаяние по поводу порядка. Так, например, нельзя отрицать, что древние китайцы также развили театр, который, хотя сильно отличается от западного театра, по-прежнему остается театром и называется «театром». во всем институциональном великолепии.Незначительные, поверхностные несоответствия не обязательно сигнализируют о различных эволюционных путях.

Таким образом, урок, который следует извлечь из споров о неразберихе, состоит в том, что подход к театру имеет решающее значение для оценки его происхождения. Если кто-то видит это как любое представление со зрителем и просмотром, театр возникает из всего в обществе, потому что мы естественным образом подражаем как вид, или « миметик » как выразился Аристотель. Но тут возникает совсем другой вопрос, а не один. что неизбежно приведет нас к ответу о происхождении театра в Запад.Дело в том, что театральные элементы могут превращаться в в «театр», но они не обязаны, конечно, не по западным стандартам, которые могут быть частью и часть театра на Западе, но не где-либо еще.

Итак, окончательный ответ, по-видимому, таков, поскольку театр впервые был записан в Древней Греции, мы должны сделать вывод, в отсутствие дополнительных доказательств, что это началось как-то в том месте и в то время, да и то довольно резко, судя по доказательство.Потому что именно там сначала аттестуются составляющие театра. существующими в рамках действительно институционального театра, и, честно говоря, мы должны дать кредит, когда кредит подлежит оплате. В общем, «театральное» — это, без сомнения, стары, как человечество, но «театр» ровесник доклассических времен. Греки.

Термины, места, люди и вещи, которые нужно знать
Геродот
Истории
Реликвии
Ископаемые
Аристотель
Джеймс Фрейзер, Золотая ветвь
Антропология
Позитивизм
Переходные формы
Бронислав Малиновский
Этиологический
Клод Леви-Стросс
Структурализм
Люмперс
Разветвители
Миметик


Эта работа находится под лицензией Creative Атрибуция Commons — без производных работ 3.0 Лицензия США.

Древнегреческий театр — Всемирная историческая энциклопедия

Греческий театр зародился в Афинах в VI веке до нашей эры с постановки трагедий на религиозных фестивалях. Они, в свою очередь, вдохновили жанр греческих комедий. Два типа греческой драмы были бы чрезвычайно популярны, и спектакли распространились по Средиземному морю и оказали влияние на эллинистический и римский театр. Таким образом, произведения таких великих драматургов, как Софокл и Аристофан, легли в основу всего современного театра.

Истоки трагедии

Точные причины трагедии ( tragōida ) обсуждаются среди ученых. Некоторые связывают возникновение этого жанра с более ранней формой искусства — лирическим исполнением эпической поэзии. Другие предполагают тесную связь с ритуалами поклонения Дионису, такими как принесение в жертву козлов — песенный ритуал под названием trag-ōdia — и ношение масок. Действительно, Дионис стал известен как бог театра, и, возможно, есть еще одна связь — обряды питья, в результате которых прихожане теряли полный контроль над своими эмоциями и, по сути, становились другим человеком, как надеются актеры ( hupokritai ), когда исполнение.Музыка и танец дионисийского ритуала были наиболее очевидны в роли хора и музыки, исполняемой авлосом, но ритмические элементы также были сохранены при использовании сначала хореального тетраметра, а затем ямбического триметра в передаче произнесенных слов. .

Трагедия Спектакль

Пьесы были представлены в театре под открытым небом ( theatron ) с прекрасной акустикой и, казалось бы, открытым для всего мужского населения (присутствие женщин оспаривается). С середины V века до нашей эры вход был бесплатным.Сюжет трагедии почти всегда вдохновлялся эпизодами из греческой мифологии, которые, мы должны помнить, часто были частью греческой религии. Вследствие этого серьезного сюжета, который часто имел дело с моральным добром и злом, а также с трагическими беспроигрышными дилеммами, насилие на сцене было запрещено, и о смерти персонажа нужно было слышать за кулисами, а не видеть. Точно так же, по крайней мере на ранних стадиях развития жанра, поэт не мог делать комментарии или политические заявления через свою пьесу.

Из-за ограниченного числа актеров каждый исполнитель должен был играть несколько ролей, где использование масок, костюмов, голоса и жестов стало чрезвычайно важным.

В ранних трагедиях был только один актер, который выступал в костюмах и в маске, что позволяло ему изображать богов. Здесь мы, возможно, можем увидеть связь с более ранним религиозным ритуалом, в котором процедура могла быть проведена священником. Позже актер часто разговаривал с руководителем хора, группой до 15 актеров (все мужчины), которые пели и танцевали, но не разговаривали.Это нововведение приписывается Thespis c. 520 г. до н.э. (происхождение слова «актер»). Актер также менял костюмы во время представления (используя небольшую палатку за сценой, skēne , которая позже превратилась в монументальный фасад), тем самым разбивая пьесу на отдельные эпизоды. Позже они переросли в музыкальные интермедии. В конце концов, на сцену разрешили выходить трем актерам, но не более — ограничение, которое учитывало равенство между поэтами в соревновании. Однако в пьесе может быть столько не говорящих исполнителей, сколько требуется, чтобы пьесы с большей финансовой поддержкой могли поставить более зрелищную постановку.Тогда из-за ограниченного числа актеров каждому исполнителю приходилось играть несколько ролей, где использование масок, костюмов, голоса и жестов становилось чрезвычайно важным.

Соревнования и знаменитые драматурги

Самый известный конкурс на спектакль трагедии проходил в рамках весеннего фестиваля Диониса Элевферия или Городской Дионисии в Афинах. Архонт, высокопоставленный чиновник города, решал, какие пьесы будут представлены на конкурсе, а какие граждане будут действовать как chorēgoi и будут иметь честь финансировать их постановку, в то время как государство платит поэту и исполнителям главных ролей.Каждый выбранный поэт представит три трагедии и одну пьесу сатиров, своего рода короткое пародийное представление на тему из мифологии с хором сатиров, диких последователей Диониса. В этот день пьесы оценивались жюри, и призом победителя таких конкурсов, помимо чести и престижа, часто становился бронзовый котел-тренога. С 449 г. до н.э. были также призы для ведущих актеров ( prōtagōnistēs, ).

Театр Диониса Элевферия, Афины

Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)

Драматургов, которые регулярно писали пьесы на конкурсах, прославились, и тройкой самых успешных был Эсхил (ок.525 — ок. 456 г. до н. Э.), Софокла (ок. 496-406 до н. Э.) И Еврипида (ок. 484-407 г. до н. Э.). Эсхил был известен своими нововведениями, добавлением второго актера, дополнительными диалогами и даже созданием сиквелов. Он описал свою работу как «Кусочки из праздника Гомера» (Burn 206). Софокл был чрезвычайно популярен и добавил к спектаклю третьего актера, а также нарисовал декорации. Еврипид прославился своими умными диалогами, реализмом и привычкой задавать публике неудобные вопросы, заставляя задуматься над общими темами.Пьесы этих троих были повторно разыграны и даже скопированы в сценарии для «массовой» публикации и изучения в рамках обучения каждого ребенка.

История любви?

Подпишитесь на нашу еженедельную рассылку по электронной почте!

Греческая комедия — Истоки

Точное происхождение греческих комедий теряется в тумане предыстории, но деятельность людей, переодевающихся и подражающих другим, несомненно, должна быть задолго до появления письменных источников. Первые признаки такой активности в греческом мире появились в гончарной посуде, где украшения в VI веке до н.э. часто изображали актеров в костюмах лошадей, сатиров и танцоров в преувеличенных костюмах.Еще одним ранним источником комедии являются стихи Архилоха (7 век до н.э.) и Гиппонакса (6 век до н.э.), которые содержат грубый и откровенный сексуальный юмор. Третий источник, цитируемый как таковой Аристотелем, находится в фаллических песнях, которые пели во время дионисийских фестивалей.

Комедия

Несмотря на то, что произошли инновации, комедийный спектакль имел традиционную структуру. Первая часть была parados , где хор из 24 исполнителей выступил и исполнил ряд песен и танцев.Их диковинные костюмы, одетые так, чтобы произвести впечатление, могли изображать что угодно: от гигантских пчел с огромными жалами до рыцарей, верхом на другом человеке в имитации лошади или даже разнообразных кухонных принадлежностей. Во многих случаях пьеса была названа в честь хора, например, Аристофана «Осы ».

Греческая мраморная комедийная маска

от Марка Картрайта (CC BY-NC-SA)

Второй этап шоу — это agon , который часто представлял собой остроумное словесное состязание или дебаты между главными актерами с фантастическими элементами сюжета и быстрой сменой сцен, которые могли включать в себя импровизацию.Третьей частью пьесы был parabasis , когда Хор обращался непосредственно к публике и даже напрямую говорил от имени поэта. Захватывающим финалом комедийного спектакля стала композиция exodos , когда Хор исполнил еще одну зажигательную песню и танец.

Как и в пьесах-трагедиях, все исполнители были актерами, певцами и танцорами-мужчинами. Все выступающие партии исполнили один звездный исполнитель и двое других актеров. Иногда разрешалось использовать четвертого актера, но только в том случае, если он не играл роли в сюжете.Комедийные пьесы позволили драматургу более прямо обратиться к событиям момента, чем к формальному жанру трагедии. Самыми известными комедийными драматургами были Аристофан (460–380 до н. Э.) И Менандр (ок. 342–291 до н. Э.), Которые выигрывали фестивальные конкурсы, как и великие трагики. Их работы часто высмеивали политиков, философов и коллег-художников, некоторые из которых иногда даже присутствовали в зале. Менандру также приписывают помощь в создании другой версии комедийных пьес, известных как «Новая комедия» (так что предыдущие пьесы стали известны как «Старая комедия»).Он представил юную романтическую героиню пьесам, которые, наряду с несколькими другими типажами, такими как повар и хитрый раб, стали популярными персонажами. Новая комедия также увидела больше поворотов сюжета, неизвестности и обращения к простым людям и их повседневным проблемам.

Наследие

Новые пьесы постоянно писались и ставились, и с образованием гильдий актеров в III веке до н.э. и мобильностью профессиональных трупп греческий театр продолжал распространяться по Средиземному морю, а театры становились общей чертой городского пейзажа из Магны. Греция в Малую Азию.В римском мире пьесы переводились и имитировались на латыни, и этот жанр породил новую форму искусства с I века до н.э. — пантомиму, которая черпала вдохновение из представления и сюжета греческой трагедии. Театр прочно утвердился как популярный вид развлечения и просуществовал до наших дней. Даже оригинальные пьесы V века до н.э. продолжали вдохновлять современных театральных зрителей на их вечное исследование универсальных тем, поскольку они регулярно повторяются по всему миру, иногда, как в Эпидавре, в оригинальных театрах Древней Греции.

Перед публикацией эта статья была проверена на предмет точности, надежности и соответствия академическим стандартам.

Происхождение английского театра

Конечно, первая мысль, которая приходит в голову, когда кто-то упоминает английский театр, — это то, что это страна Шекспира.Тем не менее, английские сцены богаты другими театральными изысками, от уникальной театральной архитектуры и блестящих площадок до новаторских драматургов и режиссеров. Вы можете посмотреть очаровательные скромные пьесы в маленьких симпатичных театрах или отправиться на грандиозные сценические постановки. В Лондоне можно найти практически все, и, если вам повезет, вы даже можете увидеть очень известных имен, таких как Ян Маккеллен и Ричард Армитидж, раскачивающий сцену. Итак, какой путь выбрать, если вы хотите окунуться в настоящий английский театр? Вот что вам нужно знать.

Римское влияние и первые дни английского театра

Театр зародился в Англии вместе с римлянами, которые представили свои зрительные залы Британии (и помните, что большая часть римского театра была вдохновлена ​​греками, которые изобрели это благородное искусство). Вплоть до Средневековья английский театр был далек от того, что мы воспринимаем как театр сегодня, но все же был захватывающим. В основном это были пьесы ряженых и такие вещи, как танцы Морриса, то есть танцы, которые исполнялись группами с мечами.Шекспиру пришлось ждать еще несколько столетий, прежде чем он поднялся на сцену, но люди того времени, безусловно, были довольны репертуаром.

Театр в средневековой Англии

Примерно с 1350 года театр приобрел огромную популярность в Англии. В основном это было связано с тем фактом, что церковь проявляла большой интерес к использованию театральных постановок как способа распространения своего послания. Театр рассматривался как отличный инструмент для объяснения христианства простым людям, многие из которых все еще оставались неграмотными и не могли читать религиозные книги.Люди хорошо к этому относились. В конце концов, это был приятный перерыв от их повседневной жизни, это был акт объединения сообщества, и многие спектакли были на самом деле довольно интересными. Понимаете, «обучение и развлечения» — это не совсем современная вещь. Церковь умела это делать еще в средние века!

Генрих VIII (правивший Англией с 1509 по 1547 год) был человеком, который заботился о своем досуге и хотел проводить его с удовольствием. Придворное зрелище, как еще одна театральная форма, приобрело большое значение.С другой стороны, религиозные пьесы сильно пострадали из-за Реформации. Светская драма стала доминирующей, и хотя в прошлом пьесы часто ставились в передвижных фургонах или в больших залах в домах богатых и королевских особ, в 16 веке в Англии появились первые настоящие театры для игр. Первый театр был построен за городскими стенами Лондона, так как Лондон еще не очень любил публичные выступления.

Елизаветинский театр

Конец 16 века часто считается жизненно важным периодом для английского театра.Это было время таких драматургов, как Шекспир и Кристофер Марлоу, чьи бессмертные стихи стали одним из краеугольных камней современного письма. Интересно, что писатели того времени также были очень плодовиты, поскольку их театральные труппы ежегодно ставили до 40 новых пьес. В игре также участвовали некоторые личные драмы, поскольку разные компании вели серьезную конкуренцию, а главные актеры также имели акции в театрах — поэтому, чем популярнее были их пьесы, тем больше они зарабатывали.Мелким актерам платили только еженедельно. Театры также работали с маленькими мальчиками, которым нужно было играть женские роли, которые получали лишь немного денег на карманные расходы, поскольку их считали только учениками.

В 1599 году был построен знаменитый Театр Глобус. До трех тысяч человек могли посмотреть пьесы в этом новом театре, и сегодня он в основном известен тем, что некоторые из самых известных и популярных пьес Шекспира были написаны для этого театра. Не путайте реконструкцию Глобуса 1990 года с оригиналом — новый Глобус, однако, является острым способом воздать должное Шекспиру и елизаветинскому театру.

Шекспир умер в 1616 году и, в отличие от многих своих современных писателей, прожил жизнь с относительно небольшими скандалами. Возможно, он был слишком занят, сосредоточившись на своем писательстве, или, возможно, он просто лучше умел хранить свои секреты в секрете. Может быть, его секретность привела нас к сегодняшней ситуации, когда мы сомневаемся в его истинной личности. Какой бы ни была история, стоящая за именем Шекспира, его пьесы — одно из самых ценных наследий Англии.

Современный театр в Англии

Гранд Опера, Йорк

Во время гражданской войны театры были закрыты на восемнадцать лет, так как опасались, что эти места могут стать местом гражданских беспорядков.Во время реставрации театры в Англии снова изменились — одним очень заметным изменением стало то, что наконец были приняты и драматурги-женщины. В последующие столетия театры стали еще более популярными, строилось все больше и больше подходящих площадок, и довольно многие люди могли зарабатывать на жизнь только актерами или драматургами.

Театр сегодня

Можно предположить, что театр больше не играет такой важной роли в современной Англии — в конце концов, существует большая конкуренция за театры в виде кинотеатров, телевидения, концертов или компьютерных игр.Однако, если вы возьмете в руки любой экземпляр журнала в Лондоне, в котором говорится: «Что происходит в Лондоне?» (Или в любом другом крупном городе Англии), вы всегда увидите, что театральные постановки по-прежнему играют жизненно важную роль в индустрии развлечений в Англии. Некоторые из самых известных театральных имен в мире за последние несколько десятилетий появились в Англии (вероятно, Сара Кейн звонит в звонок), доказывая, что наши сцены по-прежнему заботятся о своей актуальности.

Скульптура «Небесное зеркало» за пределами Ноттингемского театра, культовая скульптура художника Аниша Капура, расположенная на переднем дворе Ноттингема, главный продюсерский театр, Ноттингемский театр

Небольшие труппы и альтернативные площадки делают английский театр еще более динамичным.Практически куда бы вы ни пошли, вы можете получить удовольствие от восторженных независимых постановок или общественных театров. Выбираете ли вы амбициозные и дорогие постановки классики, независимые интерпретации Шекспира в крутых альтернативных площадках или дебютные пьесы будущих драматургов, у вас будет много на столе!

См. Также:

Истоки танцевального музыкального театра — Human Kinetics

Это отрывок из веб-ресурса «Начало танцев в музыкальном театре», написанного Дайаной Дарт Харрис.

Первые драмы с музыкой и танцами были представлены греками в V веке до нашей эры. Эти драмы послужили образцом для римлян, которые расширили танцевальный элемент. В средние века группы путешествующих актеров использовали танец, чтобы рассказывать истории, а в XII и XIII веках католическая церковь ставила драмы с музыкой и танцами, чтобы закрепить уроки морали и оживить библейские истории. С окончанием средневековья и началом Возрождения возродились греческие драмы.Некоторые из этих драм, например, Орфей (1607) Монтеверди, который был показан при дворе Гонзага, и Перселла Dido и Эней (1689), который был показан в Англии, содержали танцевальные и движущиеся последовательности. Представления пантомимы также были популярны и включали пение, акробатику, выступления клоунов и диалоги, а также танцы. Танцы, включенные в эти пантомимы, считались шоу-танцами и могли быть чем угодно, от классических танцев с трубкой до танцев на канате. Кроме того, танец использовался между актами шекспировских пьес и использовался для развлечения публики между действиями Джона Грея Опера для нищего в 1728 году.Эти танцы обычно включали индивидуальный танец в одиночку или в сопровождении группы танцоров, которые исполняли какой-либо тип шотландского народного танца.



Воссоздание танца из греческих игр.


Знаете ли вы?

Римляне создали первые башмаки, прибив куски металла к подошвам своих сандалий, чтобы можно было слышать танцевальные шаги.


Музыкальный театр танца в колониальной Америке

За океаном, в колониальной Америке, театр поддерживали британские актерские труппы. Опера нищего , премьера которой состоялась в Европе в 1720-х годах, была первым документированным музыкальным представлением в Нью-Йорке в 1750 году. В 1767 году открылся Театр на Джон-стрит, который стал основным театральным пространством Нью-Йорка до конца 18 века. Комическая опера «Лучники », исполненная там в 1796 году, считается первым мюзиклом американского происхождения (Kenrick, 2011). Во время революционного периода в Америке (1764–1789) некоторые члены Континентального конгресса высказывались против театров и спектаклей, потому что эти развлечения считались скандальными и неприятными (Kenrick, 2011).Эта оппозиция привела к тому, что несколько из 13 колоний запретили публичные выступления, но, как бы люди ни старались, удержать других от танцев сложно, и даже законодательство не могло остановить это. Между 1750 и 1843 годами белые люди с черными лицами путешествовали по стране, исполняя песни и танцы в цирках и в качестве развлечения во время перерывов в играх (Kenrick, 2011). Эти антрактные выступления в конечном итоге превратились в полнометражные выступления менестреля в середине 1800-х годов.


Менестрели и водевиль

Шоу менестрелей были пародиями на черные песни и танцы, рожденные, когда странствующие исполнители блэкфейса назвали себя Менестрелями Вирджинии и представили полнометражное шоу в 1843 году.Но эти шоу менестрелей не допускались на Бродвее, который считался культурным центром Нью-Йорка и предназначался для элитных граждан, которые любили оперы и пьесы. Шоу менестрелей проводились в Бауэри, где собирались представители низшего сословия. В эпоху менестрелей, которая длилась до начала 1900-х годов, танцевальным шагам официально давали записанные имена.


В 1866 году постановку под названием « Черный жулик » планировалось поставить в Нью-Йорке в саду Нибло.Тем временем парижская балетная труппа была приглашена для выступления в Музыкальной академии. Пожар в Музыкальной академии привел к слиянию балетного спектакля с постановкой «Черный жулик» . В результате получился спектакль продолжительностью 5 1/2 часа с добавленными песнями и танцами. Песни и танцы не имели никакого отношения к сюжету, что делало постановку похожей на цирковое зрелище, в котором отдельные танцоры были одеты только в облегающие лифы и колготки. «Черный жулик» был первым спектаклем в Соединенных Штатах, который длился более года, и ознаменовал рождение музыкального театра в Соединенных Штатах.



Финальная сцена из сериала Черный жулик .


Black Crook проложил путь бурлеску и водевилям конца 1800-х годов. В бурлеск-шоу этого десятилетия участвовали женщины, которые носили костюмы, отражающие формы их тела. Их выступления развлекали средний и низший классы и использовали музыку и танцы, чтобы высмеивать оперы, пьесы и представителей высшего сословия. Vaudeville. Шоу представляли собой серию не связанных между собой мероприятий в рамках вечерних развлечений, которые вызвали интерес ко всем видам танцев, включая ирландский танец, чечетку, комические танцы, акробатику, модные танцы, танцы с юбками и танцы на пальцах ног.Водевиль был тренировочной площадкой для людей, которые продолжали выступать и создавать бродвейские мюзиклы 20-го века.

Знаете ли вы?

Танец на пальцах ног, исполняемый в водевильных шоу, сильно отличался от классического балетного танца en pointe . Танцоры выполняли трюки, например прыгал через скакалку, танцуя на цыпочках. Некоторые танцоры даже прикрепляли металл к носкам обуви, чтобы отбивать ритм во время танца.


Девушки бального зала, регтайма и хора

В начале 1900-х годов музыка рэгтайм, сочетающая европейские народные песни с западноафриканскими барабанными ритмами, проникла на театральную сцену.Танцевальная часть представлений стала расширяться. Танцевальные постановщики получили признание и сосредоточились на том, как можно использовать сцену и как танцы выглядят с точки зрения публики. Кроме того, инструкторы по танцам потратили много времени на обучение танцоров определенным действиям. Когда Vernon Castle (1887–1918) и Irene Castle (1893–1969) усовершенствовали и отполировали танцы, которые чернокожее население исполняло под музыку рэгтайм, родились бальные танцы. Замки были ответственны за популяризацию бальных танцев и изменение этих социальных танцев, чтобы сделать их интересными для зрителей.


В начале 1900-х годов Джон Тиллер (1854-1925) основал школу в Лондоне, Англия, которая предлагала танцевальное обучение женщинам, которые стали известны как лондонские Tiller Girls . Их учили действовать в унисон, маршировать в боевых порядках с военной точностью. Тиллер предоставил танцоров для лондонских ревю и музыкальных комедий и привез девушек в Соединенные Штаты, чтобы танцевать в водевильных шоу и музыкальных пьесах, таких как «Человек на Луне» (1899) и «Девушка из казино» (1901).Со временем он добавил к их тренировкам пинки канкан и шаги водевильского типа. Вскоре аналогичные школы открылись в США.


Нед Уэйберн (1874 — 1942) основал Студию сценического танца в 1905 году на Манхэттене и создал линии для ног. Хотя он считал, что всех танцоров нужно обучать, его главным приоритетом была внешность. Танцоров выбирали для шоу из-за их красоты, и он был первым танцевальным директором, который потребовал, чтобы все танцоры в его хоре были одного роста.


Его танцы содержали сложные быстрые шаги, и он требовал музыкальности и улыбок. Уэйберн эффективно использовал картин, или группы позирующих танцоров, чтобы изобразить сцены на сцене. Он был, вероятно, самым влиятельным, успешным и самым известным танцевальным руководителем своего времени, выступая в качестве танцевального постановщика для Ziegfeld Follies, ежегодного шоу, продюсированного Florenz Ziegfeld (1867-1932) с 1916 по 1919 и снова. с 1922 по 1923 гг.Ему приписывают разработку походки Цигфельда, которая требовала от танцоров спускаться по лестнице, балансируя огромные головные уборы, одновременно выталкивая одно бедро вперед и выталкивая вперед противоположное плечо.



A Ziegfeld Follies исполнитель с 1925 года.


Также известны своей работой над Ziegfeld Follies, были танцевальными постановщиками Джулиан Митчелл (1854-1926) и Альбертина Рауш (1891-1967). Митчелл расширил идею Тиллера о хористке и разработал концепцию грандиозного постановочного номера.Митчелл отвечал за танцы в фильмах Волшебник из страны Оз, в 1902 году и Babes in Toyland в 1903 году.


Альбертина Рауш была третьим танцевальным руководителем группы Ziegfeld Follies . Она принесла элементы своего классического балетного обучения на Бродвей, объединив движения балетных рук или порт-де-бюстгальтер, похожие на те, что используются в классическом балете, с менее стилизованными движениями и сочетая эксцентричный водевильный танец на пальцах ног с точностью Тиллера.Она поставила этот танец под современную музыку и назвала его американским балетом (Кислан, 1987).


Тем временем в Гарлеме процветал черный музыкальный театр. Открытие в 1911 году, The Darktown Follies был полностью черным мюзиклом с хороводом, в котором каждый кружился по сцене, положив руки на бедра следующего человека в очереди. Этот хоровод был куплен Флоренцем Зигфельдом для использования в его Follies .В 1923 году шоу Runnin ‘Wild вернулось к танцорам ашанти в Африке и представило один из их танцев на сцене, названный Charleston.


Границы между черным и белым музыкальным театром начали стираться, поскольку белые стали брать все больше черных танцев и исполнять их на белых сценах.


В этот период танец превратился из аккомпанемента в театральные постановки в достойное место на сцене. Благодаря The Black Crook и известным танцорам, таким как Кастлс, Нед Уэйберн, Джулиан Митчелл, Альбертина Рауш, Джон Тиллер и Флоренц Зигфельд, танец стал занимать более видное место в выступлениях.

Сохранить

Узнать больше о Музыкальный театр для начинающих .

История театра Нью-Йорка: Бродвей

Слово «Бродвей» является особенным, потому что оно обозначает и профессию, и место: театральную индустрию и большой бульвар, протянувшийся по всему Манхэттену. Хотя это может показаться очевидным для жителя Нью-Йорка, многие люди, не являющиеся коренными жителями, не ассоциируют эти двое, пока не окажутся на тротуарах Бродвея.Что еще больше сбивает с толку, многие бродвейские шоу на самом деле не проходят на самом Бродвее, а некоторые шоу, которые ставятся на этой знаменитой улице, помечены как «внебродвейские». Но даже до того, как был поставлен первый американский мюзикл, Бродвей был важной улицей, и этот статус она сохраняет по сей день.

Истоки Бродвея

До того, как Бродвей стал синонимом театральной индустрии, он был просто средством передвижения. Когда коренные американцы жили на острове под названием Маннахатта, их имя Бродвея называлось Тропа Виквасгека.Тропа естественным образом простиралась по всей Маннахатте, и когда голландские колонисты прибыли, чтобы создать Новый Амстердам, они тоже начали использовать эту магистраль, назвав ее de Heere Straat , или «Джентльменская улица». Дорога пролегала от форта Амстердам через поселение к укреплению против англичан вдоль нынешней Уолл-стрит. Когда англичане захватили Новый Амстердам, переименовав его в Нью-Йорк, они также переименовали Бродвей.

The Origins of Broadway Theater

В то время как английская театральная индустрия была хорошо развита к тому времени, когда колонисты начали осваивать Новый Свет, строительство поселений было кропотливой работой, и времени на развлечения такого масштаба было мало.Записи об организованном театральном представлении в Америке отсутствуют до 1732 года. 6 декабря 1732 года труппа актеров, описанных как лондонцы, представила спектакль Джорджа Фаркухара The Recruiting Officer в так называемом Новом театре, здании, принадлежащем губернатор Рип Ван Дам. Позже в Театре на улице Нассау, также принадлежащем Ван Даму, будут проходить такие постановки, как Ричард III , а также постановка Джона Гая «Опера нищего» , первая музыкальная постановка, которая будет показана в Нью-Йорке в 1750 году. Многие ранние нью-йоркские театры представляли собой не что иное, как деревянные дома, выкрашенные в красный цвет, и хотя они могли служить своей цели в качестве места для сценических постановок, только после постройки Паркового театра в 1798 году театральные площадки в Нью-Йорке были построены. Йорк будет напоминать тех, что в Англии.

Великий Белый Путь

Сегодня Бродвей простирается от Инвуда до Боулинг-Грин, но только часть этого бульвара является частью театрального квартала.Часть Бродвея, известная своими развлечениями, называется Великим Белым путем, и пролегает между 42-й и 53-й улицами. В 1890-х годах эта часть Бродвея была одной из первых улиц, освещенных электрическими лампами. Это привело к заголовку в нью-йоркской Telegram от 3 февраля 1902 г. «Найдено на Великом Белом Пути», что и привело к такому прозвищу. Бродвей начала 1900-х годов воплотил свое прозвище: это был источник новизны и приключений, ярко освещенный сотнями дуговых ламп.Водевиль, немые картинки и бродвейские развлекательные шоу, такие как Ziegfeld Follies, сосуществовали как самые популярные виды развлечений.

Великая депрессия

Великая депрессия была тяжелым временем в истории Бродвея. В условиях развала экономики и высокого уровня безработицы аудитория Бродвея 1920-х годов значительно уменьшилась. Это привело к тому, что около 75% бродвейских исполнителей и продюсеров переехали в Голливуд. Многие бродвейские театры были также преобразованы в кинотеатры по мере того, как росла популярность говорящих картин.На Бродвее постановки стремились найти юмор в депрессии. Известные шоу, дебютировавшие в 1930-х годах, включают Anything Goes (1934), Порги и Бесс (написанные Дю Бозом Хейуордом и Джорджем и Ирой Гершвин, вернувшимися в Голливуд после посредственных рецензий на мюзикл), Ирвинга Берлина и Moss Heart. As Thousands Cheer (1933) и Once in a Life . В 1937 году были открыты три политические сатиры: «Я бы предпочел быть правым» Роджера и Херта, об администрации Рузвельта, «Штыри и иглы» и «Колыбель будет рок », режиссером которого стал Орсон Уэллс.

Средние годы

После Великой депрессии интерес к Бродвею вырос. Многие смотрят дебют Роджера и Хаммерштейна Оклахома! в 1943 году как начало «золотого века» Бродвея, продолжавшегося до 1960-х годов. Мюзиклы Роджерса и Хаммерштейна были в авангарде успеха Бродвея в то время, показывая танцевальные номера, запоминающиеся мелодии и сюжеты о парнях и девушках. Другие мюзиклы Роджерса и Хаммерштейна, которые дебютируют в это время, включают Карусель (1945), Южный Тихий океан (1949) и Король и я (1951).Производство Лернера и Лоу пошло по тому же пути, с некоторыми примерами Brigadoon (1947), My Fair Lady (1956) и Camelot (1960).

1970-е были вторым периодом упадка на Бродвее: Нью-Йорк боролся с вандализмом и преступностью, и оптимизм послевоенной эпохи угас. Программы реинвестирования на Бродвее сделали 80-е годы более успешными, и бизнес увеличился, когда дебютировали такие популярные шоу, как Les Misérables (1987) и The Phantom of the Opera (1988).

Современный театр

Сегодня Бродвей — это индустрия стоимостью в миллиард долларов. Сезон 2017-18 годов, который длился 53 недели, стал самым прибыльным в истории Бродвея, заработав 1 697 458 795 долларов, а общая посещаемость шоу составила 13 792 614 человек. И эти цифры не включают внебродвейские и внебродвейские постановки, которые также имели неплохие показатели. Разница между бродвейскими и внебродвейскими шоу заключается в размере театра, в котором они проходят: бродвейские театры классифицируются как имеющие 500 и более мест, в то время как вне-бродвейские театры имеют от 100 до 499 мест, а вне-бродвейские театры обычно имеют 99 мест или меньше.

Самые длинные пьесы

Самым продолжительным бродвейским шоу является Призрак оперы , в котором с момента премьеры 26 января 1988 года было проведено более 12 000 представлений. Но звание самого продолжительного мюзикла в Нью-Йорке по-прежнему остается Пути прочь: Бродвейский мюзикл The Fantasticks открылся в 1960 году и закрылся в 2002 году, на его счету 17 162 спектакля. Затем шоу вновь открылось в 2006 году; объединив свои две трассы, он был частью Бродвея более 50 лет.Некоторые другие давние шоу включают возрождение Chicago , который дебютировал в 1996 году, The Lion King , который проводится с 1997 года, и Les Misérables , который открылся в 1987 году, закрылся в 2003 году и с тех пор дважды возрождался.

Ваш комментарий будет первым

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *